BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 CALSCALE:GREGORIAN PRODID:iCalendar-Ruby VERSION:2.0 BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Cities have always been an enduring preoccupation for Stanislaw Lewkowicz (1956\, Hoensbroek\, The Netherlands). In his recent and on-goin g series\, titled Fragmentarische herinneringen (fragmented recoll ections) Lewkowicz offers predominantly different perspectives of street vi ews and views of rooms. These unrealistic city-pics give the urban experien ce\, full of cacophony of noises\, a new face and the feeling of memory a s ense of significance. Marked by a seemingly rhythm of natural facades\, how ever\, all are underpinned by the same personal approach to the medium of l ithography and photography. 

Stanislaw Lewkowicz’s photograp hs/lithographs are indistinct hybrid art works in a way that they have an i ntimate feel. At the same time they distance themselves from the viewer\, a nd perhaps even the artist. A cool result that comes from Lewkowicz’s techn ique of working the photographic origins with his lithographic technique wi th the image\, making it a merger between photography and lithography\, or even the blurring of figuration and abstraction\, that captures the literal ly and conceptually meaning of his work at the same time.

Wh at defines his art works is the revelation of the different undercurrents b eneath the surface\; the ineligible\; the invisible beauty that one cannot put into words. To decipher his works\, one usually tries to decipher the p hotograph\; this is most of the time an arbitrary picture that Lewkowicz to ok on one of his travels. But being the groundwork for the final work of ar t\, his photographs are aimed towards a conceptual theme he is after. 

\n

The technique of lithography gives Lewkowicz a chance to work with his hands on the original photograph. In this way\, his technique is a mech anism for Lewkowicz to plunge himself deeper in his subject matter\, an eng agement that starts personal but transforms itself to refer beyond himself to more general conditions of society. The photograph is thus the perfect i mage of personal detachment and the beginning of Lewkowicz’s focus on worki ng towards the lithographic end-result that shows the people’s collective i nterest in most of the time cultural achievements or memories of the past.< /span>

This is evident in his BAIGNEURS series he made in 2012. At this show in Flatland we can 'see' the Russian immigrant workers who are en joying a free afternoon on the beach on the west coast of the Island of Elb a\, amid mostly Italian tourists. But as with Lewkowicz' other work\, there is a detachment of the subject\, thus of the immigrant workers towards a c onceptual meaning of Europe\, its workers\, and the future.

Biography Stanislaw Lewk owicz
(1956\, Hoensbroek\, The Netherlands)

Stanislaw Lewkowicz studied at the Academy of Fine Arts in Utrecht \, The Netherlands. Before this he worked at the age of 16 as a fresh deck cadet for the shipping line the Koninklijke Java China Pakketvaart. From Du rban (South Africa) where he was stationed\, he was booked on to the giant freighters and even merchant marine ships. After Lewkowicz finished his stu dies in Utrecht\, he continued his education at the Academy of Warsaw in Po land but was forced to leave due to the explosive political situation in Po land and subsequently the closure of the university. Lewkowicz travelled fo r a couple of years through Europe\, working as a farm or land labourer and sometimes even industrial worker. After this rough life\, Lewkowicz settle d in Amsterdam where he still lives and works.

Stanislaw Lew kowicz exhibitions include twice a show in the 1980s at Museum Fodor\, Amst erdam (today’s FOAM Amsterdam)\; other shows include those at the Museum He t Valkhof\, Nijmegen (2006)\; Stedelijk Museum Roermond\, Roermond (2005)\; the 2nd Guanlan International Print Biennial\, in Shenzhen\, China\, organ ized by the China Artists Association and curated by Zhao Jiachun\, in 2009 .

Apart from private collections\, his work is in the perman ent collection of the Stedelijk Museum Amsterdam\, The Netherlands\; the Ce ntraal Museum\, Utrecht\, The Netherlands and the Bonnefantenmuseum\, Maast richt\, The Netherlands. In 1986 and 1988 Lewkowicz was awarded the Dutch g raphics award and in 1988 the International Award for Marine Painting in An twerp.

DTEND:20130504 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130411 GEO:52.3601715;4.8918082 LOCATION:Flatland Gallery\,Lijnbaansgracht 314 \nAmsterdam\, 1017 WZ SEQUENCE:0 SUMMARY:NEW\, Stanislaw Lewkowicz UID:262106 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

 A Cock of the Frock is a Sout h American cotingid birds. The males are  magnificent birds because of thei r bright orange and red colors and  there very prominent fan-shaped crests which they use for a complex  court behavior. Performing an impressive lek display. This is used by  male animals for competitive mating ceremonies. < /p>\n

The bird will use it’s fan and colors to lure the female in and court  them. This behavior shows a very dominant behavior In A Cock in a Frock on a Rock (a famous phrase from the movie Th e  Adventures of Pricilla Queen of the Dessert)\, Juliette Jongma presents a  group exhibition with 4 artists\; Juliaan Andeweg\, Alicja Bielawska\, T im  Braden and Edwin Deen. All dominantly using color as a common  conventi on.

\n

Juliaan Andeweg
Studied at the Koninklijke Academie Den Haag (Royal Academy The Hague)\,  on their website he states ‘I declare the painterly brush st roke to be  banned from the atelier by presenting these new\, smooth and gl istening  monochromes’. At the gallery Juliaan Andeweg (1986\, NL) shows mo nochrome  paintings on a relief. The painting become sculptures or objects in a  way\, where some of them are emancipated from the wall.

\n

Alicja Bielawska
Alicja Bielawska (1980\, PL) graduated in 2009 from the Gerrit Rietveld  Ac ademy in Amsterdam. Bielawska shows a fragile lining through space.  The ob jects defines itself in its own setting and becomes part of the  space it i s exhibited in. I this way the sculpture tells it’s own story  and changes with moving.

\n

Tim Braden
 Known as a colorful paint er\, here shown his film ‘Documentary\, 2006’  where Tim Braden (1975\, UK) paints a fence in Island.  Tim Braden is mostly known for his colorful pai nting. His work reflects  the idea of the collective unconsciousness. We ha ve something all in  common. In his film ‘Documentary\, 2006’ he reflects o n color\, signs\,  buildings\, different shapes and sizes and Land Art. Lit erally painting a  colored line through nature\, Braden tries to recreate a memory of a land  Art Piece that he has ones seen. 

\n

Edwin Deen
‘Edwin Deen is an artist of comic relief in daily life’. The  installations\, projects or experiments by Edwin Deen (1980\, NL) are  always an ongoing progress. A wo rk is never just the work you see but  displayed almost in a cocky way. It reveals a web of associations in  shape\, color\, function and meaning. Dee n often uses existing objects and  experiments with their shapes\, colors a nd functions. These experiments  are most of the time the key factor within the work\, the association it  creates.

DTEND:20130504 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130420 GEO:52.3559633;4.8934992 LOCATION:Galerie Juliètte Jongma\,Gerard Doustraat 128a \nAmsterdam\, 1073V X SEQUENCE:0 SUMMARY:A Cock in a Frock on a Rock\, Juliaan Andeweg\, Alicja Bielawska\, Tim Braden\, Edwin Deen UID:270377 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130420T190000 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130420T170000 GEO:52.3559633;4.8934992 LOCATION:Galerie Juliètte Jongma\,Gerard Doustraat 128a \nAmsterdam\, 1073V X SEQUENCE:0 SUMMARY:A Cock in a Frock on a Rock\, Juliaan Andeweg\, Alicja Bielawska\, Tim Braden\, Edwin Deen UID:270378 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

As part of our ongoing collaboration since June 2012\, Witte de With Cen ter for Contemporary Art and the Centre for Art and Philosophy of Erasmus University in Rotterda m are proud to join forces and present Speculative Art Histories\, a three- day international research symposium bringing together renowned philosopher s and art historians.

\n

With keynote speakers: Reza Negarestani\, Bertrand Prévost (University of Bordeaux)\, Elisabeth von Samsonow (Akademie Bilden de Künste Wien)\, Lars Spuybroek (NOX\, Georgia Tech)\, and Kerstin Thomas  (University of Mainz).
With p articipants: Armen Avanessian\, Joost de Bloois\, Erik Bordeleau\, Fleur Co urtois-l’Heureux\, Rick Dolphijn\, Adi Efal\, Bram Ieven\, Vlad Ionescu\, S arah Kolb\, Charlotte de Mille\, Henk Oosterling\, Andrej Radman\, Sjoerd v an Tuinen\, Kamini Vellodi.

\n

Program:
2 May 2013: Speculative philosophy and a rt
3 May 2013: Diagrammatics and the radical picturesque and Speculative con ceptions
4 May 2013: Speculative presences and Speculative expressions

\n

Download the full program HERE.

\n

Fo llowing the recent ‘speculative turn’ in Continental philosophy\, prepared by thinkers such as Gilles Deleuze and Alain Badiou and elaborated by philo sophers Quentin Meillassoux\, Brian Massumi\, Isabelle Stengers and Reza Ne garestani among many others\, the aim of this conference is to propose a co unter-discourse of speculative approaches to art and\, especially\, to art history.

\n

How could today’s materialist\, realist\, pragmatist\, vitalist or object-oriented speculations offer alternatives to the mere complementa rity of philosophy of art and art history\, which is often based on mutual recognition and critical limitation rather than imaginative crossovers? Wha t new intermedial methodologies for art and art historical writing do they provide? Or vice versa\, how can the encounter with art induce new forms of philosophy? How do speculative concepts of time\, past and contingency cha llenge typically modern engagements with art’s ‘history’?

\n

Is there\, for example\, an unexpected contemporary relevance for pre-modern\, e.g. or ma nnerist or gothic theories of art? And what is the speculative potential of works of art themselves? Does the speculative open up new ways of extendin g art into fields of biology\, mathematics or the digital? What is the ‘thi ng’ or ‘object’ of art\, whether inanimate or animate? What does it mean to have an ‘idea’? And finally\, what remains of ‘beauty’ and ‘expressivity’\ , after decades of critical mistrust and deconstruction?

\n

The guiding int uition of this conference is that both the modern gap between philosophy an d art history and the postmodern call for more interdisciplinarity are insp ired by a consensual abhorrence of more speculative approaches to art. That things could be otherwise can be learned from early formalist art historia ns such as Heinrich Wölfflin and Aloïs Riegl\, who combined vitalist philos ophy with empirical research in an almost proto-structuralist way and whose tradition was continued well into the 20th century by the likes of Henri F ocillon and Henri Maldiney.

\n

During the symposium on May 3 and 4 Insur gence (2013)\, a documentary by Épopée – groupe d’action en cinéma\, wh ich accounts the event of the Printemps Érable (the 2012 student protests i n Montreal) will be on view in relation to symposium participant Erik Borde leau (member of Épopée)’s speculative reading of the cinematographic medium .

\n

Speculative Art Histories Symposium is the outcome of the Speculative Art Histo ries reading group\, which meets twice a month at Witte de With to disc uss an important text for art theory\, be it a philosophical text by contem porary philosophers such as Brian Massumi or Graham Harman or a canonical t ext from the field of art history by for example Michael Fried or John Dewe y.

\n

The Speculative Art Histories reading group is initiated by the Centr e for Art and Philosophy upon the invitation of Witte de With Center for Co ntemporary Art.

\n

Supported by:

\n

Erasmus Universiteit Rotterdam           Erasmus Trustfonds

\n
\n

Als deel van de doorlop ende samenwerking sinds juni 2012 tussen Witte de With Center for Contempor ary Art en het Cent re for Art and Philosophy presenteren wij met trots Speculative Art His tories\, een driedaags internationaal onderzoek symposium met filosofen en kunsthistorici.

\n

Keynote sprekers: Reza Negarestani\, Bertrand Pré vost (University of Bordeaux)\, Elisabeth von Samsonow (Akademie Bildende K ünste Wien)\, Lars Spuybroek (NOX\, Georgia Tech)\, and Kerstin Thomas (Uni versity of Mainz).
Deelnemers : Armen Avanessian\, Joost de Bloois\, Erik Bordeleau\, Fleur Courtois-l’He ureux\, Rick Dolphijn\, Adi Efal\, Bram Ieven\, Vlad Ionescu\, Sarah Kolb\,  Charlotte de Mille\, Henk Oosterling\, Andrej Radman\, Sjoerd van Tuinen\,  Kamini Vellodi.

\n

Programma:
2 mei 2013: Speculative philosophy and art
3 mei 2013: Diagrammatics and the r adical picturesque en Speculative conceptions
4 mei 2013: Speculative presences en Speculat ive expressions

\n

Download het volledige programma HIER< /a>.

\n

In navolging van de recente ‘speculatieve wending’ in de Continenta le filosofie\, die werd voorbereid door Gilles Deleuze en Alain Badiou en w ordt uitgewerkt door onder andere Quentin Meillassoux\, Brian Massumi\, Isa belle Stengers en Reza Negarastani\, stelt deze conferentie zich tot doel e en contradiscours van speculatieve benaderingen van kunst\, en in het bijzo nder kunstgeschiedenis\, voor te stellen.

\n

Hoe kunnen hedendaagse materia listische\, realistische\, pragmatische\, vitalistische of objectgeoriëntee rde speculaties alternatieven bieden voor de complementaire relatie tussen kunstfilosofie en kunstgeschiedenis\, die veelal is gebaseerd op wederzijds e erkenning en kritische afbakening in plaats van op verbeeldingsrijke krui sbestuivingen? Welke nieuwe\, ‘intermediale’ methodologieën kunnen deze spe culaties bieden aan de kunst en aan het kunsthistorische discours? Of omgek eerd\, hoe kan de ontmoeting met kunst leiden tot nieuwe vormen van filosof ie? Op welke manier vormen speculatieve concepten van tijd\, verleden en co ntingentie een uitdaging voor typisch moderne verhoudingen tot de ‘geschied enis’ van de kunst?

\n

Hebben bijvoorbeeld premoderne kunsttheorieën\, zoal s maniëristische of gotische kunsttheorieën\, een onverwachte hedendaagse r elevantie? En wat is het speculatieve potentieel van kunstwerken? Opent het speculatieve de deur naar nieuwe mogelijkheden om kunst uit te breiden naa r gebieden zoals biologie\, wiskunde of de digitale wereld? Wat is het esth etische ‘ding’ of ‘object’\, zij het geanimeerd of niet? Wat betekent het o m een idee te hebben? En tot slot\, wat blijft er over van ‘schoonheid’ en ‘expressiviteit’ na decennia van kritisch wantrouwen en beschaamde deconstr uctie?

\n

De leidende intuïtie achter deze conferentie\, is dat zowel de mo derne kloof tussen filosofie en kunstgeschiedenis\, als de postmoderne roep om meer interdisciplinariteit\, geïnspireerd zijn door de afkeer van meer speculatieve benaderingen van kunst. Dat het ook anders kan leren we van vr oege formalistische kunsthistorici\, zoals Heinrich Wölfflin en Aloïs Riegl \, die op haast constructivistische wijze vitalististische filosofie en emp irisch onderzoek met elkaar verbonden en wier traditie tot ver in de twinti gste eeuw werd voortgezet door mensen zoals Henri Focillon en Henri Maldine y.

\n

Op 3 en 4 mei zal tijdens het symposium Insurgence (2013) te z ien zijn. Deze documentaire door Épopée – groupe d’action en cinema\, hande lt over de gebeurtenissen tijdens de Printemps Érable (de protestacties doo r studenten in Montreal\, 2012). Insurgence wordt getoond in relatie tot de presentatie van Épopée-lid Erik Bordeleau waarin hij een speculatie ve lezing van het cinematografische medium uiteenzet.

\n

Het Speculative Ar t Histories Symposium is het resultaat van de Speculative Art Histories leesgroep die tweemaal pe r maand samenkomt bij Witte de With om belangrijke kunsttheoretische tekste n te bespreken\, gaande van recente filosofische teksten door filosofen als Brian Massumi of Graham Harman tot teksten uit het canon van de kunstgesch iedenis door bijvoorbeeld Michael Fried of John Dewey.

\n

De Speculative Ar t Histories leesgroep is tot stand gekomen door de samenwerking tussen het Center for Art and Philosophy (CAP) en Witte de With Center for Contemporar y Art.

\n

Gesteund door:

\n

Erasmus Universite
 it Rotterdam           Erasmus Trustfonds

\n

< /p> DTEND:20130504 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130502 GEO:51.9154779;4.4770598 LOCATION:Witte de With Center for Contemporary Art\,Witte de Withstraat 50 \nRotterdam\, 3012 BR SEQUENCE:0 SUMMARY:Speculative Art Histories Symposium UID:272996 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

There is no other city that inspires the imagination as Troy does. There is something magical\, something mythical\, something fascinating about Tr oy. From 7 December 2012 to 5 May 2013\, the Allard Pierson Museum - the ar chaeology museum of the University of Amsterdam - is presenting the exhibit ion Troy. City\, Homer and Turkey. The exhibition reveals Troy's man y characteristics and offers the latest perspectives on the city. With more than 300 artefacts on loan from within the country and abroad\; never befo re in the Netherlands have so many outstanding archaeological and cultural historical artefacts from and about Troy been on display in one exhibition. This exhibition is sure to be a spectacular conclusion to the celebrations marking 400 years of diplomatic relations between Turkey and the Netherlan ds.

\n

Troy. City\, Homer and Turkey recounts the stories of Troy and reveals how the meaning of the city is in a constant state of flux . Wherever the legendary name of Troy is heard there is controversy and con flict. Many have laid their own claim to Troy through the centuries. The bl ind poet Homer commemorated the city in his world-renowned epic\, the Il iad\, but Troy is more than the 10-year war between the Greeks and the Trojans. Troy is also the city itself\, where excavations have revealed 5\, 000 years of history and where so many people\, countries and cultures have left their mark.

\n

The exhibition Troy. City\, Homer and Turkey presents a historical reflection of the city from various points of vi ew - from the city itself\, from the poet Homer and from different cultures and countries. The many myths that developed about Troy over time act like a thread running through the exhibition. The sensational excavations by He inrich Schliemann and his successors are displayed with the aid of copies o f the famous Priam's Treasure\, along with original finds from the v arious digs. The large marble head of Zeus from the Archaeological Museum i n Istanbul is a highlight. The reception of the history of Troy by various cultures and Turkish culture during the 19th and 20th centuries forms a maj or part of the exhibition. A selection of items from the Ottoman archives\, including photographs of Atatürk at Troy and the excavation permit issued to Schliemann\, reveal Homeric Troy's relevance to Turkey.

\n

A book of the same name has been published as companion to the exhibition (€ 24.95). In addition\, there is an extensive programme of activities\, including lectur es\, courses\, educational material for secondary education and Troy trips to Turkey. Further information is available at www.troyinamsterdam.nl

\n

This exhibition has been made possible thanks to the Mondriaan Fonds\, SNS Reaalfonds\, Prins Bernhard Cultuurfonds\, VSBfonds\, STSV SEZER TANSUĞ SA NAT VAKFI Foundation\, 400 jaar Nederland Turkije (400 years Netherlands Tu rkey)\, the Turkish Tourism Office\, Corendon Airlines\, Hogiaf\, Agiaf and the Association of Friends of the Allard Pierson Museum.

\n


For further information / pictures please make contact with Katja Vermeulen\, Communications &\; PR Allard Pierson Museum\, 020-525 2555 / 56\, c.m.a.vermeulen@uva.nl\, René van Beek\, conservator Allard Pie rson Museum\, 020 52 52 540\, r.vanbeek@uva.nl or Günay Uslu\, guest conser vator Turkish reception history\, 06-21571974\, g.uslu@uva.nl.

DTEND:20130505 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20121207 GEO:52.3687983;4.8929331 LOCATION:Allard Pierson Museum\,Oude Turfmarkt 127 \nAmsterdam\, SEQUENCE:0 SUMMARY:Troy. City\, Homer and Turkey UID:248362 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20121207T170000 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20121207T100000 GEO:52.3687983;4.8929331 LOCATION:Allard Pierson Museum\,Oude Turfmarkt 127 \nAmsterdam\, SEQUENCE:0 SUMMARY:Troy. City\, Homer and Turkey UID:248363 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Wij zijn verheugd en trots om van 23 maart tot en met 27 april de tentoo nstelling Gewonde Leeuw/ Wounded Lion van Marien Schouten te presenteren. Het is de derde tentoonstelling van Marien Schouten bij Ga lerie Paul Andriesse.

\n

< span style="font-size: small\;">Voor deze tentoonstelling transformeerde Ma rien Schouten (Andel\, 1956) de galerieruimte tot een platform voor nieuw e n vroeg werk. Hij toont naast keramieken sculpturen\, schilderijen en teken ingen een aantal ruimtelijke installaties die ingrijpen in de architectonis che ruimte en duidelijk een relatie aangaan met elkaar. Daarnaast manipuler en de installaties het blikveld en de natuurlijke looproute van de bezoeker . Zo stuit de bezoeker bij binnenkomst op een stalen hek (in kleinere vorm te zien geweest bij Konrad Fischer Galerie in 1989) dat de directe fysieke benadering van een groot keramieken beeld erachter onmogelijk maakt. Het ra sterwerk van het hekwerk is beeldbepalend bij het kijken naar de kopachtige sculptuur. Via een omweg is het mogelijk bij het beeld en een grote kerami sche tegel te komen.

\n

De vrije looproute in de galerie wordt daarn aast op dwingende maar subtiele wijze beïnvloed door een twintig meter lang e sokkel die de voor- en achterruimte met elkaar verbindt. Op deze sokkel s taan zowel oudere als nieuwe sculpturen in keramiek. De vormen en glazuurla gen van deze afzonderlijke beelden zijn opvallend divers. Uiteenlopende\, h aast alchemistische procedés in het glazuren en stoken zorgen hiervoor. In dit maakproces wisselen sturing en toeval elkaar steeds nadrukkelijk af. So mmige getoonde werken zijn voorstudies voor werken die uiteindelijk in grot er formaat zijn gerealiseerd\, zoals twee studies voor de Groene Kamer / Slang (2001-2002) die zich in Museum De Pont bevindt.
< /p>\n

In d e achterruimte vormt de grote rode glaswand een derde architectonische comp onent die intervenieert. De wand belemmert  het directe zicht op het schild erij Gewonde Leeuw / Wounded Lion (1989) erachter waarnaar deze te ntoonstelling  is vernoemd. De rode kleur en verhulde blik verbinden een me lancholische betekenis aan het werk.

\n

Recentelijk realiseerde Mari en Schouten in het Europees Keramisch Werkcentrum twee grote sculpturen in opdracht van het Paleis van Justitie in Amsterdam. In de vorige tentoonstel ling in de galerie in 2011 waren zes grote witte sculpturen te zien die voo rstudies waren voor deze witte kopachtige beelden. Op de lange sokkel in de ze tentoonstelling staat eveneens een voorstudie in klein formaat voor dit werk. In september 2013 zal het Paleis van Justitie officieel geopend worde n door dan Koning Willem Alexander en is het mogelijk de sculpturen te bezi chtigen.

DTEND:20130505 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130323 GEO:52.3757016;4.8847696 LOCATION:Galerie Paul Andriesse\,Leliegracht 47 \nAmsterdam\, 1001 EM SEQUENCE:0 SUMMARY:Gewonde Leeuw / Wounded Lion\, Marien Schouten UID:262584 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130323T190000 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130323T170000 GEO:52.3757016;4.8847696 LOCATION:Galerie Paul Andriesse\,Leliegracht 47 \nAmsterdam\, 1001 EM SEQUENCE:0 SUMMARY:Gewonde Leeuw / Wounded Lion\, Marien Schouten UID:262585 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Witte de With is excited to unfurl her 2013 program with Tulkus 1880 to 2018\, a mastodontic artwork and work in progress by Paola Pivi\, based on an extensive international research.

\n

Aimed at creating a comple te collection of portraits and basic information on all the tulkus of the w orld–who in Tibetan Buddhism are the recognized reincarnations of previous Buddhist masters*–from the beginning of photography until today\, from all the schools of Tibetan Buddhism and Bon\, and from all the areas of the wor ld where this religion is practiced\, this growing survey has until now col lected over 1100 photographic portraits.

\n

Manifesting in a stunning array of forms\, from high production color prints to inexpensive photocopied re productions\, and in scales ranging from pocket-size to large format\, thes e images are the same ones commonly treasured in monasteries\, hung in priv ate households or shops\, or collected by the faithful. These photographs a re considered holy by the believers.

\n

Executed in collaboration with hund reds of tulkus\, individuals and institutions around the world\, Pivi’s res earch will continue to grow and be displayed through 2018 in various venues \, up to a total of 10 exhibitions\, after which it will be donated to the Tibetan people. The direction of the research itself has been delegated to Tibetan individuals\, under the supervision of Tibetan historian Tashi Tser ing\, Director of Amnye Institute\, Tibetan Centre for Advanced Studies\, D haramshala\, India. The entire project/artwork Tulkus 1880 to 2018  is non profit.

\n

Tulkus 1880 to 2018 uncharacteristically lays ba re these objects of specific veneration within the confines of a religiously plural\, and often secular art institution–an institution that conversely i s not known for presenting nominally sacred objects to its audience\, and i s itself enshrined within a long history of aesthetic discourses that attem pt to establish a ‘visual neutrality’.

\n

Witte de With Director Defne Ayas calls the exhibition “a major undertaking of key historical value” and add s: “As Witte de With\, we are tremendously proud to be a partner to this im portant project\, for which Paola Pivi went beyond and above\, and collabor ated with spiritual leaders\, scholars\, researchers\, and photographers\, as well as with special archives. It is indeed a treat to experience it.”

\n

With photographs by:

\n

Daniel Kuma Bärlocher\, Sue Byrne\, Das Brothers\ , Alexandra David-Néel\, Don Farber\, James Giabrone\, Marion Griebenow\, T homas L. Kelly\, Kinsey Bros\, Vijay Kranti\, Mr. M. Linden\, Heather Lindq uist\, Marvin Moore\, Melina Mulas\, Tashi Nangchen\, Sarah Orbanic\, Tashi Paljor\, Tenzing Paljor\, Matthew Pistono\, Claire Pullinger\, Raghu Rai\, Matthieu Ricard\, Joseph Francis Charles Rock\, Tim Roodenrys\, Ritu Sarin and Tenzing Sonam\, David Sassoon\, Sandra Scales\, Jurek Schreiner\, Albe rt Shelton\, Tseten Tashi\, Gursed Tserenpil\, Neal Watkins\, John Claude W hite\, David Zimmerman\, and many more.

\n

With sincere thanks to the hundr eds of people and institutions who have made this project possible\, and sp ecial thanks to the Private Office Of His Holiness The Dalai Lama.\n

T ulkus 1880 to 2018 is curated by Davide Trapezi and co-commissioned by Witte de With Center for Contemporary Art and Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art. Special thanks go to all the sponsors who have supported this project from its inception onwards: Artissima\, Turin\; Galleria Mass imo De Carlo\, Milan and London\, Galerie Perrotin\, Hong Kong /Paris\, Pho tographic Laboratory Grieger\, Düsseldorf\, and generous contributions of a nonymous donors.

\n

* In Tibetan Buddhism\, a tulku is the recognized reinc arnation of a previous Buddhist master (a highly realized teacher or lama\, e.g. H.H. the Dalai Lama or H.H. Karmapa) who is able to choose the manner of their rebirth and can often reveal the place of their next birth by mea ns of cryptic clues. Tulkus are collectively revered for holding the lineag es of oral transmission of all of the Buddha’s teachings\, which have been handed down through many generations. Most often they are referred to as Ri npoche or ‘precious one’. 

\n

Witte de With is closed on 30 April ( Queensday).

\n
\n

< span style="font-size: small\;">Wegens de feestdagen zal Witte de With op 2 5 december 2012 en 1 januari 2013 de hele dag gesloten zijn.

\n

Met trots b egint Witte de With haar programma voor 2013 met Tulkus 1880 to 2018\, een indrukwekkend kunstwerk van Paola Pivi dat voortkomt uit een groot schalig\, internationaal onderzoek en tot 2018 in continue ontwikkeling is.

\n

Het doel van het project is de totstandkoming van een complete collecti e van portretten en basisgegevens van alle tulkus*­–in het Tibetaans boeddh isme erkende reïncarnaties van eerdere boeddhistische meesters. De verzamel de portretten gaan terug naar het ontstaan van de fotografie en omvatten af beeldingen van tulkus van alle scholen van het Tibetaans boeddhisme en de b on-religie\, afkomstig uit alle windstreken waar het Tibetaans boeddhisme w ordt gepraktiseerd. Tot op heden heeft het onderzoek meer dan 1100 fotoport retten bij elkaar gebracht.

\n

De verzameling laat een groot scala aan foto ’s zien\, van hoogwaardig geproduceerde kleurenprints tot goedkope gefotoko pieerde reproducties. De omvang varieert van zakformaat tot immens grote af drukken. De getoonde portretten zijn gelijk aan de afbeeldingen die gewoonl ijk in kloosters\, huishoudens of winkels hangen ter verering. Ook worden z e vaak bewaard door gelovigen\, voor wie de afbeeldingen een heilige beteke nis hebben.

\n

Pivi’s onderzoek en verzameling\, dat is uitgevoerd in samen werking met honderden tulkus\, particulieren en internationale instellingen \, zal op verschillende locaties worden voortgezet en tentoongesteld tot 20 18\, waarna de uiteindelijke verzameling portretten zal worden geschonken a an de Tibetaanse gemeenschap. Het project staat onder toezicht van de Tibet aanse historicus Tashi Tsering\, directeur van het Amnye instituut van het Tibetan Centre for Advanced Studies in Dharamsala\, India. Het gehele proje ct en kunstwerk Tulkus 1880 to 2018 is non-profit.

\n

Tulkus 1 880 to 2018 toont vereringsobjecten in de context van een kunstinstitu ut van seculiere aard\, dat niet bekendstaat om het presenteren van zogenaa mde heilige objecten. Daarnaast is Witte de With een plek die zelf veranker d is in een lange traditie van esthetisch discours waarmee het een ‘visuele neutraliteit’ tracht neer te zetten. Defne Ayas noemt de tentoonstelling “ een gigantische onderneming van onschatbare historische waarde” en voegt da araan toe: “Witte de With is er enorm trots op om partner te zijn in dit be langrijke project\, waarvoor Paola Pivi alles in het werk heeft gesteld en samenwerkt met spirituele leiders\, academici\, onderzoekers\, fotografen e n archieven. Het zien van deze tentoonstelling is een bijzondere belevenis. ”

\n

Met fotobijdragen van:

\n

Daniel Kuma Bärlocher\, Sue Byrne\, Das Brot hers\, Alexandra David-Néel\, Don Farber\, James Giabrone\, Marion Griebeno w\, Thomas L. Kelly\, Kinsey Bros\, Vijay Kranti\, Mr. M. Linden\, Heather Lindquist\, Marvin Moore\, Melina Mulas\, Tashi Nangchen\, Sarah Orbanic\, Tashi Paljor\, Tenzing Paljor\, Matthew Pistono\, Claire Pullinger\, Raghu Rai\, Matthieu Ricard\, Joseph Francis Charles Rock\, Tim Roodenrys\, Ritu Sarin en Tenzing Sonam\, David Sassoon\, Sandra Scales\, Jurek Schreiner\, Albert Shelton\, Tseten Tashi\, Gursed Tserenpil\, Neal Watkins\, John Clau de White\, David Zimmerman en vele anderen.

\n

Met oprechte dank aan de hon derden mensen en instellingen die dit project mogelijk hebben gemaakt\, met bijzondere dank aan het Private Office Of His Holiness The Dalai Lama.

\n

Tulkus 1880 to 2018 is samengesteld door Davide Trapezi\, in opdra cht van Witte de With Center for Contemporary Art en Castello di Rivoli Mus eum of Contemporary Art. Speciale dank gaat uit naar alle sponsoren die dit project mede mogelijk hebben gemaakt: Artissima\, Turijn\, Galleria Massim o De Carlo\, Milaan en Londen\, Galerie Perrotin\, Hong Kong / Parijs\, fot ografisch laboratorium Grieger\, Düsseldorf en anonieme donateurs.\n

* Een tulku is binnen het Tibetaans boeddhisme een erkende reïncarnatie van een eerdere boeddhistische meester (een vergevorderde leraar of lama\, bijvoorb eeld de Dalai Lama of de Karmapa)\, welke in staat is invloed uit te oefene n op zijn of haar reïncarnatie en bovendien aan de hand van cryptische aanw ijzingen vaak kan onthullen waar zijn of haar volgende geboorte zal plaatsv inden. Tulkus worden vereerd omdat zij mondeling de wijsheden van de Boeddh a voortzetten\, al vele generaties lang. Vaak worden zij Rinpoche\, ofwel ’ dierbare’\, genoemd.

DTEND:20130505 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130125 GEO:51.9154779;4.4770598 LOCATION:Witte de With Center for Contemporary Art\,Witte de Withstraat 50 \nRotterdam\, 3012 BR SEQUENCE:0 SUMMARY:Tulkus 1880 to 2018 by Paola Pivi\, Tenzing Sonam\, Paola Pivi\, Da niel Kuma Bärlocher\, Sue Byrne\, Das Brothers\, Alexandra David-Néel\, Don Farber\, James Giabrone\, Marion Griebenow\, Thomas L. Kelly\, Kinsey Bros \, Vijay Kranti\, Mr. M. Linden\, Heather Lindquist\, Marvin Moore\, Melina Mulas\, Tashi Nangchen\, Sarah Orbanic\, Tashi Paljor\, Tenzing Paljor\, M atthew Pistono\, Claire Pullinger\, Raghu Rai\, Matthieu Ricard\, Joseph Fr ancis Charles Rock\, Tim Roodenrys\, Ritu Sarin\, David Sassoon\, Sandra Sc ales\, Jurek Schreiner\, Albert Shelton\, Tseten Tashi\, Gursed Tserenpil\, Neal Watkins\, John Claude White\, David Zimmerman UID:251936 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130124T210000 DTSTAMP:20140902T192937 DTSTART:20130124T180000 GEO:51.9154779;4.4770598 LOCATION:Witte de With Center for Contemporary Art\,Witte de Withstraat 50 \nRotterdam\, 3012 BR SEQUENCE:0 SUMMARY:Tulkus 1880 to 2018 by Paola Pivi\, Daniel Kuma Bärlocher\, Kinsey Bros\, Das Brothers\, Sue Byrne\, Alexandra David-Néel\, Don Farber\, James Giabrone\, Marion Griebenow\, Thomas L. Kelly\, Vijay Kranti\, Mr. M. Lind en\, Heather Lindquist\, Marvin Moore\, Melina Mulas\, Tashi Nangchen\, Sar ah Orbanic\, Tashi Paljor\, Tenzing Paljor\, Matthew Pistono\, Paola Pivi\, Claire Pullinger\, Raghu Rai\, Matthieu Ricard\, Joseph Francis Charles Ro ck\, Tim Roodenrys\, Ritu Sarin\, David Sassoon\, Sandra Scales\, Jurek Sch reiner\, Albert Shelton\, Tenzing Sonam\, Tseten Tashi\, Gursed Tserenpil\, Neal Watkins\, John Claude White\, David Zimmerman UID:251937 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
At a time when artists may work without obligation to medium\, why choose the materials of painting? What does it mean for an artist to assum e the role of painter today? And just what is at stake for a new generation committed to painting?
\n
 
\n
This exhibition\, Joe Scanlan’ s third at the gallery\, presents new developments in abstract painting and studio practice as they relate to abstract labor\, that is\, the comparati vely unencumbered task of preparing the materials for a work of art before authorship and anxiety set in.
\n
 
\n
Scanlan’s new works consider the illustrious role of the stretcher builder as butcher to contemporary p ainting. To paraphrase Samuel Beckett by way of The Brady Bunch\, the perso n building the stretcher never worries about what to paint. This worry free attitude accounts for the undeniable freshness of Scanlan’s exhibition\, a nd the slow smile it will likely bring on your face.
\n
 
\ n

For Scan lan\, painting is a means\, not an end—a generative process rooted in the s tudio yet open and receptive to the world. With a fascination for the mediu m's many histories—especially the traditions of textile manufacturer and st retcher builder as anonymous craftsman—Scanlan’s new works freely pursue ne w vocabularies of abstraction and methods of making.

\n

Questions of form a nd process find a more distributed context than ever before as Scanlan embr aces an ever-expanding network of references and influences\, including fin e woodworking\, laundry day\, and alcoholism. Drawing into the studio aspec ts of bluegrass\, furniture\, literature\, performance\, meteorology\, phil osophy\, and class\, Scanlan filters his wide-ranging interests through the aesthetics of a job well done.

\n

By engaging painting's history\, convent ions\, and critical debates on their own terms\, he insists that the role o f the painter is open to interpretation and reinvention. Indeed\, the simpl e repetition in the show's objects is meant to signal the term's fluidity\, as Scanlan pulls apart\, examines and reposes painting’s various meanings in our present moment. 

DTEND:20130511 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130302 GEO:52.37569;4.884771 LOCATION:Galerie de Expeditie\,Zsa Zsa Eyck Leliegracht 47\nAmsterdam\, 101 6 GT SEQUENCE:0 SUMMARY:Abstract Labor\, or: The Happy Butcher\, Joe Scanlan UID:260162 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130302T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130302T170000 GEO:52.37569;4.884771 LOCATION:Galerie de Expeditie\,Zsa Zsa Eyck Leliegracht 47\nAmsterdam\, 101 6 GT SEQUENCE:0 SUMMARY:Abstract Labor\, or: The Happy Butcher\, Joe Scanlan UID:260163 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

First solo exhibition by inter nationally renowned artist Matthias Weischer in a Dutch gallery.

\n

It is with great pleasure that we announce the first gallery exhibition in the Netherlands by Matthias Weischer (Elte\, 19 73) since his solo exhibition at the Gemeentemuseum in The Hague in 2008.\n

The exhibition ‘xxx’ will be on show a t the Frans Halsstraat gallery and it will include solely new paintings. Ma tthias Weischer’s oeuvre exists predominantly of paintings and drawings tha t oscillate between the real and the imagined. An important and recurring t heme in his oeuvre is the rediscovery of the interior as a theme in paintin g. His paintings often show private interior spaces that are isolated from the world\, which is underlined by the absence of doors and windows. Voyeur istic feelings creep up and one wonders who lives in these rooms and what t heir lives are like\, but Weischer does not provide intimate insights. Noth ing in the sometimes sparsely furnished and sometimes stuffed rooms offers orientation or something to hold on to.  Weischer creates his interiors lay er for layer with paint\, as if he is actually building the room in the pai nting himself.

\n

He starts with the fou ndation consisting of multiple layers of transparent paint\, then he contin ues with the walls and ultimately he decorates the room with objects rangin g from old-fashioned furniture\, to ornamental draperies\, worn carpets\, m attresses and paintings that refer to the art historical canon. Every singl e object stems from the collective residential memory\, furniture catalogue s from the fifties or sixties and images of studios from the nineteenth cen tury and feels therefore familiar\, but the random sampling of the objects makes Weischer’s paintings alienating at the same time. 

\n

Around 2006 Weischer started to look for a work method that approached the real world more immediate through observation\, rather than relying on his imaginative insight. He started to stage scenes with va rious objects in his flat\, but the real break in his oeuvre is symbolized by the scholarship in 2007 at the German Academy in Rome. In the private ga rdens of Villa Massimo and the Japanese Cultural Institute he started to dr aw and paint views of nature intensively. In the midst of this new environm ent he found new sources of inspiration\, which in turn also influenced his studio work. Weischer’s new works are a mix of the artificial landscape an d his staged interiors. By letting the outside in he opened up painting onc e again. 

\n

Matthias Weischer is a German painter who has lived and worked in Leipzig since 1995. He is considered to be one of the most talented members of the new Leipzig School\, a loose assembly of artists whose works are regarded as the new p aintings in the rich history of German painting. However\, there is no doub t that Weischer’s works stand out as unique. He studied painting from 1995 to 2001 and he received his MA with distinction (class of Sighard Gille) in 2003\, both at the Academy of Visual Arts in Leipzig. Between 2004 and 200 5 Matthias Weischer was a protégé of the influential British artist David H ockney in the Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative.

\n
\n

Voor het eerst exposeert de gerenommeerde kunste naar Matthias Weischer in een Nederlandse galerie. Zijn nieuwste werk is va n zaterdag 23 maart tot en met zaterdag 11 mei 2013 bij Grimm in Amsterdam te zien. Weischer’s tentoonstelling is de neerslag van onderzoek naar de mo gelijkheden van verf en de betekenis van schilderkunst in de hedendaagse cu ltuur. De werken tonen een mix van abstracte landschappen en geënsceneerde interieurs met als bindend thema het ruimtelijk perspectief en de zoektocht naar de grenzen van de schilderkunst.

\n

Weischer's werk bestaat voornamelijk uit schilderijen die balanceren op h et snijvlak van realiteit en verbeelding. Centraal\, in veel gevallen\, sta at de herontdekking van het interieur als onderwerp. Zijn schilderijen tone n interieurs die geen verbinding lijken te hebben met de wereld. Hierdoor w aant de kijker zich een voyeur die het liefst wil weten wie er in deze kame r woont en leeft. Maar Matthias Weischer geeft in zijn werk weinig bloot\, bijna niets in deze vaak schaars ingerichte kamers geeft een aanwijzing of biedt oriëntatie.

\n

Interieur in verf< /h3>\n

Laag voor laag creëert Weischer zijn interieurs\, en brengt hij een kamer daadwerkelijk tot leven. Hij begint m et de fundering die bestaat uit meerdere lagen transparante verf en vervolg ens trekt hij de wanden op. Hij eindigt met een intrigerende maar vertrouwd aandoende inrichting\, bestaande uit antiek meubilair\, oude tapijten\, ma trassen en schilderijen. Zijn presentatie van objecten wekt uiteenlopende a ssociaties\, variërend van meubelcatalogi uit de jaren '50 en '60 tot afbee ldingen van negentiende-eeuwse ateliers. Tegelijkertijd vormt de lukrake ve rspreiding van deze objecten een bron van vervreemding en verstilling.

\ n

Nieuwe manier van schilderen

\n

Rond 2006 ging Matthias Weischer op zoek naar e en nieuwe werkmethode. In plaats van zijn verbeelding in te zetten\, koos h ij voor observatie als middel om de echte wereld zo direct mogelijk te bena deren. In 2007 kwam een doorbraak toen hij een beurs kreeg van de Duitse Ac ademie in Rome. In het interieur en de privé tuinen van Villa Massimo vond Weischer een nieuwe bron van inspiratie. Zijn jongste werk - een mix van ku nstmatige landschappen en geënsceneerde interieurs alsmede volledig abstrac te werken - brengt dit op overtuigende wijze tot uitdrukking.

\n

Over Matthias Weischer

\n

Van 1995 tot 2000 studeerde Matthias Weischer (Elte 1973) aan de Leipzig Academie waar hij in 2003 zijn Master met onderscheiding behaald e. Hij geldt als een van de meest vooraanstaande Duitse schilders van zijn generatie (samen met Daniel Richter en Neo Rauch) en zijn werk wordt als un iek bestempeld. Weischer was van 2004 tot 2005 een protegé van de invloedri jke Britse kunstenaar David Hockney via het Rolex Mentor &\; Protégé Art s Initiative. Sinds 2001 is zijn werk wereldwijd tentoongesteld\, o.a. in L onden (2003)\, Miami (2004)\, op de Biënnale van Venetië\, in het Cleveland Museum of Art en in het Gemeentemuseum in Den Haag. Zijn werk maakt deel u it van de collecties van The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles\; Gem eentemuseum Den Haag\; Arken Museum of Modern Art\, Denmark\; Arario Collec tion\, Korea\; Museum der bildenden Künste\, Leipzig\; the Rubell Family Co llection\, Miami\; the Ovitz Collection\, Los Angeles en the Collection Sus an and Michael Hort\, New York.

DTEND:20130511 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130323 GEO:52.3575334;4.8888493 LOCATION:GRIMM Gallery\,Frans Halsstraat 26 \nAmsterdam\, 1072 BR SEQUENCE:0 SUMMARY:Thicket\, Matthias Weischer UID:253525 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130323T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130323T170000 GEO:52.3575334;4.8888493 LOCATION:GRIMM Gallery\,Frans Halsstraat 26 \nAmsterdam\, 1072 BR SEQUENCE:0 SUMMARY:Thicket\, Matthias Weischer UID:253526 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20130511 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413 GEO:52.3703359;4.8801005 LOCATION:Stigter van Doesburg\,Elandsstraat 90 \nAmsterdam\, NL 1016 SH SEQUENCE:0 SUMMARY:F230 Rose dragee\, Jimmy Robert UID:269975 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130413T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413T170000 GEO:52.3703359;4.8801005 LOCATION:Stigter van Doesburg\,Elandsstraat 90 \nAmsterdam\, NL 1016 SH SEQUENCE:0 SUMMARY:F230 Rose dragee\, Jimmy Robert UID:269976 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20130511 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413 GEO:52.3703359;4.8801005 LOCATION:Stigter van Doesburg\,Elandsstraat 90 \nAmsterdam\, NL 1016 SH SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Show\, Becky Beasley UID:269977 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130413T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413T170000 GEO:52.3703359;4.8801005 LOCATION:Stigter van Doesburg\,Elandsstraat 90 \nAmsterdam\, NL 1016 SH SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Show\, Becky Beasley UID:269978 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Foam presents Foto Galatasaray - Maryam Şahinyan's Photo Studio\ ,  a selection from  the complete professional archive of Maryam Şahinyan ( Sivas\, 1911 - Istanbul\, 1996). Şahinyan worked as a photographer at her m odest studio in Galatasaray\, Beyoğlu in Istanbul uninterruptedly from 1935 until 1985. The archive is a unique inventory of the demographic transform ations occurring on the socio-cultural map of Istanbul after the declaratio n of the Republic. It is also a chronological record of a female Istanbulit e studio photographer's professional career.

\n

Armed with the woo den bellows camera her father originally took over from a family that immig rated from the Balkans in the aftermath of the First World War\, Şahinyan c reated an unparalleled visual coherence without compromising her technical and aesthetic principles. Consisting entirely of black-and-white and glass negatives\, the physical archive of Foto Galatasaray is a rare surviving ex ample of the classical photography studios of Istanbul's recent past.

\n

Fo to Galatasaray was never as visible as some of the elite photography studio s\, famous since the 19thcentury. Nonetheless\, it played an important role in representing the middle and lower classes that ensured the continuity o f the studio. Şahinyan was a devout Armenian woman\, and her identity creat ed a closely-knit circle that determined the sociological basis of Foto Gal atasaray's clientele\, setting it apart from Istanbul's other studios. Span ning half a century\, her work impartially traces the ethnic\, social\, cul tural\, religious and economic transformations taking place at the center o f the city.

\n

From ordinary passport photos to photographs that turn impor tant ceremonies\, for which the subjectsprepared with great care\, into mem orabilia\, Foto Galatasaray's mise-en-scènes offer proof that the need for cultural representation within the rush of daily life has in recent decades been of great importance. The archive covers various political periods\, f rom the 1942 imposition of Turkey's Capital tax to the war against Cyprus i n 1974. It also reflects a wide range of interests including the decrease i n Istanbul's Greek\, Jewish and Armenian populations as immigration from An atolia increased\; changes in dress\, accessories and hair styles\; the tra nsformation of class and demographic structures in urban life\; differences between generations created by adaptation to the city\; prototypes of gend er\; and\, naturally\, the aesthetic preferences of Şahinyan as a female ph otographer.

\n

Changing hands after Şahinyan left the studio in 1985\, the archive was transferred to a storehouse belonging to Yetvart Tomasyan\, own er of Aras Publishing. Twenty-five years later\, approximately 200\,000 neg atives in the archive were\, over the course of two years\, sorted\, cleane d\, digitized\, digitally restored\, categorized and protected by a team un der the direction of artist/researcher Tayfun Serttaş.

< span style="font-size: small\;"> Foto Galatasaray research was conducted at SALT by Tayfun Serttaş. An exhibition of the same name was realised at SAL T Galata in Istanbul late 2011.

\n

The exhibition Foto Galatasaray - Maryam Şahinyan's Photo Studio can be seen from 22 March - 12 May 2013 in Foam. O pen daily 10am - 6pm\, Thurs/Fri 10am - 9pm. Tickets: € 8\,75.

\n
\n

< strong>Foam presenteert de tentoonstelling Foto Galatasaray - de fotostudio van Maryam Şahinyan\, een selectie uit het studio archief van Maryam Şahin yan (Sivas 1911-Istanbul 1996). Şahinyan werkte van 1935 tot 1985 onafgebro ken als fotograaf vanuit haar bescheiden studio in de wijk Galata in Istanb ul. Haar archief geeft op een unieke wijze de demografische en sociaal cult urele veranderingen weer in de stad na het uitroepen van de Republiek Turki je in 1923. Het vormt bovendien een chronologisch verslag van de profession ele carrière van een studiofotograaf uit Istanbul.
Şahinyan creëerde\, gewapend met de h outen platencamera die haar vader ooit overnam van een familie die in de na sleep van de Eerste Wereldoorlog van de Balkan naar Turkije was geëmigreerd \, een consistente visuele stijl waarin ze haar technische en esthetische p rincipes altijd trouw bleef. Het archief van Foto Galatasaray\, dat volledi g uit zwart-wit negatieven en glasnegatieven bestaat\, vormt een zeldzaam o verblijfsel van de traditionele fotografiestudio's uit het recente verleden van Istanbul.

Foto Gal atasaray heeft nooit de bekendheid gehad van de vooraanstaande fotostudio's uit de negentiende eeuw. Toch was de studio belangrijk voor de middenklass e en de lagere klassen\, aan wie het al die jaren zijn bestaan te danken ha d.Şahinyan was een diepgelovige Armeense vrouw. Vanwege haar afkomst kende de studio een trouwe klantenkring die in sociologisch opzicht afweek van de clientèle van de andere fotostudio's in Istanbul. Haar werk\, dat een peri ode van een halve eeuw omspant\, laat zonder een oordeel uit te spreken de etnische\, sociale\, culturele\, religieuze en economische veranderingen zi en die in het hart van de stad plaatsvonden.

\n

Van gewone pasfoto's tot aa n foto's die de herinnering vastlegden aan belangrijke gebeurtenissen en wa arvoor de geportretteerden veel moeite deden: keer op keer maakt de mise-en -scène van Foto Galatasaray duidelijk dat er in de voorbije decennia een gr ote behoefte bestond aan het benadrukken van de eigen culturele identiteit. Het archief bestrijkt diverse veelbewogen periodes in Turkije. Van de Turk se invasie van Cyprus in 1974 tot de afname van de Griekse\, Joodse en Arme ense gemeenschap in Istanbul en de toenemende migratie uit Anatolië. Daarna ast laat het veranderingen in mode\, kledingaccessoires en haardracht zien en de veranderingen in de demografie en sociale stratificatie van de stad\;  mannelijke en vrouwelijke stereotypes. Maar natuurlijk ook de esthetische voorkeuren van Şahinyan als fotograaf.

Nadat Şahinyan in 1985 met de studio stopte\, werd haar a rchief ondergebracht in een pakhuis van Yetvart Tomasyan\, eigenaar van Ara s Publishing. Vijfentwintig jaar later zijn de ongeveer tweehonderdduizend negatieven in het archief gesorteerd\, schoongemaakt\, gedigitaliseerd\, op geslagen\, gecatalogiseerd en beveiligd door een team medewerkers onder lei ding van kunstenaar-onderzoeker Tayfun Serttaş.

Het onderzoek naar Foto Galatasaray werd verricht in SALT onder leiding van Tayfun Serttaş. De gelijknamige tentoonstelling vond eind 2011 plaats in SALT Galata in Istanbul.

Foto Galatasaray - de fotostudio van Maryam Şah inyan is van 22 maart t/m 12 mei 2013 te zien in Foam. Dagelijks  geopend v an 10.00 -18.00 uur\, do/vr van 10.00 - 21.00 uur. Entree: € 8\,75 DTEND:20130512 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Foto Galatasaray - Maryam Şahinyan’s Photo Studio\, Maryam Şahinyan UID:259512 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130322T210000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322T100000 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Foto Galatasaray - Maryam Şahinyan’s Photo Studio\, Maryam Şahinyan UID:259513 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Foam presents the Canary series by Japanese photographer Lieko S higa (1980). In her work\, Shiga combines local myths with stories of ordin ary people and their personal memories\, feelings and experiences. She thus creates fantastical and often dramatic images that make reference to the t wilight area between dream and reality. Her often-dark work is deeply roote d in the Japanese folkloric tradition and the supernatural as a self-eviden t presence. Shiga is part of a new generation of Japanese photographers. He r photos are characterised by a distinctive use of light and colour and a p owerful visual language based on her own fantasy.

Canary consists of about 50 works in v arious formats. In addition to photos\, a film will be shown with the same title\, and the images accompanied by a stirring audio track (composed by Y uta Segawa). The works in the series were shot in Brisbane (Australia)\, Si ngapore and northern Japan. In order to establish contact with local people in these areas\, Shiga formulated a list\, and asked questions about speci fic places\, personal experiences and anecdotes. Her contact with the peopl e and the places they referred to served as the starting point for the seri es. Ultimately\, however\, the photos mainly reflect the fantasy world of t he artist.

In her firs t meeting with a person or a place\, or even before\, Shiga visualises the definitive image she is going to create - it is as if she steps beyond hers elf and her body and finds herself in another existential state. The title of the series is based on this state of mind: 'The body is simply a medium\ , I kept a canary inside my stomach.'

In most cases\, the photos are deliberately staged\, such as Wedding Veil\, for which Shiga decorated a bare tree with thousands of pap er blossoms or the surrealistic My Husband. For this intriguing image she c reated a huge animal skull\, and posed alongside it. The series also contai ns several purely recorded images\, such as Man Wearing Fur\, for which she travelled to the mountains of northern Japan with a group of bear hunters.

\n

Lieko Shiga was born in 1980 in the prefecture of Aichi. She presently lives and works in Sendai\, Japan. In 2004 she graduated from the Chelsea U niversity of Art and Design\, London\, earning a BA in Fine Arts and New Me dia. Canary won Lieko Shiga the 'Infinity Award (Young Photographer)' from the International Center of Photography\, New York\, in 2009. In 2007\, her portfolio was published in Foam Magazine #12. 

The exhibition Canary by Lieko Shiga can be seen 22 March - 12 May 2013 in Foam. Open daily 10am - 6pm\, Thurs/Fri 10am - 9p m. Tickets: € 8\,75.

\n


Note to editors: For information and visual material please contact the communications department\, e-mail foam[at]foam .org or phone +31 (0)20 5516500.

Foam is sponsored by the BankGiroLoterij\, De Brauw Blackstone W estbroek\, Delta Lloyd and the VandenEnde Foundation.

\n
\n< p style="text-align: justify\;">Fo am presenteert de serie Canary van de Japanse fotografe Lieko Shiga (1980). In haar werk combineert Shiga lokale mythes en verhalen van gewone mensen met persoonlijke herinneringen\, gevoelens en ervaringen. Zo creëert zij fa ntastische en dikwijls dramatische beelden die refereren aan het schemergeb ied tussen droom en werkelijkheid. Haar vaak duistere werk is sterk geworte ld in de Japanse folkloristische traditie om het bovennatuurlijke als een v anzelfsprekende aanwezigheid te verbeelden. Shiga behoort tot een nieuwe ge neratie Japanse fotografen. Haar foto's kenmerken zich door een uitgesproke n gebruik van licht en kleur en een krachtige\, op de eigen fantasie gebase erde\, beeldtaal.

Canary bestaat uit circa vijftig werken in diverse formaten. Naast de foto's wordt een film getoond met dezelfde titel\, waarin het beeld wordt b egeleid door een meeslepende audiotrack (gecomponeerd door Yuta Segawa). De werken uit de serie werden in Brisbane (Australië)\, Singapore en in het n oorden van Japan gemaakt. Om contact te leggen met de lokale bevolking in d eze gebieden\, stelde Shiga een lijst op aan de hand waarvan ze vragen stel de over bepaalde plekken\, persoonlijke ervaringen en anekdotes. Het contac t met de mensen en de plekken waaraan ze refereren\, vormden het uitgangspu nt voor de serie. Maar uiteindelijk is het met name de verbeeldingswereld v an de kunstenaar die gereflecteerd wordt in de foto's.

< span style="font-size: small\;"> Bij een eerste ontmoeting met een persoon of plek\, of zelfs al daarvoor\, visualiseert Shiga het definitieve beeld d at ze gaat maken - alsof ze buiten zichzelf treed en haar lichaam in een an dere existentiële staat verkeert. Op deze gemoedstoestand is de titel van d e serie  gebaseerd: "The body is simply a medium\, I kept a canary inside m y stomach." 

De werken zijn in de meeste gevallen geënsceneerd. Zoals Wedding Veil\, waarbij Shig a een dorre boom versierde met duizenden papieren bloesems of het surrealis tische My Husband. Voor dit intrigerende beeld creëerde ze een monumentale dierlijke schedel waarmee ze zichzelf portretteerde. De serie bevat ook enk ele puur registrerende beelden\, zoals Man Wearing Fur\, waarvoor ze met ee n groep berenjagers de bergen van noordelijk Japan in trok.   

Lieko Shiga werd in 1980 geboren i n de prefectuur van Aichi. Ze leeft en werkt momenteel in Sendai\, Japan. I n 2004 studeerde ze af aan Chelsea University of Art and Design\, London\, en behaalde een BA in Fine Arts and New Media. Met Canary won Lieko Shiga d e 'Infinity Award (Young Photographer)' van het International Center of Pho tography\, New York\, in 2009. Haar portfolio werd al in 2007 gepubliceerd in Foam Magazine #12. 

Canary van Lieko Shiga is van 22 maart t/m 12 mei 2013 te zien in Foam. Da gelijks  geopend van 10.00 -18.00 uur\, do/vr van 10.00 - 21.00 uur. Entree : € 8\,75

DTEND:20130512 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Canary\, Lieko Shiga UID:259514 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130322T210000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322T100000 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Canary\, Lieko Shiga UID:259515 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

The work of Sara Cwynar in photography\, installations and colla ge begins in obsessively collecting and ordering visual materials. Saving\, taking and re-composing images in her art practice is a cathartic means of satisfying a constant impulse. She has to collect (even to hoard)  and to create a tangible record of that experience\, grabbing a small piece of the world and reconstituting it under her own terms. The resulting archive is composed of images saved from years of photo-taking\, from encyclopedias\, flea markets\, and people she knows\, as well as objects she encounters. In this process of accumulation and the resulting collection\, she is interes ted in the ways in which we understand the world through pictures:  how we view ourselves and our history through a shared image-based archive built f rom cultural fantasies and photographic tropes (examples include the commer cial still life\, the family portrait\, the headshot and the landscape phot ograph). She is constructing her own personal archive as a way of interveni ng into the larger archive which she cannot control\, and considering the l ife of photographs over time\, especially at this time of change for the me dium.

For the installation\, Everything in the Studio (Destroyed)\, which will be presented at Foam 3h as part of the young talent programme of Foam\, Sar a Cwynar took all of the materials in her studio at one time\, documented e ach item and arranged it into a digital plan where she could fit the entire contents into a corner of the gallery. She attempted to install the archiv e according to the plan\, which quickly began to fall apart as images and o bjects were not how she had remembered them. She left the materials for a m onth\, then destroyed the whole thing so that she would be forced to purge the archive - allowing herself to start anew\, and documenting everything o nly with a camera. All that remains of this studio's worth of materials is the image. 

The piece begins with a text by Andy Warhol where he explains that he "hates nostalgi a" so rather than keeping any of his saved mementos and ephemera around\, h e puts everything in labeled boxes and stores it in New Jersey before event ually throwing it away. He doesn't want to live with his saved materials bu t he can't immediately discard them either. This project is Sara Cwynar's v ersion of that idea: that the influence of an archive on an art practice is strong\, but can also be overwhelming.

Sara Cwynar (1985\, Vancouver) is a Canadian photographer \, artist and graphic designer. She studied graphic design and photography at York University in Toronto and English at the University of British Colu mbia. Her work has been featured in The New York Times Magazine\, Capriciou s Magazine\, and Bad Day Magazine. She was listed as one of Print Magazine' s 20 Under 30 New Visual Artists for 2011.  Cwynar currently lives and work s in Brooklyn\, New York. She is represented by Cooper Cole gallery in Toro nto. Cwynar has published several publications for which she did the graphi c design herself: Kitsch Encyclopedia\, Lost &\; Found and Simulated Lan dscapes. Her show in Foam 3h is her first solo show in Europe.

This exhibition has been made poss ible by Van Bijlevelt Stichting and the Gieskes-Strijbis Fund.

\n
\n

< strong>Sara Cwynar is geobsedeerd door het verzamelen en ordenen van visuel e materialen. Ze maakt fotografische installaties en collages die ontstaan vanuit het dwangmatig bewaren\, toe-eigenen en herschikken van beelden. Uit gangspunt in Cwynars werk is deze behoefte tot (overvloedig) verzamelen en de zuiverende werking die dit voor haar heeft. Ze neemt steeds een klein de eltje van de wereld en reconstrueert de elementen op haar eigen voorwaarden tot een tastbaar eindproduct van eigen en gevonden beeld. Tijdens dit proc es zoekt Cwynar  naar methoden om met beeld de wereld om ons heen te begrij pen. Ze is gefascineerd door de manier waarop we onszelf en onze geschieden is ervaren door middel van collectief gedeelde\, fotografische archieven. D eze archieven zijn gevormd door bepalende fotografische termen zoals landsc hapsfotografie of het familieportret. Cwynars persoonlijke verzameling is h aar manier om zich te mengen in deze ontoegankelijke archieven.

In het Foam jong talent programma Foam 3h toont Sara Cwynar haar installatie Everything in the Stud io (Destroyed). Ze verzamelde alles wat zich in haar atelier bevond\, docum enteerde elk voorwerp en ontwierp een digitale plattegrond waarna ze alles in één hoek van de expositieruimte paste. Startpunt van de installatie was deze plattegrond\, maar al snel moest Cwynar dit loslaten omdat beelden en objecten niet aansloten op haar herinnering. Ze liet het project een maand liggen waarna ze al het materiaal vernietigde\; direct een gedwongen manier om haar verzameling op te ruimen. Dit schiep ruimte voor een nieuw begin w aarbij Cwynar alles alleen nog met de camera vastgelegde. Het enige wat nu resteert van al het materiaal in haar atelier is het beeld.
De installatie in Foam 3h begint met een tekst van Andy Warhol waarin hij zijn hekel aan nostalgie verklaart. In plaats van zich te omringen met zijn herinneringen en relikwieën\, bewaard e hij alles in gelabelde dozen in een opslag in New Jersey om het uiteindel ijk toch allemaal weg te gooien. Hij wilde niet leven tussen zijn verzameli ng spullen\, maar kon er ook niet onmiddellijk afstand van doen. Dit projec t van Sara Cwynar draait om hetzelfde uitgangspunt\; het idee dat de waarde van een archief voor het werk van een kunstenaar groot is\, maar ook overw eldigend en verstikkend kan zijn.

Sara Cwynar (Vancouver 1985) is een Canadese fotograaf\, kunste naar en grafisch vormgever. Ze studeerde grafische vormgeving en fotografie aan de York University in Toronto\, en Engels aan de University of British Columbia. Haar werk is onder andere gepubliceerd in The New York Times Mag azine\, Capricious Magazine en Bad Day Magazine. Print Magazine zette haar op de '20 Under 30'-lijst van visuele kunstenaars voor 2011. Cwynar woont e n werkt momenteel in Brooklyn\, New York en wordt vertegenwoordigd door gal erie Cooper Cole in Toronto. Ze gaf verschillende\, zelf vormgegeven public aties uit zoals Kitsch Encyclopedia\, Lost &\; Found en Simulated Landsc apes. Haar tentoonstelling in Foam 3h is haar eerste Europese solo-expositi e.

Deze tentoonstellin g is mogelijk gemaakt door de Van Bijlevelt Stichting en het Gieskes-Strijb is Fonds.

DTEND:20130516 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Foam 3h: Everything In the Studio (Destroyed)\, Sara Cwynar UID:266312 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130322T210000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130322T100000 GEO:52.3639575;4.8932944 LOCATION:Foam - Fotografie Museum\,Keizersgracht 609 \nAmsterdam\, 1017 DS SEQUENCE:0 SUMMARY:Foam 3h: Everything In the Studio (Destroyed)\, Sara Cwynar UID:266313 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Annet Gelink Gallery proudly presents the fifth solo exhibition by Ryan Gander (Chester\, 1976): Once upon a Bicycle\,  not so long ag o\, showing an entirely new body of work. Gander’s practice i s as deeply conceptual as it is playful\,  recalling fictional stories and events\, personal memories and art history - in particular the history of M odernism. In  his current show at Annet Gelink Gallery\, Gander reminisces\ , exhibiting his great skill as a visual storyteller. 

\n

On entering the gallery\, the first work one encounters i s “My head on your Belly” (2013)\; a marble sculpture of the  items of lugg age Gander always travels with. Together with the title\, the work seems to constitute a longing for  home. A little further in the exhibition\, one f inds “Investigation # 99 – the halo effect” (2013)\, consisting of two  scu lptures which Gander has made from a description of an unfinished project b y his father. Central in the exhibition  space “I is … (iii)” (2013) is sho wn\, a marble sculpture representing a den\, which consists of a simple she lter made  by the artist’s three years old daughter using a sheet and a ful l-size Rietveld Cargo chair and smaller Rietveld Cargo  chair\, designed fo r children. Although this work directly recalls Gander’s family life\, it a lso hints to art history (De Stijl)  by the use of the Rietveld Chairs and by the technique of ‘draping’. By rendering drapery in marble\, Gander allu des to  classical sculpture - creating a playful tension between tradition and modernity. Gander’s works are often extremely  layered\, threading toge ther fact and fiction\, the personal and the historical.  

\n

By contrast to the traditional medium of marble\, in “Investigation # 92 - With heart dotted 'i's” (2013) the artist  employes s triped toothpaste as his material\, from which to fashion an alphabet. Like wise\, the lamps he made for his  wife are constructed from unorthodox medi a. In Gander’s practice\, everything can become a work of art\; the artist  doesn’t limit himself in material nor in subject. 

\n

By mentioning his wife\, three-year-old daughter or father i n his work\, Gander easily engages his audience. One should  keep in mind h owever\, that his practice is as rigorous as it is poetic.  

\n

Recent projects include Esperluette\, Pala is de Tokyo\, Paris\, FR\; dOCUMENTA (13)\, Kassel\, DE\; Boin g\, Boing\, Squirt\,  Museo Tamayo\, Mexico City\, MX\; Locked Roo m Scenario\, commissioned by Artangel\, London\, UK\; and ILLUMIna tions at the 54th International Art Exhibition of the Venice Biennale.

\n
\n

Met trots presenteert Annet Gelink Gallery haar vijfde solotentoonstelling van Ryan Gander (Chester\, UK\, 1976): Once upon a Bicycle\, not so long ago\, waar geheel nieuw werk wordt getoond. Gander’s werk is   zowel conceptueel als speels van aard\; het brengt fictieve gebeurtenissen en verhalen samen met  persoonlijke herinneringen van de kunstenaar en gebe urtenissen uit de kunstgeschiedenis – met name  de geschiedenis van het Mod ernisme. In Once upon a Bicycle\, not so long ago haalt Gander herinneringe n  op en toont hij zijn gave als verhalenteller. 

\n

Bij binnenkomst is het eerste werk dat men tegenkomt ‘My head on your Belly’ (2013)\, een marmeren  sculptuur van de bagage waar de kunst enaar altijd mee reist. In combinatie met de poëtische titel  suggereert he t werk een verlangen naar thuis. Een stuk verderop vindt men “Investigation # 99 – the halo  effect” (2013)\, twee sculpturen die Gander naar een besc hrijving van een onvoltooid project van zijn vader  maakte. Centraal in de ruimte staat “I is … (iii)” (2013)\, een marmeren sculptuur gebaseerd op ee n  zelfgemaakte hut van Gander driejarige dochtertje. De hut maakte ze met een laken en twee Rietveld  Cargo stoelen. Het werk refereert aan Gander’s gezinsleven\, maar het doet door het gebruik van de  Rietveld stoelen en de techniek van het draperen ook denken aan stromingen uit de kunstgeschieden is  zoals de Stijl en de klassieke beeldhouwkunst van de Grieken. De kunste naar creëert een fascinerend spel  tussen traditie en moderniteit. Het werk is – zeer kenmerkend voor Gander – gelaagd: feit\, fictie\, het  persoonli jke en het historische versmelten.

\n

In tegenstelling tot zijn gebruik van het traditionele marmer\, werkt Gander in “Investigation # 92 – With  heart dotted i’s” (2013) met tandpasta om ee n alfabet te maken. Ook de lampen die Gander voor zijn  vrouw ontwierp\, zi jn gemaakt van onorthodoxe materialen. In Gander’s werk kan alles uiteindel ijk een  kunstwerk worden\, hij limiteert zichzelf noch in materiaal\, noch in onderwerp. Omdat Gander zijn familie  vaak als onderwerp neemt\, ben je als publiek snel betrokken. Gander’s werk is net zo scherp\, als poëtisch.

\n

Recente projecten van Gander zijn Esperluette\, Palais de Tokyo\, Paris\, FR\; dOCUMENTA (13)\, Kassel\, DE\;  Boing\, Boing\, Squirt\, Museo Tamayo\, Mexico C ity\, MX\; Locked Room Scenario\, commissioned by Artangel\,  Lond on\, UK\; and ILLUMInations at the 54th International Art Exhibiti on of the Venice Biennale.

\n

DTEND:20130518 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413 GEO:52.371217;4.877114 LOCATION:Annet Gelink Gallery\,Laurierstraat 187-189 \nAmsterdam\, NL 1016 PL SEQUENCE:0 SUMMARY:Once upon a Bicycle\, not so long ago\, Ryan Gander UID:263641 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130413T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413T170000 GEO:52.371217;4.877114 LOCATION:Annet Gelink Gallery\,Laurierstraat 187-189 \nAmsterdam\, NL 1016 PL SEQUENCE:0 SUMMARY:Once upon a Bicycle\, not so long ago\, Ryan Gander UID:269376 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

In the Bakery\, Annet Gelink Gallery proudly presents the first show by Jacqueli ne Bebb (Chester\, 1977): She Showed  a bit of Skirt\, but Settled for a Kit-Kat. At Annet Gelink Gallery\, Bebb sh ows three works\, each representing specific  moments in time and describes them as ‘semi-autobiographical and intentionally awkward’. They consider b oth  fondness and regret and come from an ongoing series of work exploring the theme of dissonance. 

\n

 In both “A lmost\, Sweet Talk\, Caffeine (My Dissonance)” and “Skulk”\, Bebb reflects on her youth and considers her  occasional less than perfect behaviour. In “How Much I Fancied Her 1995 – 2001”\, she looks back at an ongoing  quarre l she had with her best mate\, simply referred to as BM. The argument conce rned the level of affection one of  them thought the other showed towards a girl. At the time\, a pie chart was drawn to illustrate the argument\, but on  reflection neither could remember the specifics of it\, only their sha red endeavour. The work is comprised of a  wooden pie chart made to the spe cifications of the original drawing. Each segment of the pie represents a y ear  between 1995-2001\, with the varying angles denoting the level of affe ction held for the girl. One pie chart has been  gifted to various pubs tha t the artist and BM used to drink in together in Chester. A second pie char t is exhibited as  a sculpture in the current exhibition and the third was gifted to BM as a testimony to their friendship. It was given  with the ded ication: BM\, I did wrong you once and I am sorry

\n

Bebb participated in the group show Chester at CO2 in Rome (2012) and she has had a solo show Carrying Off in  Aldeburgh (2013).

\n
\n

\n

In de Bakery\, presenteert Annet Gelink Gallery met trots de eerste tentoonstelling van Jacqueline Bebb  (Chester\, UK\, 1977): She showe d a bit of Skirt\, but Settled for a Kit-Kat. In deze tentoon stelling toont  Bebb drie werken\, die elk specifieke momenten in tijd repr esenteren. Ze beschrijft ze zelf als:  ‘semiautobiografisch en opzettelijk ongemakkelijk’. De werken getuigen zowel van spijt als genegenheid en  zijn te plaatsen binnen een serie werken waarin Bebb het thema van dissonantie onderzoekt.  In zowel “Almost\, Sweet Talk\, Caffeine (My Dissonance)” en “ Skulk” reflecteert Bebb op haar jeugd en haar  niet altijd zo voorbeeldige gedrag. In ‘How Much I Fancied Her 1995-2001’\, (2012) keert de kunstenaar  terug naar een ruzie die ze had met haar beste vriend (Best Mate\, BM). De ruzie ging over de mate van  genegenheid dat een van hen dacht dat de ande re toonde aan een meisje. Destijds werd er een  cirkeldiagram getekend om h et argument inzichtelijk te maken\, die Bebb voor dit werk uitvoerde in hou t. 

\n

Elk segment van de cirkeldiagram representeert een jaar tussen 1995-2001\, en de grootte van de  punten vert elt over de veronderstelde mate van affectie voor het meisje. Bebb maakte i n totaal drie  houten diagrammen. Ze deed er een cadeau aan verschillende k roegen in Chester die ze samen met haar  ‘best mate’ bezocht. De tweede cir keldiagram wordt in de huidige tentoonstelling tentoongesteld als een  scul ptuur en de derde gaf Bebb aan haar beste vriend als een getuigenis van hun vriendschap. Ze gaf het  samen met de boodschap: BM\, I did wrong you once and I am sorry

\n

Bebb parti cipeerde in de groepstentoonstelling Chester bij CO2 in Rome (2012 ) en ze had recent een  solotentoonstelling in Albeburgh getiteld Carry ing Off (2013).

DTEND:20130518 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413 GEO:52.371217;4.877114 LOCATION:Annet Gelink Gallery\,Laurierstraat 187-189 \nAmsterdam\, NL 1016 PL SEQUENCE:0 SUMMARY:She showed a bit of Skirt\, but Settled for a Kit-Kat\, Jacqueline Bebb UID:268161 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130413T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413T170000 GEO:52.371217;4.877114 LOCATION:Annet Gelink Gallery\,Laurierstraat 187-189 \nAmsterdam\, NL 1016 PL SEQUENCE:0 SUMMARY:She showed a bit of Skirt\, but Settled for a Kit-Kat\, Jacqueline Bebb UID:268162 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Dolores is proud to present a selection of new works by the Norwegian artist Olve Sande (Bergen\, 1984). Before receiving his degree in Fine Arts at the National Academy of Art in Oslo in 2011\, Sande studied ar chitecture at the Oslo School of Architecture and Literature at the Univers ity of Oslo. This background is clearly present in Sande's works and his ha ndling of materials.

\n
Investigating the transformation of sculpt ural materials and processes into two-dimensional pieces could be considere d as a leitmotiv in his recent work. Applying removal\, deconstruction and assembly of the various ordinary building materials Sande examines their sc ulptural and formal possibilities\, while the physicality of the work remai ns his focus. Even though this physicality retains a strong presence\, it r esists the beholder’s interpretation and confronts him with the absence of a singular reading.
\n
 
\n

Olve Sande (1984) lives and works in Oslo. He studied at the School of Architecture and the Nationa l Academy of Art\, both in Oslo.

\n

Recent exhibitions include: Herrmann Ge rmann Contemporary\, Zürich\; Galerie Antoine Levi\, Paris\; Carmichael Gal lery New York\; Kreuzberg Pavillon\, Berlin\; Kunst(spiel)raum›\, Berlin\; Irmavepclub: Livret IV\, at Musée départemental d’art contemporain de Roche chouart\, Rochechouart\; PSM-Gallery\, Berlin.

DTEND:20130518 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413 GEO:52.3724598;4.8774859 LOCATION:Ellen de Bruijne Projects\,Rozengracht 207 A \nAmsterdam\, 1016 LZ SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, olve sande UID:269818 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20130413T190000 DTSTAMP:20140902T192938 DTSTART:20130413T170000 GEO:52.3724598;4.8774859 LOCATION:Ellen de Bruijne Projects\,Rozengracht 207 A \nAmsterdam\, 1016 LZ SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, olve sande UID:269819 END:VEVENT END:VCALENDAR