ArtSlant - Current exhibits http://www.artslant.com/ams/Events/show en-us 40 - &Foam - March 28th, 2013 - June 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>At the end of March, &amp;Foam - Foam's shop annex project space in the Vijzelstraat - will acquire a photo book theme for the next two months. Both Dutch photography and work by Dutch graphic designers have a good international reputation - so it's no surprise that many of the world's best photography books come from the Netherlands. <em>Books &amp;Foam</em> will be placing a large selection of these books in the spotlight with special presentations to shed light on the design process, with installations, book signing sessions and an exceptional selection of the best recent international photo books. A variety of special events will be held in &amp;Foam up until the end of May for <em>Books &amp;Foam</em>, such as the world premiere of the <em>WAITS/CORBIJN '77</em> - <em>'11</em> book on 5 May (Anton Corbijn will be present to sign the book), the launch of the 'Dummy Issue' of Foam Magazine and an extraordinary evening on 18 May as part of the Das Magazin Festival.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The realisation of a photo book</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Visitors will gain insight into the design process of six photo books. Showing the first ideas and sketches, email correspondence between photographer and designer, dummies and test prints provide an associative view into the design process. The six publications are extremely diverse and range from the first book by Rinko Kawauchi &amp; Hans Gremmen, and the latest publication by Johannes Schwartz &amp; Experimental Jetset, to the new book by Marnix Goossens, designed by Remco van Bladel.<strong><br /> <br /> Foam Magazine</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> In addition, Foam Magazine will be bringing out a 'Dummy Issue' of its magazine with the same theme: so-called dummy publications. Photographers and graphic designers have created a physical design for their unpublished photo books, and eight of these models will also actually be produced. The final eight individual dummies will be presented in a specially designed box, a true collector's item. This dummy issue of Foam Magazine will be launched during the opening of <em>Books &amp;Foam</em>.<strong><br /> <br /> Curated bookshelves</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Foam has invited eight Dutch and international experts from the world of photography to provide a 'curated bookshelf', containing their choices for the five best photo books of 2012. Martin Parr and Alec Soth are two of the eight experts who have contributed to this fascinating selection on the curated bookshelf. The books from this selection are available for sale at &amp;Foam.<strong><br /> <br /> Independent work</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> A variety of photographic projects and/or works will be presented in the Books &amp;Foam space, all having to do with the world of books. Work by young talents such as Peter Puklus and Sara Cwynar will be placed here, as well as work by well-established names. Erik Kessels and Paul Kooiker present a completely unique vision of the photo book in the form of an exceptional display, titled Terribly Awesome Photobooks. Joerg Colberg, known for the well-read photography blog Conscientious, shows a projection in which he discusses photo books and The One Minutes present a new themed selection of one-minute videos about books.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>New books on offer</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> The shop offerings at &amp;Foam will comprise the best recent photo books: from special limited editions to whimsical books for a modest budget, including books published by MACK and Dashwood Books. Also on offer is the unique series of seven monographs of new or previously unpublished work by artists such as Robert Maplethorpe, Nikolay Bakharev and Motoyuki Daifu. And it's not only in these books that work by well-known photographers can be found - Foam Magazine publishes work by both well-known and emerging photographers too.  Also the publication <em>Country of the Rising Sun</em> by Shinji Otani, winner of the first Unpublished Dummy Award 2012, will be launched. There's plenty of choice at &amp;Foam for every lover of photography, book fan or anyone interested in graphic design.<strong><br /></strong></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>&amp;Foam, de winkel annex projectruimte van Foam aan de Vijzelstraat, staat vanaf eind maart twee maanden lang volledig in het teken van het fotoboek. Zowel Nederlandse fotografie als het werk van Nederlandse grafisch ontwerpers staan internationaal zeer hoog aangeschreven. Geen wonder dat veel van de beste fotoboeken ter wereld uit Nederland afkomstig zijn. <em>Books &amp;Foam</em> zet veel van deze boeken in de 'spotlight' met bijzondere presentaties die licht werpen op het ontwerpproces, met installaties, signeersessies en een uitzonderlijk aanbod van de beste internationale fotoboeken van dit moment. Tot eind mei zijn er in &amp;Foam diverse bijzondere evenementen bij <em>Books &amp;Foam</em>: zoals de wereldprimeur van het boek <em>WAITS/CORBIJN `77-`11</em> op 5 mei (Anton Corbijn signeert), de lancering van het 'dummy issue' van Foam Magazine, en een speciale avond in het kader van Das Magazin Festival op 18 mei.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Totstandkoming van een fotoboek</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Van zes fotoboeken wordt het ontwerpproces inzichtelijk gemaakt. Aan de hand van eerste ideeën en schetsen, e-mail correspondentie tussen fotograaf en ontwerper, dummy's en testprints, wordt op associatieve wijze inzicht gegeven in het ontwerpproces. De zes publicaties zijn zeer divers en variëren van het eerste boek van Rinko Kawauchi &amp; Hans Gremmen, en de laatste publicatie van Johannes Schwartz &amp; Experimental Jetset, tot het nieuwe boek van Marnix Goossens, ontworpen door Remco van Bladel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Foam Magazine</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Daarnaast brengt Foam Magazine onder hetzelfde thema een 'dummy issue' van het tijdschrift uit. Dit nummer van Foam Magazine staat volledig in het teken van de zogenaamde dummy's. Fotografen en grafisch ontwerpers maken een fysiek ontwerp van nog te verschijnen fotoboeken, waarvan er maar liefst acht ook daadwerkelijk worden geproduceerd. De uiteindelijke acht individuele dummy's worden gepresenteerd in een speciaal ontworpen doos, een echt 'collector's item'. Dit dummy issue van Foam Magazine wordt tijdens de opening van <em>Books &amp;Foam</em> gelanceerd.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Curated bookshelves</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Foam heeft acht (inter)nationale deskundigen uit het fotografieveld gevraagd een 'curated bookshelf' te verzorgen, met de volgens hen vijf beste fotoboeken van 2012. Martin Parr en Alec Soth zijn twee van de acht deskundigen die hebben bijgedragen aan een interessante selectie voor op de 'curated bookshelf'. De mogelijkheid is er om bij &amp;Foam boeken uit deze selectie te kopen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Autonome werken</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> In de ruimte van <em>Books &amp;Foam</em> worden diverse fotografische projecten en/of werken gepresenteerd die te maken hebben met de wereld van boeken. Werk van jonge talenten als Peter Puklus en Sara Cwynar hebben hier een plek, maar er is ook werk van gerenommeerde namen. Zo presenteren Erik Kessels en Paul Kooiker onder de titel <em>Terribly Awesome Photobooks</em> een geheel eigen visie op het fotoboek in de vorm van een uitzonderlijke uitstalling. Joerg Colberg, bekend van de veelgelezen fotografieblog <em>Conscientious</em>, toont een projectie waarin hij fotoboeken bespreekt en <em>The One Minutes</em> presenteert, een nieuwe thematische selectie van één-minuten video's over boeken.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Nieuw boekenaanbod</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Verder bestaat het winkelaanbod van &amp;Foam uit de beste fotoboeken van dit moment: van bijzondere limited editions tot leuke boeken voor de kleine beurs, waaronder boeken uitgegeven door MACK en Dashwood books. Zoals de unieke serie van zeven monografieën met nieuw of nog niet eerder gepubliceerd werk van onder andere Robert Maplethorpe, Nikolay Bakharev en Motoyuki Daifu. Niet alleen in deze fotoboeken is werk van alom bekende fotografen te vinden, ook Foam Magazine publiceert werk van bekende en opkomende fotografen. Ook wordt<em>Country of the Rising Sun</em> van Shinji Otani, winnaar van de eerste Unpublished Dummy Award 2012, gelanceerd. &amp;Foam heeft een ruime keus voor iedere fotografieliefhebber, boekenfan of belangstellende in grafisch ontwerp.</span></p> Thu, 06 Jun 2013 16:44:43 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - ARCAM - Amsterdam Centre for Architecture - April 16th, 2013 - June 1st, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De snelste weg van A naar B is een rechte lijn. Dat geldt zeker voor het traject tussen de Haarlemmerpoort in Amsterdam en de Amsterdamse Poort in Haarlem. De veelheid aan sferen langs deze fascinerende, kaarsrechte route van nog geen twintig kilometer, wordt met foto’s, films, maquettes en kaartmateriaal geschetst in de ARCAM-expositie ‘Van Poort tot Poort’.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met deze presentatie en een reeks van activiteiten wordt dit voorjaar getracht samenhang te brengen in het denken over en ontwerpen aan de as Amsterdam-Haarlem.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Tot aan november zullen diverse activiteiten plaatsvinden waarbij wordt ingegaan op de diverse deelgebieden op de as Haarlem-Amsterdam. De tentoonstelling is tot 1 juni te zien bij ARCAM en zal in het najaar verhuizen naar architectuurcentrum ABC in Haarlem, met wie de manifestatie wordt georganiseerd.</span></p> Tue, 09 Apr 2013 14:29:23 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Laurence Aëgerter, Dieter Appelt, John Baldessari, John Coplans, John Hilliard, Katrin Korfmann, uwe laysiepen - Art Affairs - April 12th, 2013 - June 22nd, 2013 Mon, 20 May 2013 16:41:59 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Asger Jorn, Corneille, Karel Appel, Constant - Cobra Museum - January 23rd, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In November, 1948, the Dane Asger Jorn, Belgians Joseph Noiret and Christian Dotremont, and the Dutchmen Karel Appel, Corneille and Constant all signed a declaration they had themselves composed. With it, the establishment of Cobra became reality. The six artists spoke out against an intellectual approach in their new practice of art and on behalf of a simple principle of ‘Doing’. ‘Spontaneous creation’ from the material itself, as well as working together, were important objectives. The joy of total freedom and spontaneity had to offer a counterweight to the nightmare of war.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In an attempt to liberate themselves from classical, bourgeois or otherwise suffocating aesthetics, as well as moral traditions and pretensions, the Cobra artists found inspiration in children’s drawings, prehistoric artefacts, non-western artistic expressions, cartoons and other manifestations of folk culture. Today, many associate Cobra with spontaneously painted, highly colourful canvases. It was this spontaneity that was initially so maligned, so that it would be decades before Cobra became anchored in the history of European art.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In this presentation created by curator Hilde de Bruijne of the Cobra Museum collection, including works by Constant, Asger Jorn, Corneille and Karel Appel, the issue of ‘spontaneous creation’, which was so crucial for the Cobra artists, is central. The artists were aware that ‘creating as spontaneously as a child’ was in fact impossible. Their quest for spontaneity was a consciously chosen attitude, one that can even be seen as a strategy. They were driven to it by their deep desire to establish something new and different in place of the old established order.</span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>In the Beginning Was the Image</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> The relationship between text and image played a role for Cobra from the moment it was founded. There were of course poets among the members. Visual artists made drawings to accompany poems and the poets wrote texts for the visual work. Hugo Claus and especially Lucebert had double talents, devoted both to poetry and painting. Corneille also wrote both poems and prose.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The need for this collaboration and the interest in personal handwriting as a pictorial element in a composition were particularly strong in Belgium. It was Christian Dotremont who came up with the term, peinture-mots, and he sometimes created these ‘painting words’ together with Pierre Alechinsky and Asger Jorn.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The unconventional (collaborative) working method and combining text with image were perfectly suited to Cobra and evolved in part from the theories of Asger Jorn, who had been conscious of the visual and material qualities of letters and symbols even before he met Christian Dotremont. Back in 1944, Jorn wrote that writing and visual expression were essentially the same thing. He reversed the traditional idea that the story came fi rst, followed by the image. In Scandinavian mythology and prehistory, he saw how pictorial motifs had lasted for centuries, while the stories that accompanied them continued to change.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In november 1948 ondertekenden de Deen Asger Jorn, de Belgen Joseph Noiret en Christian Dotremont en de Nederlanders Karel Appel, Corneille en Constant een door henzelf opgestelde verklaring. De oprichting van Cobra was daarmee een feit. De zes spraken zich uit tégen een intellectuele benadering van hun nieuwe kunstpraktijk en vóór het principe van: dóen. Het ‘spontane scheppen’ vanuit het materiaal, maar ook het sámen doen waren belangrijke richtpunten. De vreugde van totale vrijheid en spontaniteit moest een tegenwicht bieden aan de nachtmerrie van de oorlog.</span><br /><span style="font-size: small;"> In een poging zich te verlossen van de klassieke, burgerlijke of anderszins verstikkende esthetische en morele tradities en pretenties liet Cobra zich inspireren door kindertekeningen, prehistorische artefacten, nietwesterse uitingen, striptekeningen en andere uitingen uit de volkscultuur. Vandaag de dag wordt Cobra door velen geassocieerd met spontaan geschilderde en kleurrijke doeken. Juist deze spontaniteit maakte dat Cobra aanvankelijk werd weggehoond en pas een halve eeuw later verankerd raakte in de Europese kunstgeschiedenis.</span><br /><span style="font-size: small;"> In deze collectiepresentatie met werken van Constant, Asger Jorn, Corneille en Karel Appel staat de vraag naar het voor Cobra cruciale ‘spontane scheppen’ centraal. De kunstenaars waren er zich van bewust dat het ‘zo spontaan creëren als een kind’ in feite onmogelijk was. Hun drang tot spontaniteit was een bewust gekozen houding, die zelfs als strategie gezien kan worden. Ze werden ertoe gedreven vanuit het diepe verlangen iets nieuws in de plaats te stellen van de gevestigde orde.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De relatie tussen tekst en beeld speelde vanaf de oprichting van Cobra een belangrijke rol. Er waren immers ook dichters lid van de groep. Beeldend kunstenaars maakten tekeningen bij gedichten en omgekeerd schreven dichters bij beeldend werk. Hugo Claus en vooral Lucebert hadden een dubbeltalent, zij wijdden zich aan zowel het dichten als aan het schilderen. Ook Corneille schreef gedichten en teksten. De behoefte aan deze samenwerkingen en de belangstelling voor het persoonlijk handschrift als picturaal element in een compositie was vooral sterk in België. Christian Dotremont bedacht de term; hij realiseerde zogenaamde <em>peinture-mots</em> (schilderij-woorden) met onder meer Pierre Alechinsky en Asger Jorn. De onconventionele manier van het bijeen brengen van tekst en beeld en het (samen)werken paste bij Cobra en kwam mede voort uit opvattingen van Asger Jorn, die zich al bewust was van de visuele en materiële kwaliteit van letters en tekens nog voordat hij Christian Dotremont ontmoette. Zo schreef hij in 1944 dat schrijven en beeldende uitingen in wezen hetzelfde zijn. Hij keerde het traditionele idee dat het verhaal voorafgaat aan het beeld om. In de geschiedenis van de Scandinavische mythologie en prehistorie zag hij namelijk hoe bepaalde picturale motieven eeuwenlang bewaard waren gebleven, maar dat de verhalen die erbij hoorden telkens veranderden.</span></p> Fri, 08 Feb 2013 15:09:12 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Michael Tedja - Cobra Museum - February 2nd, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">SNAKE is the biggest solo exhibition to date by the Dutch/Surinamese artist <strong>Michael Tedja</strong> (1971). In SNAKE, Tedja transports us to a unique universe of pioneering painting. His expressive style reveals itself in many forms of imagery, associations, provocative texts and layers, often derived from popular culture. The approximately 350 selected works, some of them intimately small and others monumentally large, include paintings that incorporate the most wide-ranging objects.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Cobra Museum voor Moderne Kunst presenteert SNAKE van <strong>Michael Tedja</strong> (1971 Rotterdam). Michael Tedja toont een selectie uit zijn oeuvre dat in een periode van 10 jaar is ontstaan en meer dan 1500 tekeningen en schilderijen op papier en linnen bevat. Tedja’s energie is grenzeloos en zijn visie geslepen. Hij werkt geconcentreerd met materialen, kleuren en woorden. De circa 350 voor SNAKE geselecteerde werken zijn soms intiem klein, soms van monumentale afmetingen en in de schilderijen zijn vrijwel altijd de meest uiteenlopende objecten verwerkt, waaronder zelfs een keer een fiets.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tedja’s geheel eigen universum is de afgelopen 10 jaar tot wasdom gekomen in een loods buiten Amsterdam. Het fictieve karakter SNAKE speelt hierin een centrale rol. SNAKE vertelt een gelaagd verhaal waarin alledaagse zaken hand in hand gaan met geopolitieke en historisch beladen onderwerpen. Tedja zelf heeft geregeld uitwisselingen over dergelijke onderwerpen op internetfora, waar hij zich bijvoorbeeld bezig houdt met het duiden van verbanden tussen op het eerste oog onsamenhangende cijferreeksen - iets dat ook in zijn beeldende werk weer zijn beslag krijgt. Tedja is daarnaast ook schrijver. Een aantal jaren geleden schreef hij een experimentele roman van waaruit zich zijn fantasierijke beeldenwereld en universum ontvouwt. Kortom: niets is te klein voor Tedja om er aandacht aan te besteden en niets is te groot om er een mening over te hebben.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Cobra Museum voor Moderne Kunst benadert het erfgoed van de Cobrabeweging als een dynamisch geheel om voortdurend opnieuw kritisch te beschouwen en uiteen te zetten. In het Cobra Contemporary programma wordt hedendaagse kunst getoond waarin de kernwaarden en de geest van Cobra bewust of onbewust zijn te herkennen. Juist hier valt het universum van de SNAKE op zijn plek.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">SNAKE brengt het publiek in aanraking met Tedja's energie en uitgekristalliseerde denkbeelden. Tedja's gebruik van beeld en taal binnen hetzelfde beeldvlak, de betrokkenheid bij de wereld die in zijn werk tot uiting komt, en de wijze waarop zijn expressionistisch aandoende beeldtaal gevat is in een strikt en conceptueel denkkader, zijn allemaal elementen die binnen de context van het Cobra Museum uitstekend tot hun recht komen. In één van zijn nieuwe series werken kritiseert Tedja bovendien de manier van 'display' en toe-eigening van etnografische objecten in de Westerse culturele wereld. Dit toont, zeker gezien het "veelzijdig primitivisme" van de Cobra beweging, een zekere verwantschap, en vormt eveneens een scherpzinnig commentaar op hedendaagse discussies.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gedurende de tentoonstelling zijn er diverse publieke evenementen. Zo zal er onregelmatig een verversing van de tekeningenwand plaatsvinden door conservator Hilde de Bruijn en speciale gasten. Michael Tedja zal een middag organiseren voor poëzie. Voor data, namen van gasten en speciale entreetijden en prijzen hou onze facebook pagina in de gaten.</span></p> Mon, 15 Apr 2013 14:19:52 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Armando - Cobra Museum - March 10th, 2013 - June 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met de tentoonstelling ‘Armando vs Armando’ laat het Cobra Museum voor Moderne Kunst recent werk van Armando (1929) zien. In zijn atelier, gevestigd in een oude kazerne in Postdam, net buiten Berlijn, werkt de inmiddels 83-jarige kunstenaar nog iedere dag aan zijn indringende doeken. Met de bezetenheid en de bevlogenheid van een schilder die leeft voor zijn kunst. De tentoonstelling Armando v/s Armando is een vervolg op de presentatie die in 2006 in het museum plaatsvond. Toen werd de gehele artistieke ontwikkeling van Armando vanaf 1952 tot en met 2005 belicht. Sinds die tijd heeft de inmiddels 83-jarige kunstenaar niet stil gezeten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De titel van de tentoonstelling verwijst naar de manier waarop Armando zich door middel van zijn recente werk tot zijn eigen oeuvre en leven verhoudt, een oeuvre en leven dat uitzonderlijk rijk en omvangrijk is. De schilderijen, maar ook de gedichten en andere activiteiten die sinds 1949 aan Armando’s geest en handen zijn ontsproten, vormen een referentiekader voor zijn huidige werk.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het werk van een schilder op leeftijd in zijn algemeenheid roept interessante vragen op. Wat kenmerkt het latere werk? Spreekt er meer levenservaring uit en gooit een schilder naarmate de tijd vordert zijn innerlijke remmingen overboord? Dat was o.a. bij Karel Appel het geval.</span><br /><span style="font-size: small;"> Uit het recente werk van Armando spreekt een bevrijding. De doeken zijn groots en raak met spannende abstracte studies die lijken te verwijzen naar een mysterieuze en hogere zaken die het leven van alledag overstijgen. Een zelfde alsmaar abstracter wordende beweging zagen we ook bij de schilder William Turner op latere leeftijd. De kleur is weer doorgebroken na een zwart/wit/grijze periode. Armando schilderde verschillende kleurstudies, een indirecte doorwerking van de Zero periode (jaren 60) waarin Armando vier maal een studie van de kleur blauw maakte.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cherry Duyns heeft speciaal voor Armando v/s Armando minutieus genoteerd hoe een schilderij van Armando tot stand komt. Van het type kwast , de noodzakelijke koffie tot aan de gasten die in en uit het atelier lopen terwijl de schilder stug door schildert. Genoteerd minuut per minuut. Armando is geen mythe. Integendeel, hij is aards en werkt hard en hij werkt door. Hij laat zich leiden door zijn onverwoestbare geest wiens lichaam het soms maar moeilijk bij kan houden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op 17 maart vind er een speciale talkshow op zaal plaats met Armando en Cherry Duyns. Alleen via de Avro Kunst&amp;Cultuur magazine kunt u hiervoor reserveren. De talkshow zal ook live worden gestreamed. Hou onze facebookpagina in de gaten voor updates hieromtrent.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bij de tentoonstelling verschijnt een catalogus ontworpen door Mart Warmerdam en is een vervolg op de Armando catalogus die het museum in 2006 presenteerde.</span></p> Sat, 16 Mar 2013 09:41:28 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Group Show - de Appel Arts Centre - April 20th, 2013 - June 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><em>18 April, 1936</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Business rests for the day. The Tobacco Baron sits in his parlour.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>[A knock at the door]</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>The Art Collector has come to call. They swiftly move to the dining room. Not much is said. Both know, economic matters of grave impor- tance will have to be discussed. But this can wait until after food has been served.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>[Another knock]</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>The Visitor arrives late. Very late. By the time she is led in to the dining room, the Collector and the Baron have long moved on to the smoking room. She finds their plates on the table. Each has left a piece of steak behind. Why, she thinks. These are hard times. Were they not hungry? I am.</em></p> <p style="text-align: justify;">-------------------------</p> <p style="text-align: justify;">Bourgeois Leftovers, the exhibition of the 2012-2013 de Appel Curatorial Programme, hosts a group of unlikely conversation partners at de Appel arts centre. From 20 April – 16 June (Opening Friday, 19 April, 18:00-21:00), the exhibition presents 32 Dutch genre paintings leftover from the current Van Abbemuseum collection display, together with commissions and contributions from contemporary artists.</p> <p style="text-align: justify;">Contemporary contributions by Ayreen Anastas &amp; Rene Gabri, Ruth Buchanan, Jota Castro, Dina Danish, Lydia Davis, Judith Deschamps, Marlene Dumas, Chris Evans, Will Holder, Jugedamos, Alison Knowles, Matthieu Laurette, Gabriel Lester, Daragh Reeves, Barbara Visser, and Timmy van Zoelen.</p> <p style="text-align: justify;">Paintings by Johanna Bauer-Strumpf, Arnout Colnot, Lucie van Dam van Isselt, Jacob Dooyewaard, Willem Dooyewaard, Edgar Fernhout, Johannes Franken, Jan Goedhart, Herman Heijenbrock, Eduard Karsen, Conrad Kickert, Willem Knip, Ernst Leyden, Sal Meijer, Dirk Nijland, Bart Peizel, Wim van de Plas, Coba Ritsema, Dio Rovers, Gé Röling, Wout Schram, Albert Servaes, William Henry Singer, Jan Sluijters, Walter Vaes, Cornelis Vreedenburgh, Betsy Westendorp-Osieck, and Matthieu Wiegman.</p> <p style="text-align: justify;">Curated by Karima Boudou, Kari Cwynar, Angela Jerardi, Srajana Kaikini, Florencia Portocarrero, and Alexandra Stock.</p> <p style="text-align: justify;">A reader related to the exhibition will be produced with Mousse Publishing and launched in June 2013. A series of public programmes exploring language and value will run throughout the exhibition, including collaborations with the Stedelijk Museum and the EYE Film Institute.</p> <p style="text-align: justify;">Each year de Appel art centre takes 6 young curators under her wings for an intensive professional development programme. During a period of approximately eight months they are offered a dense array of seminars, workshops, excursions (including a three-week research trip to a destination outside Western Europe), practice-related assignments and encounters with artists and art professionals.</p> <p style="text-align: justify;">Members of the tutorial team are Ann Goldstein (director Stedelijk Museum), Charles Esche (director Van Abbemuseum), Jan Verwoert (art critic), Barbara Visser (artist) and Liesbeth Bik (artist), amongst others. The programme culminates in a final project to be curated by the participants. In past years final projects have taken shape as festivals, radio broadcast, performance programmes and exhibitions.</p> <p style="text-align: justify;">The participants of the current year's programme are: Karima Boudou (1987, France/ Morocco), Kari Cwynar (1985, Canada), Angela Jerardi (1979, United States), Srajana Kaikini (1986, India), Florencia Portocarrero (1981, Peru) and Alexandra Stock (1982, United States).</p> <p style="text-align: justify;">For more information and dates please visit:<a href="http://www.bourgeoisleftovers.com/" rel="nofollow" target="_blank">www.bourgeoisleftovers.com </a><br /><br />You can follow them in their process on their blog:<a href="http://soihaveheard.tumblr.com/" rel="nofollow" target="_blank">http://soihaveheard.tumblr.com/</a></p> <p style="text-align: justify;">With special thanks to the Van Abbemuseum.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In de tentoonstelling Bourgeois Leftovers, samengesteld door de participanten van het Curatorial Programme 2012 - 2013 van de Appel, worden een aantal ongebruikelijke gesprekspartners in de Appel arts centre verwelkomd. Van 20 april tot 16 juni worden 32 twintigste-eeuwse Nederlandse schilderijen uit de verzameling van het Van Abbemuseum – de zogenaamde ‘leftovers’ die geen onderdeel uitmaken van de vaste collectiepresentatie – gecombineerd met bijdragen van hedendaagse kunstenaars.<br /><br /><b>Opening vrijdag 19 april, 18:00 - 21:00 uur</b></p> Mon, 29 Apr 2013 20:52:20 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Keith Edmier - De Hallen Haarlem - March 9th, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">From 9 March until 26 May 2013 De Hallen Haarlem presents a solo exhibition by<strong> Keith Edmier</strong>. This will be the American sculptor’s first museum exhibition in the Netherlands, providing an overview of his sculptures, photographs and drawings from the mid 1980’s onwards. It will be the first time that these works, primarily from Dutch collections, will be shown together next to specially commissioned sculptures, inspired by the 17th-century Dutch tulip mania and the Vleeshal’s renaissance architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span>After a short-lived career as a Hollywood special effects designer Keith Edmier (Chicago, 1967) moved to New York in 1990 to develop himself as an artist. He collaborated with artists like Matthew Barney and Jeff Koons. A distinctive feature in his oeuvre is the combination of personal events with significant events from American history. In his sculptures the artist refers to penetrating contingencies, like the murders on JFK and John Lennon. He plays with the aura of popular icons, like Evel Knievel, Farrah Fawcett and Janis Joplin. Furthermore he creates botanical works: for instance orchids and sunflowers that refer to life, death and sexuality. Edmier’s exhibition in De Hallen Haarlem consists of his own sculptures, photographs and drawings from the mid 1980’s onwards combined with several 17th-century works.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Collective memory</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Works concerning Edmier’s own history are shown on the monumental ground floor of the Vleeshal. These sculptures merge personal memories and obsessions with images from American history. A typical example is a sculpture of Edmier’s pregnant mother, dressed in a suit, made of the same fabric as Jackie Kennedy’s outfit on the day of her husband’s assassination. Here the image of Edmier’s mother goes hand in hand with the image of Jackie as ‘mother’ of the United States.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Blossoming and sexuality</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">A selection of Edmier’s botanical works can be seen in the Verweyhal; sculptures, photographs and drawings of fig leaves, orchids and giant water lilies. Nature, transitoriness, sexuality, life and death take centre stage here. Edmier’s <em>Victoria Regia</em> for example is a pink rubber and synthetic version of the eponymous Amazonian water lily, which flowers for only two nights. The sensual forms of the other sculptures in the Verweyhal are references to human procreation.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>New work: tulip mania</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">The obelisks that are found in the ornamentation of the renaissance Vleeshal also appear in the form of the 17th-century tulip vase. This fact and the 17th-century tulip mania inspired Edmier to create new works. The tulip mania was a period in the Dutch Golden Age during which contract prices for tulip bulbs reached extraordinarily high levels from 1634 onwards and then suddenly collapsed in 1637. The town of Haarlem was at the epicentre of this boom.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">New tulip vases that the artist made can be seen on the Verweyhal. These are exhibited next to 17th-century tulip vases and flower still lifes. In light of the current economic crisis the tulip mania can be considered a topical subject.<br /> <br /> Keith Edmier’s works have been shown at Tate Modern in London, the San Francisco Museum of Modern Art and the Los Angeles County Museum of Art. In the Netherlands his work forms part of the collection of the Bonnefantenmuseum in Maastricht and of several private and corporate collections.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> <br /> <strong>Matthew Barney</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">As a pendant to the vanitas motive in Edmier’s work Matthew Barney’s film <em>Cremaster 5</em> from his <em>Cremaster</em>-cycle will be shown as well. It has the form of an opera and is a romantic tragedy about love and death. Transience of beauty and visual abundance are the film’s trademarks.<br /> <br /> <div><strong>De Hallen Extra</strong></div> <div>Thursday 28 March: lecture on tulip vases by designer Jurgen Bey, 20:00 in De Hallen Haarlem.</div> <div>Thursday 16 May: Dominic van den Boogerd, director of artists’ institute De Ateliers, talks about Keith Edmier’s work in the exhibition. 20:00 in De Hallen Haarlem.<br /> Reservations required: reservations [at] dehallen.nl</div> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">De Hallen Haarlem presenteert van 9 maart tot en met 26 mei 2013 een solotentoonstelling van <strong>Keith Edmier</strong>. Het is de eerste museale tentoonstelling van deze Amerikaanse beeldhouwer in Nederland. De expositie biedt een overzicht van zijn sculpturen, foto’s en tekeningen vanaf midden jaren tachtig. Voor het eerst worden deze werken, uit overwegend Nederlandse collecties, samen getoond. Hierbij zijn ook speciaal voor de tentoonstelling gemaakte sculpturen te zien. Inspiratiebronnen hiervoor zijn de 17e-eeuwse tulpenmanie en de renaissancistische architectuur van de Vleeshal.<br /> <br /></span></p> <div style="text-align: justify;">Keith Edmier (Chicago, 1967) vertrok na een korte carrière in Hollywood als <em>special effects</em>-ontwerper in 1990 naar New York om zich daar als kunstenaar te ontwikkelen. Hij werkte met kunstenaars als Matthew Barney en Jeff Koons. Kenmerkend voor zijn oeuvre is het combineren van gebeurtenissen uit zijn persoonlijke leven met die uit de Amerikaanse geschiedenis. De kunstenaar haalt in zijn sculpturen indringende voorvallen aan, zoals de moorden op JFK en John Lennon. Edmier speelt ook met de uitstraling van populaire iconen, zoals Evel Knievel, Farrah Fawcett en Janis Joplin. Daarnaast maakt hij botanische werken, waaronder orchideeën en zonnebloemen, die verwijzen naar leven, dood en seksualiteit. De tentoonstelling die Keith Edmier samenstelt voor De Hallen Haarlem bestaat uit zijn eigen sculpturen, foto’s en tekeningen vanaf midden jaren tachtig gecombineerd met enkele 17e-eeuwse schilderijen en vazen.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Collectieve geheugen</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">In de monumentale benedenruimte van de Vleeshal worden werken rond Edmiers persoonlijke geschiedenis bijeengebracht. In deze sculpturen laat hij zijn persoonlijke herinneringen en obsessies samensmelten met beelden uit de Amerikaanse geschiedenis. Voorbeeld hiervan is een sculptuur van Edmiers zwangere moeder, gekleed in een mantelpakje van eenzelfde stof als de outfit die Jacqueline Kennedy droeg tijdens de moordaanslag op haar man. Edmier laat het beeld van zijn moeder hier samengaan met het beeld van Jackie als ‘moeder’ van de VS.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Bloei en seksualiteit</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">In de Verweyhal is een selectie van zijn botanische werken te zien. Dit zijn sculpturen, foto’s en tekeningen van onder andere vijgenbladeren, orchideeën en reusachtige waterlelies. Natuur, vergankelijkheid, seksualiteit, leven en dood staan hier centraal. Edmiers <em>Victoria Regia</em> is een in roze rubber en kunststoffen uitgevoerde versie van de gelijknamige waterlelie uit het Amazonegebied. Slechts twee nachten bloeit deze lelie om bevrucht te worden. Andere sculpturen in de Verweyhal verwijzen door hun sensuele vorm naar de menselijke voortplanting.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Nieuw werk: tulpengekte</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">De obelisken die voorkomen in de ornamentatie van de renaissancistische Vleeshal zie je ook in de vorm van de 17e-eeuwse tulpenvaas. Dit gegeven en de 17e-eeuwse tulpenmanie inspireerden Edmier tot nieuw werk. De tulpenmanie was een hausse in de tulpenhandel, met Haarlem als epicentrum, die rond 1634 opkwam en met de crisis begin 1637 abrupt eindigde. In de Verweyhal zijn Edmiers nieuwe tulpenvazen te zien: een replica van een vijftuitige waaiervaas en een zeventuitige piramidevaas. Deze worden getoond naast 17e-eeuwse tulpenvazen en bloemstillevens. De tulpenmanie is uiterst actueel tegen het licht van de huidige economische crisis.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Het werk van Keith Edmier was eerder te zien in onder meer Tate Modern in Londen, San Francisco Museum of Modern Art en Los Angeles County Museum of Art. In Nederland is zijn werk onderdeel van de collectie van het Bonnefantenmuseum en van verschillende privé- en bedrijfscollecties.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><br /> <strong>Matthew Barney</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Ook wordt de film <em>Cremaster 5</em> uit Matthew Barney’s <em>Cremaster</em>-cyclus getoond. De film heeft de vorm van een opera en is een romantische tragedie over liefde en dood. Vergankelijkheid van schoonheid en visuele rijkdom kenmerken deze film. Het vanitas-motief speelt hier net als bij Keith Edmier een belangrijke rol.    </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>De Hallen Extra</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">- Donderdag 28 maart, lezing van ontwerper Jurgen Bey over tulpenvazen, aanvang 20:00 uur; </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">- Donderdag 16 mei, Dominic van den Boogerd, directeur van kunstenaarsinstituut De Ateliers, spreekt over de werken van Keith Edmier op de tentoonstelling, aanvang 20:00 uur;</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Voor beide evenementen geldt: toegang gratis, reserveren verplicht: reserveringen [at] dehallen.nl.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> Mon, 11 Mar 2013 10:27:25 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list AES+F, Victor Alimpiev - De Hallen Haarlem - March 9th, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Within the scope of The Netherlands-Russia Year 2013 De Hallen Haarlem is presenting a group exhibition of Russian video art, titled <em>The voice and the chorus</em>. All the works are on loan from the collection of the National Centre for Contemporary Arts (NCCA) in Moscow. This institute for contemporary art is one of the most important centres for the research and presentation of contemporary art in Russia.</span><br /> </p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The Netherlands - Russia Year</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On the occasion of The Netherlands - Russia Year 2013 many cultural events have been organised in the Netherlands since February, both in the visual arts and in the performing arts. In May this will be followed by a cultural programme in Russia. This summer an exhibition with works from the video collection of De Hallen Haarlem will be on show at the NCCA in Moscow.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The voice and the chorus</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The works in<em> The voice and the chorus</em> in De Hallen Haarlem have been made in the past ten years and offer a concise overview of contemporary Russian video art. Works on show are by artists who also made a name for themselves outside of Russia, like AES+F and Victor Alimpiev, as well as by young and promising collectives like Vverkh! (Upward!) and PROVMYZA. The Russian identity takes centre stage in most of the exhibited works. Sometimes guided by a sociological viewpoint in which the individual’s position within society or the collective is highlighted.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Russian identity</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the tradition of Russian cinema some of the artists use the Russian landscape as a symbol for Russian identity; the mythic landscape in the work of Blue Soup Group, or the urban landscape in Marina Chernikova’s work.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Individual versus collective</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Russian identity and mutual relationships are highlighted in <em>The King of the Forest</em> (2001) by collective AES+F. At a very young age Russian children are recruited for the highly praised disciplines of ballet and sport, but also for modelling jobs. The video shows children dressed in white underwear, in a reference to the famous Calvin Klein advertisements. Because of premature adult responsibilities the Russian children seem to have lost their innocence.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Another work that deals with the relationship between individual and collective is <em>Lullaby</em> (2011) by artist duo PROVMYZA. The film examines modern society’s lack of compassion or attention for the individual: we see a lost generation in its search for meaning. The images refer to the 1970s, when a worldwide generation was looking for peace, love and meaning. </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Ministry of Culture of the Russian Federation and the Royal Netherlands Embassy in Moscow kindly supports this exhibition.</span></div> <p></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De Hallen Haarlem presenteert in het kader van het Nederland-Ruslandjaar 2013 een groepstentoonstelling met Russische videokunst, getiteld <em>The voice and the chorus</em>. De werken zijn afkomstig uit de videocollectie van het National Centre for Contemporary Arts in Moskou. Dit instituut voor hedendaagse kunst is één van de belangrijkste instituten voor onderzoek naar en presentatie van hedendaagse kunst in Rusland. <em>The voice and the chorus</em> is te zien van 9 maart tot en met 26 mei 2013. </span><br /> </p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Nederland-Ruslandjaar</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ter gelegenheid van het Nederland-Ruslandjaar 2013 zijn in Nederland vanaf februari tentoonstellingen, concerten, theater- en andere activiteiten georganiseerd. Hierop volgt er in Rusland in mei een cultureel programma. In de zomer is een tentoonstelling met werken uit de videocollectie van De Hallen Haarlem in het NCCA in Moskou te zien.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The voice and the chorus </strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De werken in <em>The voice and the chorus </em>in De Hallen Haarlem zijn geproduceerd in de afgelopen tien jaar, en bieden een beknopt overzicht van de hedendaagse Russische videokunst. Er zijn werken van jonge, veelbelovende collectieven als Vverkh! (Omhoog!) en PROVMYZA te zien. Maar kunstenaars die ook al enige tijd buiten Rusland naam hebben gemaakt (o.a. AES+F en Victor Alimpiev) zijn ook vertegenwoordigd. De Russische identiteit staat in de meeste werken centraal. Soms gebeurt dat aan de hand van een sociologische blik, waarbij de positie van het individu of het collectief in de samenleving wordt onderzocht.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Russische identiteit</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de traditie van de Russische cinema zet een aantal kunstenaars het Russische landschap in als symbool voor de Russische identiteit; het mythische landschap, zoals in het werk van Blue Soup Group, of het stedelijke landschap, zoals bij Marina Chernikova.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Individu versus collectief</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De Russische identiteit en onderlinge verhoudingen worden belicht in <em>The King of the Forest</em> (2001) van het collectief AES+F. Al op zeer jonge leeftijd worden kinderen gerekruteerd voor de in Rusland hoog gewaardeerde disciplines van ballet en sport, maar ook voor modellenwerk. In de video zie je de kinderen gekleed in wit ondergoed, een verwijzing naar de beroemde Calvin Klein-reclames. De Russische kinderen lijken hun onschuld te hebben verloren door een te vroege (volwassen) verantwoordelijkheid.   </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een ander werk dat ingaat op de verhouding tussen het individu en het collectief is <em>Lullaby</em> (2011) van kunstenaarsduo PROVMYZA. De film gaat in op het gebrek aan compassie of aandacht voor het individu in de moderne maatschappij. Een verloren generatie onderneemt een zoektocht naar zingeving. De beelden verwijzen naar de jaren zeventig, toen wereldwijd een generatie naar vrede, liefde en zingeving zocht.  </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met dank aan het Ministerie voor Cultuur van de Russische Federatie, en de Nederlandse Ambassade in Moskou.</span></div> <p></p> Mon, 29 Apr 2013 20:52:12 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Koos Breukel, Roy Villevoye - Foam - Fotografie Museum - April 12th, 2013 - June 19th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong><strong>The Asmat in the Indonesian part of New Guinea (previously Dutch New Guinea) is a largely impassable mangrove swamp, roughly the same size as The Netherlands. The native inhabitants still live here, isolated from the rest of the world. Visual artist Roy Villevoye and photographer Koos Breukel visited the small hamlet of Tí together at the end of 2011. This small village is situated on the upper reaches of the Unir river in the northeastern part of the Asmat. Tí can be reached by sailing for three days upriver from the central small sea harbour Agats using a motorised canoe. The people of Tí have been living in the tropical rain forest completely isolated from the rest of the world for generations. However, Indonesia is encouraging the commercial exploitation of the area. For the time being Tí seems to remain unaffected by the economic changes taking place.</strong><br /> </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Breukel and Villevoye portrayed every single one of the 120 inhabitants. They each made these portraits using their own particular experience, way of looking and background during photography sessions with the villagers which took place simultaneously. Breukel installed a small mobile photo studio whereas Villevoye simply portrayed the villagers outside. The resulting photographs were printed immediately and given to each person. By using the same cameras the material derived from these sessions is equal and interchangeable.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> It is fascinating to get so close to the inhabitants of Tí by looking at the photographs. They do not have any other image of themselves than the people around them. Breukel and Villevoye have produced a document of a group of people still living as hunters and gatherers. In this way they have depicted the common origins of every human being. The idea that it concerns a particular group of people living in Papua quickly becomes insignificant. The exhibition shows us an image of a group of people living and surviving together. In this way it becomes a universal images portraying us all.</span><br /><span style="font-size: small;"> In the studio of Koos Breukel a wide variety of people come to pose: men, women, the young and the old, students, artists, masters and servants, family, friends and passers-by. Breukel photographs people because he wants to find out if they have suffered some form of injury as a result of setbacks in their lives, and if they have managed to come to terms with this. His work is included in important collections such as Gemeentemuseum Den Haag, Stedelijk Museum Amsterdam, Fries Museum, Caldic Collection, Moma San Francisco and Maison Europeénne de la Photographie in Paris.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Elements and people from Papua New Guinea are an oft recurring theme in the work of Roy Villevoye. He is interested in the functioning of a culture and how it develops in relation to other cultures. His work has often been exhibited, amongst others at Museum Boijmans van Beuningen in Rotterdam, at Stedelijk Museum Amsterdam and at Centraal Museum in Utrecht. His work is part of collections in both the Netherlands and abroad and his films are shown regularly at film festivals.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Tí is organised in collaboration with Motive Gallery and Van Zoetendaal Collections. The book Koos Breukel &amp; Roy Villevoye, Tí published by Lecturis &amp; Van Zoetendaal will accompany the exhibition. [140 pages, 20x30cm, otabind paperback ISBN: 978-94-6226-008-5 | € 35,-].</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong> </strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>De Asmat (het voormalige Nederlands Nieuw-Guinea) is een grotendeels ondoordringbaar mangrove-moeras, in oppervlak vergelijkbaar met Nederland. Hier leeft de oorspronkelijke bevolking, ver van de bewoonde wereld. Beeldend kunstenaar Roy Villevoye en fotograaf Koos Breukel bezochten samen eind 2011 de kleine nederzetting Tí. Het dorpje ligt aan de bovenloop van de Unir-rivier  in de noordwestelijke Asmat. Tí is bereikbaar door per motorprauw drie dagen stroomopwaarts te varen vanaf de centrale kleine zeehaven-nederzetting Agats. De mensen in Tí leven al generaties in volledig isolement in het regenwoud. De laatste jaren stimuleert Indonesië de ontginning van het gebied maar Tí lijkt voorlopig onaangetast te blijven door deze economische veranderingen.</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Breukel en Villevoye portretteerden alle honderdtwintig inwoners van Tí. Zij maakten deze portretten ieder van uit hun eigen ervaring, zienswijze en achtergrond, in simultane sessies met de dorpsbewoners. Breukel richtte een mobiele fotostudio in en Villevoye fotografeerde de inwoners buiten. De foto's werden ter plekke geprint en meteen meegegeven. Doordat beide fotografen met dezelfde camera's werkten is het materiaal uit deze sessies gelijkwaardig en uitwisselbaar.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> De foto's brengen de inwoners van Tí op fascinerende wijze dichtbij. Villevoye en Breukel maakten een document van een groep mensen die nog leven als jagers-verzamelaars. Zij verbeelden daarmee de oorsprong van ons allemaal. De tentoonstelling geeft een beeld van een groep mensen die met elkaar leven en overleven. Een universeel beeld dat ons allen spiegelt.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Koos Breukel krijgt zeer uiteenlopende mensen voor de camera: mannen, vrouwen, jong en oud, studenten, kunstenaars, leermeesters en leerlingen, familie, vrienden en voorbijgangers. Breukel fotografeert mensen omdat hij erachter wil komen of zij hebben geleden in het leven, of dit lijden fysieke en mentale sporen nalaat en of ze er vrede mee hebben. Zijn werk is opgenomen in belangrijke collecties zoals Gemeentemuseum Den Haag, Stedelijk Museum Amsterdam, Fries Museum, Caldic Collection, Moma San Francisco en Maison Europeénne de la Photographie in Parijs.  </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Elementen en mensen uit Nieuw-Guinea zijn een terugkerend thema in het werk van Roy Villevoye. Het interesseert hem hoe cultuur werkt en hoe deze zich ontwikkelt in relatie tot andere culturen. Zijn werk wordt veelvuldig tentoongesteld in o.a. Museum Boijmans van Beuningen in Rotterdam, Stedelijk Museum Amsterdam en het Centraal Museum in Utrecht. Zijn werk is opgenomen in binnen- en buitenlandse collecties en zijn films worden regelmatig vertoond op filmfestivals.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De tentoonstelling is georganiseerd in samenwerking met Motive Gallery en Van Zoetendaal Collections. Bij de opening van de tentoonstelling verschijnt ook het gelijknamige boek: Koos Breukel &amp; Roy Villevoye, Tí uitgegeven door Lecturis &amp; Van Zoetendaal [140 pagina's, 20x30cm staand, otabind paperback ISBN: 978-94-6226-008-5 prijs € 35,-]</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Tí van Koos Breukel en Roy Villevoye is van 12 april t/m 19 juni 2013 te zien in Foam. Open dagelijks van 10.00 -18.00 uur, do/vr van 10.00 - 21.00 uur. Entree: € 8,75</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Noot voor de redactie: Voor meer informatie en voor het opvragen van beeldmateriaal kunt u contact opnemen met de afdeling communicatie van Foam, e-mail foam[at]foam.org of telefoon 020 5516500.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Foam wordt ondersteund door de BankGiroLoterij, De Brauw Blackstone Westbroek, Delta Lloyd en de VandenEnde Foundation.</span></p> Mon, 29 Apr 2013 20:52:18 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Monica Nouwens - Foam - Fotografie Museum - May 17th, 2013 - July 14th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Los Angeles - the bright sun fades and twilight transforms the city into a bewitching wonderland, but its charm can disappear in an instant. In her project</strong> <em><strong>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before, Dutch photographer</strong></em> <strong>Monica Nouwens captures the ambivalent appeal of one of the world's greatest cities: Los Angeles.</strong> <strong>Nouwens depicts the lively DIY subculture of the city she lives in. Her personages truly belong in hip, young L.A. and live in the context of a city and culture facing a financial and moral crisis.</strong> <strong>Her work blends roughness, sensuality and emotional moments into a fragile but timeless image of beauty and the human condition. The exhibition will be on show at Foam from 17 May, featuring a selection of photos from this special project. The atmospheric images of Monica Nouwens will also be shown in a dazzling multimedia installation.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before,</em> Nouwens provides a picture of a group of people who have abandoned the dominant consumer culture, in search of a more personal, smaller-scale and more poetic alternative. In photos shot mostly at night, Nouwens gives a romantic, fleeting impression of their lives. Her cinematographic photos of gatherings, parties and activities in L.A. allow broader insight into the relationships between people and their urban and social environment. Nouwens' images do more than simply record a moment in time. <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before</em> offers a glimpse into a collective psyche that reflects the hopes, fears and nightmares of an entire generation.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="Fliesstext"><span style="font-size: small;">Nouwens has been portraying marginal urban communities in America for more than fifteen years: from idealistic utopians, neo-art communities and anarchistic movements such as 'Food Not Bombs' to disillusioned, drug-addicted commandos returning from the war in Iraq. Nouwens is fascinated by the wealth of social manifestations in the city. Over the years her view of society in America and Los Angeles has undergone a significant development, from outside observer to involved  insider. Ultimately this has formed the basis for the more personal and independent work <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before. This is where</em> her experience, lifestyle, artistic vision and love-hate relationship with the city come together.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Monica Nouwens (Netherlands, 1964) has been an artist in residence at the Rijksakademie, Amsterdam, and attended the California Institute of the Arts. In addition to her independent projects, her work has been regularly published in print media. She previously worked with <em>Volume</em>, <em>Domus</em> and <em>V Magazine</em> and her work has appeared in publications such as <em>Vogue</em>, <em>Archis</em> and <em>Surface.</em> In recent years Nouwens' work has also been on show at the Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Angeles, the Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, and Ron Mandos Galerie, Amsterdam. Her work is included in a number of prestigious collections such as the Stedelijk Museum, Amsterdam, Salvatore Ferragamo, Florence, and Levi's, London.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before is a Paradox production.</em> This project is made possible by the Mondriaan Fund, VSBfonds and Amsterdams Fonds voor de Kunst.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Los Angeles, de felle zon vervaagt en de schemering verandert de stad in een betoverend sprookje waarvan de charme in een oogwenk weer kan verdwijnen. In haar proj</strong>e<strong>ct <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before legt de</em> Nederlandse fotograaf Monica Nouwens de ambivalente aantrekkingskracht vast van een van 's werelds grootste steden: Los Angeles. In haar woonplaats brengt Nouwens de levendige doe-het-zelf-subcultuur van de stad in beeld. Haar personages horen thuis in hip, jong L.A. en leven in de context van een stad en cultuur die in een financiële en morele crisis verkeren. Haar werk combineert rauwheid, sensualiteit en emotionele momenten in een broos, maar tijdloos beeld van schoonheid en het menselijk zijn. De tentoonstelling is vanaf 17 mei te zien in Foam en laat een selectie van foto's uit dit bijzondere project zien. Daarnaast worden de sferische beelden van Monica Nouwens getoond in een extatische multimedia installatie.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Nouwens geeft met <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before</em> een beeld van een groep mensen die zich hebben teruggetrokken uit de heersende consumentenmaatschappij, op zoek naar een persoonlijker, kleinschaliger en poëtischer alternatief. Nouwens geeft in haar voornamelijk 's nachts geschoten foto's een romantische, vluchtige indruk van hun bestaan. Haar cinematografische foto's van bijeenkomsten, feesten en activiteiten in L.A. geven een breder inzicht in de verhoudingen tussen mensen en hun stedelijke en sociale omgeving. Nouwens' beelden leggen niet louter een moment vast. <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before</em> geeft een inkijk in een collectieve psyche die de hoop, angsten en nachtmerries van een hele generatie weerspiegelt.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="Fliesstext"><span style="font-size: small;">Al meer dan vijftien jaar lang portretteert Nouwens marginale stadsgemeenschappen in Amerika; van bevlogen utopisten van neo-kunstenaarsgemeenschappen en anarchistische bewegingen als 'Food Not Bombs' tot gedesillusioneerde, drugsverslaafde commando's die terugkeerden van de oorlog in Irak. Nouwens is gefascineerd door de rijkdom aan sociale verschijningsvormen in de stad. In de loop der jaren heeft haar blik op de samenleving in Amerika en Los Angeles zich ingrijpend ontwikkeld van een buitenstaander tot een betrokken insider. Dit heeft uiteindelijk ook de basis gevormd voor het meer persoonlijke en zelfstandige werk <em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before.</em> Dit is waar haar ervaringen, levensstijl, artistieke visie en haat-liefdeverhouding met de stad samenkomen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Monica Nouwens (Nederland, 1964) deed een residency aan de Rijksakademie, Amsterdam en zij volgde onderwijs aan het California Institute of the Arts. Naast haar autonome projecten publiceert zij regelmatig in gedrukte media. Eerder werkte zij samen met de tijdschriften <em>Volume</em>, <em>Domus</em>, <em>V Magazine</em> en verscheen haar werk onder andere in <em>Vogue</em>, <em>Archis</em> en <em>Surface.</em> Afgelopen jaren was Nouwens' werk te zien het Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Angeles, het Nederlands Fotomuseum, Rotterdam en Ron Mandos Galerie, Amsterdam. Haar werk is opgenomen in verschillende prestigieuze collecties zoals het Stedelijk Museum, Amsterdam, Salvatore Ferragamo, Florence en Levi's, Londen.</span></p> <div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Look At Me And Tell Me If You Have Known Me Before is een Paradox productie.</em> <em>Dit project is mede mogelijk gemaakt door het Mondriaan Fonds, VSBfonds en Amsterdams Fonds voor de Kunst.</em><em><br /> </em></span></p> </div> Mon, 27 May 2013 08:53:14 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Stephen Gill - Foam - Fotografie Museum - May 17th, 2013 - July 14th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Foam presents the first retrospective exhibition of English photographer Stephen Gill (Bristol, 1971). The <em>Best Before End</em> exhibition comprises a large number of series that Gill has made over the past fourteen years in and around the London Hackney district, as well as recent work being shown for the first time at Foam. The series in the exhibition all endeavour to reflect and respond to various aspects of life in this quickly changing district, which Gill has portrayed over the past years from the micro to macro level.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Chronicler, visual poet, anthropologist, sociologist, alchemist and conceptual artist: Stephen Gill is a unique maker of images who is constantly putting the photographic medium to the test and is able to create a visual language where documentary photography, coincidence, experiment and interventions are closely linked.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After devoting himself to documentary studies of Hackney's urban landscape for years, Gill's approach changed when he realised the limitations of this method of working. He has made various efforts to escape the technical restrictions of photography. The 2001 Hackney Wick series meant a new and liberating way of working. The images in Hackney Wick were made with a plastic camera that Gill had bought at a jumble sale. Because of the plastic lens and lack of control over shutter speed and focus, Gill felt that these photos, with their blurriness and limited clarity, came much closer to capturing the essence of the place.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With the realisation that documentary photography was often incapable of expressing concepts that were far more than purely descriptive, Gill began to make more and more use of the weaknesses of the medium. He took advantage of coincidence and employed manual interventions to help him to reveal what was most essential in his subjects. Among his working methods were burying photos (Buried), creating lavish collages with flowers and seeds (Hackney Flowers) and placing objects in the camera so that they left their traces on the film, causing confusion about the scale of the images (Talking to Ants).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gill's most recent series <em>Best Before End</em> was created with the aid of energy drinks which resulted in fantastical, abstract and vividly coloured works that through their intensity reflect contemporary, hectic urban life. First, he placed objects in the camera before taking the photographs, as he had done in the previous series. The negatives were later immersed in the energy drinks, which made the images shift their positions, disruptions to appear and softened the film emulsion. This made it possible to manipulate the emulsion - to stretch it, move it, tear it and to separate the various layers of the film, which were then reworked with a soft brush.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> In addition to the photo series, each of which shows another of Gill's subjects or concerns, the exhibition includes an overview of his publications. Gill is internationally esteemed as a significant maker of photo books, because of the special and tactile quality of the publications produced by Nobody, his own publishing house. Gill considers these publications to be the final stage of his photo series.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Foam presenteert de eerste overzichtstentoonstelling van de Engelse fotograaf Stephen Gill (Bristol, 1971). De tentoonstelling <em>Best Before End</em> bevat een groot aantal series die Gill de afgelopen veertien jaar in en rondom de Londense wijk Hackney maakte, evenals recent werk dat voor het eerst in Foam getoond wordt. Alle series in de tentoonstelling zijn een poging om te reflecteren en te reageren op verschillende aspecten van het leven in de zich snel ontwikkelende wijk, die Gill de afgelopen jaren van micro tot macro niveau in beeld bracht.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Chroniqueur, visueel dichter, antropoloog, socioloog, alchemist en conceptueel kunstenaar: Stephen Gill is een unieke beeldenmaker die het fotografische medium voortdurend op de proef stelt en in staat is een visuele taal te creëren waarin documentaire fotografie, toeval, experiment en interventies hand in hand gaan.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Na zich jarenlang op documentaire studies van de stedelijke omgeving in Hackney te hebben toegelegd, veranderde de benadering van Gill toen hij zich de beperkingen realiseerde van deze wijze van werken. Gill deed verschillende pogingen om de technische grenzen die de fotografie hem oplegde te omzeilen. De serie Hackney Wick uit 2001 betekende een nieuwe en bevrijdende manier van werken. De beelden van Hackney Wick zijn gemaakt met een plastic camera die Gill op de rommelmarkt kocht. Door de plastic lens en het gebrek aan controle over sluitertijd en focus, voelde Gill dat deze foto's door hun onscherpte en beperkte helderheid de essentie van een plek veel beter benaderden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met het besef dat de documentaire fotografie vaak niet in staat was om ideeën uit te drukken die veel meer waren dan puur beschrijvend, begon hij steeds meer gebruik te maken van de zwakheden van het medium. Hij betrok het toeval en paste handmatige interventies toe om hem te helpen het meest wezenlijke van zijn onderwerpen te onthullen. Tot zijn werkmethode behoorden onder meer het begraven van foto's (Buried), het maken van uitbundige collages met bloemen en zaden (Hackney Flowers) en het plaatsen van objecten in de camera zodat ze sporen achterlieten op de filmrol, waarmee hij verwarring veroorzaakte met betrekking tot de schaalverhoudingen in het beeld (Talking to Ants).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gills meest recente serie <em>Best Before End</em> kwam tot stand met behulp van energy drinks die resulteerden in fantastische, abstracte en felgekleurde werken die door hun intensiteit het hedendaagse drukke stadsleven weerspiegelen. Eerst werden zoals bij voorgaande series objecten in de camera geplaatst voor het fotograferen. Later werden de negatieven ondergedompeld in energy drinks, waardoor de beelden van hun plek verschoven, verstoringen optraden en de filmemulsie week werd. Hierdoor was het mogelijk om de emulsie handmatig op te rekken, te bewegen, te scheuren en de verschillende lagen van de film te scheiden, die vervolgens met een zachte borstel werden bewerkt.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Naast de fotografische series, die elk een ander onderwerp of een andere betrokkenheid van hem tonen, bevat de tentoonstelling ook een overzicht van zijn publicaties. Gill wordt internationaal gewaardeerd als een van de belangrijkste fotoboekenmakers vanwege de speciale en tactiele kwaliteit van de publicaties die onder de naam Nobody verschijnen, zijn eigen uitgeverij. Gill beschouwt de publicaties als de ultieme weergave van zijn fotografische series.</span></p> Mon, 20 May 2013 16:41:36 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Lara Dhondt - Foam - Fotografie Museum - May 17th, 2013 - July 17th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>This spring Foam 3h will premiere Memento, the latest series by Lara Dhondt. In her work, Dhondt documents forgotten and found objects, materials and locations in the urban landscape. She does this in an effort to give marginal places a human dimension or dignity. Dhondt's interventions seem casual and are often nearly invisible. If one looks very closely, however, the care and precision with which the interventions are constructed become clear. The exhibition in Foam will feature black-and-white images from the Memento series, printed on rusted steel, cardboard and wood - materials that change over the course of time by reacting to their physical circumstances. Three-dimensional work from the Primary Stages series (2012), a map and Antropomorphe (2012), the 8-mm projection that she made in collaboration with Portuguese artist André Catalão, will also be shown.</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Dhondt's method of working is intensive and comprises various stages of documentation. Via Google Maps she marks places where she leaves her sculptures in public spaces. The locations of both her creations and her photography can be traced through the coordinates via internet and physical maps. Her consistent and methodical way of working, along with the creative process that takes place exclusively in the outdoor space as well as the documenting of that process is firmly rooted in movements such as Land Art and conceptual art of the 1960s and 70s.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Dhondt's work is a kind of monument to temporariness. The constructions are based on the dimensions of personal space. These spatial demarcations and primary sculptures become altered into nomadic symbols, so to speak, and function as poetic podia for resistance. Dhondt is resisting the current financial and, above all, moral crisis with a call for humaneness and a search for meaning.  </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Lara Dhondt (Turnhout, 1979) lives in Antwerp and works with the urban landscape. She makes use of various media in her work, such as photography, installation, video, typography and performance.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Foam 3h heeft dit voorjaar de première van de nieuwste serie Memento van Lara Dhondt. In haar werk documenteert Dhondt vergeten en gevonden objecten, materialen en locaties in het stedelijke landschap. Ze doet dit in een poging marginale plekken een menselijke dimensie of waardigheid (terug) te geven. Dhondt's ingrepen lijken terloops en zijn vaak bijna onzichtbaar. Wie echter goed kijkt, ziet duidelijk de zorg en precisie waarmee de interventies zijn opgebouwd. In de expositie toont Foam de zwart-wit beelden uit de serie Memento die zijn geprint op roestend staal, karton en hout. Materialen die in de loop van de tijd veranderen door hun reactie op de fysieke omstandigheden waarin ze zich bevinden. Ook is er ruimtelijk werk te zien uit de serie Primary Stages (2012), een plattegrond, en de 8 mm-projectie Antropomorphe (2012) die ze maakte in samenwerking met de Portugese kunstenaar André Catalão.</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Dhondt's werkwijze is intensief en omvat verschillende stadia van documenteren. Zo markeert ze de plekken waar ze haar sculpturen achterlaat in de openbare ruimte via Google Maps. Aan de hand van de coördinaten zijn zowel de locaties van de creaties als van de fotografie traceerbaar via internet en via fysieke plattegronden. Door haar consequente en methodische manier van werken, het creatieproces dat zich uitsluitend in de buitenruimte afspeelt evenals het documenteren daarvan, is haar werk sterk geworteld in stromingen als Land Art en conceptuele kunst van de jaren '60 en '70.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Het werk van Dhondt is als een soort monument van tijdelijkheid. De constructies zijn gebaseerd op afmetingen van een persoonlijke ruimte. Deze ruimtelijke afbakeningen en primaire sculpturen veranderen als het ware in nomadische tekens en functioneren als poëtische podia voor verzet. Dhondt verzet zich tegen de huidige financiële, en bovenal morele, crisis als roep om menselijkheid en betekenisgeving.  </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Lara Dhondt (Turnhout, 1979) woont in Antwerpen en werkt met het stedelijk landschap. In haar werk gebruikt ze verschillende media zoals fotografie, installatie, video, typografie en performance.</span></p> Fri, 10 May 2013 11:20:57 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Frans Hals - Frans Hals Museum - March 23rd, 2013 - July 28th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In Frans Hals Year 2013, key works by the artist will be shown amidst paintings by such famous predecessors as Titian, Rembrandt, Rubens, Van Dyck and Jordaens in <em>Frans Hals: Eye to Eye with Rembrandt, Rubens and Titian</em>. This extraordinary confrontation of old masters is essential to the understanding of seventeenth-century art. Famous painters often produced their works in response to one another, seeking to outdo the other artist and create something exceptional. The best way to assess the results of their efforts is to look at comparable works side by side. Visitors can see for themselves the artistic challenges Hals must have faced and what makes him unique. The paintings come from some of the world’s greatest museums, among them the National Gallery in London, the Prado in Madrid and the Louvre in Paris, and from various private collections. <br /> <br /> <strong>A New View of Frans Hals<br /> </strong>This first major Frans Hals exhibition in almost twenty-five years will shed new light on the artist. It was long thought that Frans Hals’s name was almost unknown outside Haarlem in the seventeenth century and that he did not achieve fame until the nineteenth, when the French art critic Théophile Thoré-Bürger rediscovered him, and artists like Vincent van Gogh and Edouard Manet expressed their admiration for him. New research has revealed, however, that he was highly regarded by some of the most eminent painters and art lovers in Europe in the seventeenth century. <br /> <br /> <strong>Confrontations<br /> </strong>Visitors will be able to see the choice that the sixteenth-century art theoretician Karel van Mander, Hals’s teacher, presented to painters at that time—whether to paint in a ‘neat’ manner (like Brueghel) or with ‘rough’ brushstrokes (like Titian and Tintoretto). It will also be possible to compare swift oil sketches by Rubens, Van Dyck and Jordaens with work by Hals and Rembrandt and see how closely Hals and his colleagues in Antwerp approached one another in formal portraiture. A vibrant selection of genre paintings will set Hals’s masterly brushwork and the expressions of his laughing figures side by side with comparable works by Van Baburen, Jordaens and Van Dyck. Hals’s great group portraits also engage in a dialogue with contemporaries. The most spectacular is perhaps the confrontation between Hals’s last group portraits and the late portraits by Rembrandt, the only other seventeenth-century master who dared to paint with such bravura at that moment. <br /> <br /> <strong>Catalogue<br /> </strong>A full-colour catalogue edited by Anna Tummers (curator of Old Masters at the Frans Hals Museum, who put the exhibition together) is being published to coincide with the exhibition. International specialists will provide insights into Frans Hals’s virtuosity, his directness, his artistic relationships with fellow artists from Antwerp and Amsterdam and his importance in his own time. (160 pages, full colour, Dutch and English editions, nai010 publishers, price € 25).<br /> <br /> <strong>Audio Tour and Events<br /> </strong>There will be an audio tour (Dutch, English and French) providing more in-depth information about works in the exhibition. A wide range of activities and events are also being organized around the exhibition. See www.franshalsmuseum.nl. There will be a short introductory film on the website and at the exhibition. <br /> <br /> <strong>Sponsorship <br /> </strong>The exhibition has been made possible by the financial support of the Dr Marijnus Johannes van Toorn &amp; Louise Scholten Stichting, Stichting Zabawas, J.C. Ruigrok Stichting, Aon, the SNS REAAL Fonds, the Prins Bernhard Cultuurfonds and Haarlem City Council. The museum is supported by the BankGiro Loterij. <br /></span></p> <hr /> <h2 class="prefix titel">Frans Hals. Oog in oog met Rembrandt, Rubens en Titiaan</h2> <p style="text-align: justify;"><br /> Van <strong>23 maart t/m 28 juli 2013</strong> is in het Frans Hals Museum een bijzondere tentoonstelling over Frans Hals te zien. Voor het eerst worden sleutelstukken van Frans Hals getoond te midden van schilderijen van beroemde collega’s als Titiaan, Rembrandt, Van Dyck, Jordaens en Rubens. De presentatie plaatst Hals’ virtuoze penseelwerk in een breder verband, evenals de directheid waarmee hij zijn onderwerpen in beeld bracht. De tentoonstelling werpt daarmee een nieuw licht op Hals’ ambities en positie in de 17e eeuw. Een tijd waarin het ontwikkelen van een eigen stijl en het overtreffen van andere meesters een belangrijk streven was voor schilders. De schilderijen zijn afkomstig uit onder meer the National Gallery in Londen, het Prado in Madrid, het Louvre in Parijs en diverse particuliere collecties. Met de tentoonstelling <strong><em>Frans Hals. Oog in oog met Rembrandt, Rubens en Titiaan </em></strong>viert het Frans Hals Museum dat het in 2013 100 jaar bestaat.<br /> <br /> Voor het bestellen van tickets online en de MARGRIET actie <a href="http://www.franshalsmuseum.nl/dynamisch/index/kaartjes">klik hier<br /> </a><br /> <br /> <strong>FEESTWEEK IN HAARLEM<br /> 9 t/m 14 mei 2013<br /> <br /> </strong>In de feestweek zijn er verschillende feestelijke activiteiten in de stad rond Frans Hals en de tijd waarin hij leefde: de Gouden Eeuw. De feestweek start op donderdag 9 mei, Hemelvaartsdag, met de intocht – per zeilschip - van het eerste vat Frans Halsbier. Er zullen diverse muzikale activiteiten zijn met o.a. een meezing festijn op de Grote Markt, een concert met muziek uit de tijd van Frans Hals door het ensemble van Mike Fentross. <br /> <br /> De week eindigt op dinsdag 14 mei (de 100ste verjaardag van het Frans Hals Museum) met een receptie in het museum. Tijdens deze receptie vindt de presentatie van het jubileumboek plaats. Een boek over een eeuw lang verzamelen, restaureren, tentoonstellen, bewaren , bewaken en promoten.</p> Fri, 08 Feb 2013 15:36:04 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Hanna Björklund, Kia Gardelius Mårtensson, Lisbet Hemse, Miriam Lagergren, Edvin Mattison, Lotte Nilsson Välimaa, Emmy Wallin, Anders Wettler, Henrik Pätzke - Galerie Atelier Herenplaats - April 20th, 2013 - July 7th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">The starting point for each of us has been the possibility to develop an artwork in a larger scale, concentrating on textiles. Unlimited in methods, materials, scale and time has giving birth to tactile pieces. Work that connects to contemplation, reflection, memory, dreams, trust, recreation, rest, shelter, comfort and touch. It is a research of what happens when this visual, creative experience meets our visitors.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">We are 9 Swedish artists from Ateljé Inuti 2 in Stockholm who are taking part in <em>A room of our own</em>. Artists from our studio and two coaching artists are exhibiting. The aim of the project is that the result could become a meeting point, small in size and weight, that unfolds on arrival.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Two years has passed. After many interesting discussions, try outs and hours in the studio -  it is finally a great joy and a challenge to present A room of our own at Atelier Herenplaats.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Negen zweedse kunstenaars exposeren in Galerie Herenplaats:</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hanna Björklund, Kia Gardelius Mårtensson, Lisbet Hemse, Miriam Lagergren, Edvin Mattison, Lotte Nilsson-Välimaa, Henrik Pätzke, Emmy Wallin en Anders Wettler</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deze kunstenaars maken deel uit van “Atelje Inuti2” dat is gevestigd in Stockholm en is toegelegd op de persoonlijke en creative ontwikkeling van mensen met autisme. Een uitgangspunt voor de expositie “A room of our own” is de wens om een groot werk te vervaardigen met het accent op textiel. De kunstenaars willen met hun werk de bezoekers een ontmoetingsplaats bieden waar ze kunnen zijn, voelen, onderkomen, rusten &amp; dromen en ze willen graag dat bezoekers dit zintuiglijk en gevoelsmatig kunnen ervaren.</span></p> <p></p> Fri, 31 May 2013 17:49:29 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Yonatan Vinitsky, Rachel Adams (1985 UK), Pieterjan Ginckels, Joe Scanlan, P. Struycken, Fransje Killaars, Ger Van Elk, Erik Andriesse, Curdin Tones - Galerie de Expeditie - May 18th, 2013 - June 30th, 2013 Mon, 10 Feb 2014 16:48:14 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list