ArtSlant - Recently added en-us 40 Ed van der Eslke, Meiro Koizumi, David Maljkovic, Anonis Pittas - Annet Gelink Gallery - September 6th - October 18th <p style="text-align: justify;">In the Bakery, Annet Gelink Gallery is proud to present the group exhibition<em> Amsterdam Drawing Extended</em>. The exhibition forms an expansion of our participation in this year&rsquo;s Amsterdam Drawing art fair. Titled &lsquo;Amsterdam Drawing&rsquo; the fair&rsquo;s mission is to show and promote works on paper. This distinction, however, raises the question of how we define what makes a drawing and what sets it apart from other forms of artistic expression.</p> <p style="text-align: justify;">All the works on show in <em>Amsterdam Drawing Extended</em> approach the medium of drawing in differing ways.</p> <p style="text-align: justify;">Ed van der Elsken&rsquo;s and Meiro Koizumi&rsquo;s works both commit to film depictions of more conventional drawings, presenting them as documentations of culture and artistic method. The Ed van der Elsken&rsquo;s photographs on view are part of his 1958 publication <em>Bagara</em>, which documents the cultures and people he came across during his travels through Central Africa. Van der Elsken would often take photographs of drawings as part of his photography books, as he did with Vali Meyers&rsquo; drawings in<em> Love on the Left Bank</em>. As such these photographs are not a mere documentation of the drawings, but form part of the wider narrative set out in the photography books. In so doing, they become works in themselves, both drawing and photograph. Drawing is a central element of Meiro Koizumi&rsquo;s artistic practice. Koizumi approaches the act of drawing as a means to uncover hidden emotional and spiritual motifs that lie behind what is visible, making it inextricably linked to his entire oeuvre. In Untitled we see the artists hysterically whistling the tune of <em>Auld Lang Syne</em> (commonly used in graduation ceremonies in Japan), whilst rubbing pencils across a board to the rhythm of the song. The work conveys a sense of aggression and energy, with the act of drawing becoming a vehicle for the overall outcome of the video work.</p> <p style="text-align: justify;">The works on display by David Maljkovic and Antonis Pittas on the other hand challenge our perceptions of what makes a drawing. Maljkovic uses elements traditionally found in painting to create his Studio drawings. Formed on canvas, as opposed to paper, the viewer is asked to contemplate the process of creating art. Are these drawings to which paint has been added or has the process taken place in the opposite direction? Pittas goes for the inverse approach, using ephemeral graphite on walls, floors and marble sculptures to place texts on otherwise monumental and static objects. Where for Maljkovic drawing is a catalyst for inwardly exploring the workings of art, Pittas employs it as a means to connect art to the wider world.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Amsterdam Drawing Extended</em> thus shows how drawing is more than simply &ldquo; works on paper&rdquo;. As one of the most fundamental of artistic practices, restricting its definition means restricting its uses. When is a d rawing thus not a drawing?.</p> Tue, 02 Sep 2014 17:35:09 +0000 Group Show - de Appel Arts Centre - September 27th - January 11th, 2015 <p style="text-align: justify;">The tumultuous 1960s have left two trails in art- and cultural history: Psychedelia and Conceptualism. Today Psychedelia &ndash; art and other expressions that arose out of the impulse to expand human consciousness &ndash; is associated with drug use, the sub- or counterculture, and experimental music, while Conceptualism &ndash; visual art in which the central element is the idea &ndash; is almost synonymous with high art. In the 1960s the two artistic movements were close to one another, but they are now often seen as opposites. The desire for the orgiastic momentum would seem to be difficult to unite with a striving for the pure idea. But are those perceptions correct? And how do artists today deal with this double legacy of the 1960s, consciously or intuitively?<br /><br />The exhibition When Elephants Come Marching In: Echoes from the Sixties in Today&rsquo;s Art by guest curator Mark Kremer investigates the ongoing influence that these two art complexes still have in contemporary Western art. Artists today activate a turbulent inheritance; and in their efforts Psychedelia and Conceptualism are once again united. The show brings together works from 14 artists, ten of which have made work especially for this exhibition. The proverbial core of the show consists of presenting a small work-ensemble of the late Walter De Maria, someone who stands for a legendary generation of artists who put their mark on the 1960s.</p> <p style="text-align: justify;">Initial research for this exhibition was done in 2 MA-workshops focusing on art and ideas of the 1960's at the DAI (Dutch Art Institute), Enschede, during the academic years 2008-2009 and 2009-2010.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Echo's van de Sixties in de kunst van Nu</p> <p style="text-align: justify;">De roerige jaren zestig van de vorige eeuw hebben in de kunst- en cultuurgeschiedenis twee sporen getrokken: Psychedelia en Conceptualisme. Tegenwoordig wordt Psychedelia &ndash; kunst en andere uitingen die ontstonden vanuit de drang naar bewustzijnsverruiming &ndash;geassocieerd met drugsgebruik, de sub- of tegencultuur en experimentele muziek, terwijl Conceptualisme &ndash; beeldende kunst waarin het idee centraal staat &ndash; bijna het synoniem is van high art. De twee artistieke bewegingen stonden in de sixties dichtbij elkaar, maar worden nu vaak als tegengestelden gezien. Het verlangen naar de wilde roes lijkt moeilijk verenigbaar met het streven naar de zuivere idee. Maar is die scheidslijn terecht? En hoe gaan kunstenaars van nu, welbewust of intu&iuml;tief, om met die tweeledige erfenis van de jaren zestig?&nbsp;<br /><br />De tentoonstelling&nbsp;<em>When Elephants Come Marching In: Sixties Echoes in Today's Art</em>van gastcurator Mark Kremer onderzoekt hoe die twee kunstcomplexen nog steeds doorwerken in de huidige Westerse kunst. Kunstenaars van nu activeren een turbulente erfenis; door hun toedoen worden Psychedelia en Conceptualisme wederom verenigd. Mark Kremer brengt werken samen van 14 kunstenaars waarvan 10 speciaal werk hebben gemaakt voor de tentoonstelling. Belangrijk binnen de tentoonstelling is de presentatie van een aantal werken van Walter De Maria, iemand die symbool staat voor een legendarische generatie kunstenaars die hun stempel hebben gedrukt op de jaren zestig.</p> <p style="text-align: justify;">Voor deze tentoonstelling is voorbereidend onderzoek gedaan in twee MA-workshops in 2008-2009 en 2009-2010 aan het DAI (Dutch Art Institute) te Enschede, die gericht waren op kunst en idee&euml;n uit de jaren zestig.</p> <p style="text-align: justify;">Kunstenaars<br />Carl Michael von Hausswolff (se), Roland Schimmel (nl), Hugo Canoilas (pt/at), Taf Hassam (uk/nl), Hidenori Mitsue (jp/nl), Walter De Maria, (usa, 1935-2013), Emilio Moreno (es/nl), Chiara Fumai (it), Melanie Bonajo (nl), Xue Mu (cn/nl), gerlach en koop (nl), Michael Stubbs (uk), Jan van de Pavert (nl), Boyle Family (uk).</p> <p>&nbsp;</p> Tue, 02 Sep 2014 15:53:25 +0000 Nobuyoshi Araki - Ed van der Elsken Archives - September 6th - October 18th <p style="text-align: justify;">Annet Gelink Gallery is pleased to announce a new space dedicated to the work of the acclaimed Dutch photographer Ed van der Elsken, next door to Annet Gelink Gallery.&nbsp;<strong>Ed van der Elsken Archives</strong>&nbsp;will permanently have on display the rich and varied oeuvre of Van der Elsken. The new gallery space will open on&nbsp;<strong>Saturday, September 6.</strong>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Annet Gelink has worked with the estate of Ed van der Elsken for the past twenty years and with the growing interest into Van der Elsken&rsquo;s work,<strong>&nbsp;Ed van der Elsken Archives</strong>&nbsp;feels like a natural next step.</p> <p style="text-align: justify;">The aim of this new gallery space is to keep the legacy and work of Van der Elsken publicly accessible and as alive and vibrant as the works themselves. Taking his works as a starting point, exhibitions will be set up in collaboration with individuals from the worlds of fashion, art and literature. Each will be invited to come with their own response to Ed&rsquo;s work or to make a selection from Van der Elsken&rsquo;s archive.&nbsp; For our 2012 exhibition&nbsp;<em>Look.Ed!</em>, Rineke Dijkstra, Marlene Dumas and Marijke van Warmerdam were each asked to make a selection of photographs from Ed van der Elsken&rsquo;s oeuvre. The resulting show displayed the wide breadth of Van der Elsken&rsquo;s work, but also the wide range of responses his work evokes. In the footsteps of this exhibition, we hope that&nbsp;<strong>Ed van der Elsken Archives</strong>&nbsp;will become a space that will present fresh and new perspectives on work that has been in the public eye for decades.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Ed van der Elsken</strong>&nbsp;(1925, Amsterdam -1990, Edam NL) was a photographer and filmmaker who, for over 40 years, captured the life he encountered on the streets he roamed, through photography, photography books and films. Having started his career in the 1940s, it was his move to Paris in the 1950s that would prove the catalyst to his reputation. His time in Paris culminated in&nbsp;<em>Love on the Left Bank</em>, his influential photography book that characterized and documented the bohemian scene of Saint-Germain-de-Pr&eacute;s and instantly made Ed van der Elsken famous. The photographs in this series also caught the eye of Edward Steichen, resulting in various shows in the US during the 1950s that would cement his reputation and place him amongst a group of peers including Robert Frank, Bert Hardy and Herbert List amongst others. The book crystallized Van der Elsken&rsquo;s gritty, spontaneous and often confrontational style, with which he would go on to capture his travels, the people he chanced upon and particular moments from his private life.</p> <p style="text-align: justify;">Van der Elsken would go on to publish numerous photography books, such as the recently republished&nbsp;<em>Amsterdam!,&nbsp;</em>his publication&nbsp;<em>Sweet Life&nbsp;</em>with photographs of his round the world travels and the photography books documenting his travels to Japan (one of his favourite destinations). Van der Elsken always photographed life as he encountered it, embracing both the brighter as well as the darker sides. His unconventional technique and the snapshot-like quality of his work have been of great importance in the development of contemporary photography.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Above all,&nbsp;<strong>Ed van der Elsken Archives</strong>&nbsp;will be a place for Ed van der Elsken lovers and novices alike, to see up close and in new and changing contexts the work of this extraordinary photographer, artist and individual.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Ed van der Elsken Archives'</strong>&nbsp;first exhibition will be&nbsp;Love on the Left Eye, featuring work by Nobuyoshi Araki alongside that of Ed van der Elsken. The exhibition has been organised in collaboration with Taka Ishii Gallery.&nbsp;Love on the Left Eye&nbsp;will be on view from September 6 through October 18, 2014.</p> <p><img style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto;" src="" alt="" /></p> <p>&nbsp;</p> Tue, 02 Sep 2014 15:37:54 +0000 Armando - Rento Brattinga | galerie - September 6th - October 11th <p style="text-align: justify;">Armando (Amsterdam 1929) bereikt in september 2014 de 85-jarige leeftijd.<br /> Om dit te vieren zal er bij Rento Brattinga | galerie een tentoonstelling van een 30-tal tekeningen van Armando te zien zijn.<br /> <br /> Armando drukt zich uit in woord, klank en beeld.<br /> In zijn beeldend oeuvre zijn het de tekeningen die het dichtst onder de huid van de kunstenaar zitten.<br /> De tekeningen tonen de haat, de verwondering, de beschuldiging en de poging iets wat voorafging te veranderen. Ze registreren het verleden.<br /> <br /> De getoonde werken omvat een kleine selectie uit meer dan een halve eeuw tekenen.</p> Mon, 01 Sep 2014 15:15:06 +0000 Hans Scholten - Lumen Travo - September 6th - October 11th <p style="text-align: justify;">In 2002, Hans Scholten started a project called Urban Future, his goal being to reflect on global urbanization through the medium of photography and sculpture in current times as well as in years to come.<br /><br /> The project is conceived as a sculptural construct in which he deals with concepts such as space, orientation, networks, fragmentation and spatial presentation models. His starting point is a large archive of photographs and films he took all over the world since the beginning of the Urban Future project. He researches various interpretations and combinations of the archive and related details within it that can provide new valuable knowledge and that can influence conceptualizations about global urbanization. Within this debate, he reflects on ideas of &lsquo;progress&rdquo;, values of failure and the entropic character of urban developments. <br /><br /> In this show he uses new collage techniques of the in combination with sculpture elements. He focuses with this on processes of fragmentation as part of the experience and the development of the global urban environment.</p> Mon, 01 Sep 2014 15:10:11 +0000 Jacqueline Hassink - Galerie Wouter van Leeuwen - September 6th - October 11th <p class="test1" style="text-align: justify;">Galerie Wouter van Leeuwen presenteert &lsquo;View, Kyoto&rsquo;, een nieuwe serie foto&rsquo;s van de in New York wonende internationaal succesvolle Nederlandse fotograaf Jacqueline Hassink.<br /><br />&lsquo;View, Kyoto&rsquo; is een diepgaande fotografische studie naar een aantal van de mooiste traditionele Japanse tuinen bij de boeddhistische tempels in Kyoto.<br /><br />Jacqueline Hassink (1966) bezocht in de zomer van 2004 34 boeddhistische tempels, selecteerde er 19 en mocht, na langdurig onderhandelen, in 12 tuinen fotograferen. Daarna kwam ze terug voor meer. Tussen 2004 en 2014 produceerde zij 255 werken in en om 40 tempels. Die bezocht zij gedurende alle jaargetijden, om de invloed van de seizoenen op de tuinen te registreren.<br /><br />Meestentijds zijn zen-tuinen betrekkelijk klein, omgeven door een muur en bedoeld om vanuit zittende positie te aanschouwen vanaf een plek buiten de tuin zoals een veranda of de meditatieruimte in het klooster. Mediteren doe je immers zittend op een kussen. De tuinen weerspiegelen de essentie van de natuur en kunnen helpen de meditatie-oefening te bevorderen. Zen-tuinen zijn niet bedoeld om te betreden, maar vormen een eerbetoon aan de boeddha.<br />De boeddhistische kloosters en tempels zijn niet verwarmd, waardoor de verbintenis tussen binnen en buiten nog meer versterkt wordt.<br /><br />Zen-tuinen worden nooit op zichzelf staand aangelegd, maar zijn altijd verbonden met een bouwwerk zoals een klooster of een tempel. Jacqueline Hassink gebruikt de architectuur daarvan als kader. We kijken over een vloer, belegd met tatami matten, tussen rijstpapieren scheidingswanden en onder houten balken door de tuin in.<br />Hassink fotografeerde daarom vooral van binnen naar buiten, met de kale geometrie van de tempelinterieurs - tatami, shoji&rsquo;s (rijstpapieren scheidingswanden), houten balken - als voorgrond en kader.<br />Door het binnen met het buiten te verbinden past deze serie naadloos in Hassinks interesseveld: haar onderzoek naar de relatie tussen de publieke en private ruimte. Het ontbreken van ramen in de tempelarchitectuur helpt om de grenzen tussen binnen en buiten te vervagen en priv&eacute; en privaat in elkaar over te laten vloeien.<br /><br />Sommige foto&rsquo;s werden van diep achterin de tempel gemaakt. Interieur-elementen in de voorgrond, de tuin helemaal achterin de verte. Met dat perspectief voegt Hassink zichtlijnen toe die de menselijke aanwezigheid en de verbintenis van mens en natuur versterken. De tuinen lijken een schilderij, ingelijst door de tempelarchitectuur.<br /><br />De expositie bij Galerie Wouter van Leeuwen valt samen met de tentoonstelling &lsquo;De Marseille(s)&lsquo; in museum voor fotografie Huis Marseille (Keizersgracht 401, 1016 EK Amsterdam), waar Jacqueline Hassink een van de deelnemende kunstenaars aan is.<br />Ze zal daar 16 grote werken laten zien alsmede de &lsquo;Film: View, Kyoto&rsquo;.<br /><br />Gelijktijdig met de tentoonstelling verschijnt &lsquo;View, Kyoto&rsquo;. Het boek, vormgegeven door Irma Boom en uitgegeven door Hatje Cantz Verlag, is in de galerie te koop.</p> <p><span style="font-family: Verdana; font-size: xx-small;"><span style="font-family: Verdana; font-size: xx-small;"><img src="" alt="" height="10" />&nbsp;De kunstenaar zal tijdens de opening aanwezig zijn.</span> </span></p> Mon, 01 Sep 2014 15:05:09 +0000 Han Schuil - Galerie Onrust - September 6th - October 11th Mon, 01 Sep 2014 15:01:55 +0000 Willy de Sauter - Phoebus Rotterdam - October 5th - November 9th Mon, 01 Sep 2014 14:45:38 +0000 Group Show - Phoebus Rotterdam - August 24th - November 9th Mon, 01 Sep 2014 14:44:36 +0000 - Garage Rotterdam - November 6th 4:30 PM - 6:30 PM <p>Klein Onderhoud<br />Drinks &amp; snacks to mark the end of this exhibition</p> <hr /> <p>Klein Onderhoud, afsluitende borrel</p> <p>&nbsp;</p> Fri, 29 Aug 2014 10:22:47 +0000 - Garage Rotterdam - October 19th 3:30 PM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Distance to zero</em> is a group exhibition about the &lsquo;condition humaine&rsquo;: the fate of mankind. Participating artists have thermalized vulnerable man in relation to his environment. Their work is an attempt to get to grips with the unfathomability of man&rsquo;s existence. <em>Distance to zero</em> reveals life as a process of transformation.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The six artists, each in their own way, have tried to get closer to the origin of life. This is comparable with alchemists in bygone days who believed in the existence of the philosopher&rsquo;s stone: a substance thought capable of changing ordinary metals into gold. The stone is also sometimes described as the potion of eternal youth, thought to possess rejuvenating and life-extending properties.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For ages the main objective of Western alchemy was to manufacture the philosopher&rsquo;s stone. The search for this universal key to existence was, however, more important than finding it; it was above all about personal development. The alchemists weren&rsquo;t seeking power or riches, but enlightenment and immortality. It is also this inner process that counts for the artists participating in Distance to zero.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In <em>Distance to zero</em> the &lsquo;condition humaine&rsquo; first becomes clearly visible in the 16-mm video-works of Reynold Reynolds. His typical film-language is based on transformation, consumption and decay. Reynolds integrates scientific methods into his filming activities by subtly altering everyday elements and studying the effects achieved. One by one, he changes the variables of reality in order to reveal the underlying connections.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Transformation also plays a role in Fia Cielen&rsquo;s animal sculptures. Her owls, crows and cats are gradually overgrown by crystals, as a result of which they are in a constant state of metamorphosis. Cielen&rsquo;s work is a melting pot of such opposites as death and life, dark and light, art and nature.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Zeger Reyers has a fascinating way of interfering with nature. His method sheds light on the manipulative nature of the age in which we live. Where nature and culture encroach upon one another, our perception alters and we suddenly find ourselves wrong-footed. The work of Erik Andriesse, with his images of flowers, skulls and the skeletons of animals, can be seen as a contemporary vanitas. Graciously, and with enormous sensitivity, he reflects upon the tragedy of the condition humaine.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Erzs&eacute;bet Baerveldt&rsquo;s moving video, Pi&euml;ta &ndash; also a classic theme &ndash; tries to get a grasp on life and mortality. The inability of a woman to bring a doll to life is reminiscent of the Jewish legend of the Golem: a servant that man made from clay, who eventually sought revenge because of his frustration about lacking autonomy and not having a soul of his own.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Similarly to this ancient story and the physical science of alchemy, the <em>Distance to zero</em> exhibition leads to astonishment and anxiety about man&rsquo;s existence, about suffering and decay, about life and death.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tekst: Hans van der Ham en Yasmijn Jarram</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Distance to zero</em> is een groepstentoonstelling over de &lsquo;condition humaine&rsquo;: het lot van het mensdom. De deelnemende kunstenaars thematiseren de kwetsbare mens in verhouding tot zijn omgeving. In hun werk proberen ze grip te krijgen op de ondoorgrondelijkheid van het bestaan. <em>Distance to zero</em> toont het leven als een transformatieproces.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Elk op hun eigen manier trachten de zes kunstenaars dichterbij de oorsprong van het leven te komen. Dit is vergelijkbaar met vroegere alchemisten die geloofden in het bestaan van de steen der wijzen: een substantie die in staat zou zijn gewone metalen te veranderen in goud. Soms wordt de steen ook als levenselixer voorgesteld, waaraan men verjongende en levensverlengende eigenschappen toekende.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Lange tijd was het vervaardigen van de steen der wijzen het voornaamste doel van de westerse alchemie. De zoektocht naar deze universele sleutel tot het bestaan was echter belangrijker dan het vinden ervan; het draaide vooral om persoonlijke ontwikkeling. De alchemisten streefden niet naar macht of rijkdom, maar naar verlichting en onsterfelijkheid. Ook voor de kunstenaars in Distance to zero draait het om dit innerlijke proces.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In <em>Distance to zero</em> is de &lsquo;condition humaine&rsquo; allereerst duidelijk zichtbaar in de 16mm videowerken van Reynold Reynolds. Zijn typische filmtaal is gebaseerd op transformatie, consumptie en verval. Door alledaagse elementen subtiel te bewerken en de effecten ervan te bestuderen, integreert Reynolds wetenschappelijke methodes in zijn filmpraktijk. E&eacute;n voor &eacute;&eacute;n verandert hij variabelen uit de werkelijkheid, om onderliggende verbanden te onthullen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Transformatie speelt eveneens een rol in de diersculpturen van Fia Cielen. Langzaam raken haar uilen, kraaien of katten overwoekerd door kristallen, waardoor ze zich in voortdurende staat van metamorfose bevinden. In Cielens werk smelten tegenpolen als dood en leven, donker en licht, kunst en natuur samen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Zeger Reyers doet fascinerende ingrepen in de natuur. Op die manier belicht hij het manipulatieve karakter van het huidige tijdperk. Waar natuur en cultuur elkaar raken, verandert onze perceptie en worden we op het verkeerde been gezet. Met zijn afbeeldingen van bloemen, schedels en dierskeletten kan het werk van Erik Andriesse worden gezien als een hedendaagse vanitas. Op gracieuze wijze en met grote gevoeligheid reflecteert hij op de tragedie van de condition humaine.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Erzs&eacute;bet Baerveldts aandoenlijke video Pi&euml;ta, een eveneens klassiek thema, probeert vat te krijgen op leven en sterfelijkheid. Het onvermogen van een vrouw om een pop tot leven te wekken doet denken aan de Joodse legende van de Golem: een door de mens geschapen dienaar van klei, die uiteindelijk wraak nam uit frustratie over zijn gebrek aan autonomie en het gemis van een eigen ziel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Net als deze eeuwenoude vertelling en de natuurfilosofie van de alchemie, leidt ook de tentoonstelling Distance to zero tot verwondering en verontrusting over het menselijk bestaan, over lijden en vergaan, over leven en dood.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tekst: Hans van der Ham en Yasmijn Jarram</span></p> Fri, 29 Aug 2014 10:22:26 +0000 - Rotterdam International Art Fair - September 12th - September 13th <h3>Hours &amp; Admission</h3> <p><em>Friday 12th September 2014</em><br />18.00pm-22.00pm&nbsp;<br />The Private View and Champagne Reception, &pound; 7 GBP per ticket.&nbsp;<br /><br /><em>Saturday 13th September 2014</em><br />11.00am-18.00pm<br />Free Entry&nbsp;</p> Thu, 28 Aug 2014 11:36:48 +0000 Frederique Bergholtz, Maria Pask - Cobra Museum - September 28th - January 18th, 2015 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With Asger Jorn's comprehensive practice as their starting point, artists Maria Pask and Frederique Bergholtz have developed a new project for the Cobra Museum. Their Tantric Ceramics installation is a continuation of their project, A Way of Making, for which ceramics also formed the principle material. At the Cobra Museum, they have completed an installation with ceramic elements, a new video work and a visual archive of ceramic objects from different periods in time and geographical regions. The work is inspired by the organic way that Asger Jorn related to architecture, ceramics and nature in his home and garden in Albissola, Italy. We moreover recognize recurring working methods and subjects from the practice of Bergholtz and Pask, including the relation between politics and the human body, and their interest in popular and folk culture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Maria Pask's work has been seen at the Skulptur Project M&uuml;nster, Stedelijk Museum Bureau Amsterdam and the Museum of Modern Art in Oxford. Frederique Bergholtz is cofounder and director of If I Can&rsquo;t Dance I Don&rsquo;t Want to be Part of Your Revolution, an international, travelling platform for the production of visual arts and performance, which has completed projects with the Tate Modern and the Reina Sofia in Madrid.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tantric Ceramics is part of the Cobra Museum's Open Collection programme and has been made possible with the support of the Mondriaan Funds, the P.M. de Klerk Keramiek Fonds/Prins Bernhard Cultuurfonds and Stichting Stokroos.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hedendaags kunstenares Maria Pask en Frederique Bergholtz hebben met Asger Jorns veelomvattende praktijk als vertrekpunt een nieuw project ontwikkelt voor het Cobra Museum. Hun project &lsquo;A way of Making&rsquo; is een voortzetting op hun eerder begonnen project &lsquo;A Way of Making&rsquo;, waarin keramiek ook al het materi&euml;le uitgangspunt vormde. In het Cobra Museum realiseren zij een installatie met keramieken elementen, nieuw videowerk en een beeldarchief van keramieken objecten uit verschillende tijdperioden en geografische gebieden. Het werk is deels ge&iuml;nspireerd door de organische wijze waarop Asger Jorn omging met architectuur, keramiek en natuur in zijn huis en tuin in Albissola, Itali&euml;. Daarnaast zijn er terugkerende werkwijzen en onderwerpen te herkennen uit de praktijk van Bergholtz en Pask, zoals de relatie tussen politiek en het lichaam en een interesse in volks- en populaire cultuur.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het werk van Maria Pask werd onder meer getoond tijdens Skulptur Project M&uuml;nster, in het Stedelijk Museum Bureau Amsterdam en het Museum of Modern Art Oxford. Frederique Bergholtz is mede-oprichter en directeur van If I Can&rsquo;t Dance I Don&rsquo;t Want to be Part of Your Revolution, een internationaal, reizend platform voor productie van beeldende kunst/performance dat onder meer projecten realiseerde i.s.m. Tate Modern en het Reina Sofia, Madrid.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&lsquo;A way of Making&rsquo; vind plaats in het kader van het Open Collectie programma en wordt mede mogelijk gemaakt door het Mondriaan Fonds, Het Prins Bernhard Cultuur Fonds / P.M. de Klerk Keramiek Fonds en Stichting Stokroos.</span></p> <p>&nbsp;</p> Thu, 28 Aug 2014 07:11:15 +0000