ArtSlant - Current exhibits http://www.artslant.com/ams/Events/show en-us 40 - &Foam - March 28th, 2013 - June 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>At the end of March, &amp;Foam - Foam's shop annex project space in the Vijzelstraat - will acquire a photo book theme for the next two months. Both Dutch photography and work by Dutch graphic designers have a good international reputation - so it's no surprise that many of the world's best photography books come from the Netherlands. <em>Books &amp;Foam</em> will be placing a large selection of these books in the spotlight with special presentations to shed light on the design process, with installations, book signing sessions and an exceptional selection of the best recent international photo books. A variety of special events will be held in &amp;Foam up until the end of May for <em>Books &amp;Foam</em>, such as the world premiere of the <em>WAITS/CORBIJN '77</em> - <em>'11</em> book on 5 May (Anton Corbijn will be present to sign the book), the launch of the 'Dummy Issue' of Foam Magazine and an extraordinary evening on 18 May as part of the Das Magazin Festival.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The realisation of a photo book</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Visitors will gain insight into the design process of six photo books. Showing the first ideas and sketches, email correspondence between photographer and designer, dummies and test prints provide an associative view into the design process. The six publications are extremely diverse and range from the first book by Rinko Kawauchi &amp; Hans Gremmen, and the latest publication by Johannes Schwartz &amp; Experimental Jetset, to the new book by Marnix Goossens, designed by Remco van Bladel.<strong><br /> <br /> Foam Magazine</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> In addition, Foam Magazine will be bringing out a 'Dummy Issue' of its magazine with the same theme: so-called dummy publications. Photographers and graphic designers have created a physical design for their unpublished photo books, and eight of these models will also actually be produced. The final eight individual dummies will be presented in a specially designed box, a true collector's item. This dummy issue of Foam Magazine will be launched during the opening of <em>Books &amp;Foam</em>.<strong><br /> <br /> Curated bookshelves</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Foam has invited eight Dutch and international experts from the world of photography to provide a 'curated bookshelf', containing their choices for the five best photo books of 2012. Martin Parr and Alec Soth are two of the eight experts who have contributed to this fascinating selection on the curated bookshelf. The books from this selection are available for sale at &amp;Foam.<strong><br /> <br /> Independent work</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> A variety of photographic projects and/or works will be presented in the Books &amp;Foam space, all having to do with the world of books. Work by young talents such as Peter Puklus and Sara Cwynar will be placed here, as well as work by well-established names. Erik Kessels and Paul Kooiker present a completely unique vision of the photo book in the form of an exceptional display, titled Terribly Awesome Photobooks. Joerg Colberg, known for the well-read photography blog Conscientious, shows a projection in which he discusses photo books and The One Minutes present a new themed selection of one-minute videos about books.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>New books on offer</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> The shop offerings at &amp;Foam will comprise the best recent photo books: from special limited editions to whimsical books for a modest budget, including books published by MACK and Dashwood Books. Also on offer is the unique series of seven monographs of new or previously unpublished work by artists such as Robert Maplethorpe, Nikolay Bakharev and Motoyuki Daifu. And it's not only in these books that work by well-known photographers can be found - Foam Magazine publishes work by both well-known and emerging photographers too.  Also the publication <em>Country of the Rising Sun</em> by Shinji Otani, winner of the first Unpublished Dummy Award 2012, will be launched. There's plenty of choice at &amp;Foam for every lover of photography, book fan or anyone interested in graphic design.<strong><br /></strong></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>&amp;Foam, de winkel annex projectruimte van Foam aan de Vijzelstraat, staat vanaf eind maart twee maanden lang volledig in het teken van het fotoboek. Zowel Nederlandse fotografie als het werk van Nederlandse grafisch ontwerpers staan internationaal zeer hoog aangeschreven. Geen wonder dat veel van de beste fotoboeken ter wereld uit Nederland afkomstig zijn. <em>Books &amp;Foam</em> zet veel van deze boeken in de 'spotlight' met bijzondere presentaties die licht werpen op het ontwerpproces, met installaties, signeersessies en een uitzonderlijk aanbod van de beste internationale fotoboeken van dit moment. Tot eind mei zijn er in &amp;Foam diverse bijzondere evenementen bij <em>Books &amp;Foam</em>: zoals de wereldprimeur van het boek <em>WAITS/CORBIJN `77-`11</em> op 5 mei (Anton Corbijn signeert), de lancering van het 'dummy issue' van Foam Magazine, en een speciale avond in het kader van Das Magazin Festival op 18 mei.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Totstandkoming van een fotoboek</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Van zes fotoboeken wordt het ontwerpproces inzichtelijk gemaakt. Aan de hand van eerste ideeën en schetsen, e-mail correspondentie tussen fotograaf en ontwerper, dummy's en testprints, wordt op associatieve wijze inzicht gegeven in het ontwerpproces. De zes publicaties zijn zeer divers en variëren van het eerste boek van Rinko Kawauchi &amp; Hans Gremmen, en de laatste publicatie van Johannes Schwartz &amp; Experimental Jetset, tot het nieuwe boek van Marnix Goossens, ontworpen door Remco van Bladel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Foam Magazine</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Daarnaast brengt Foam Magazine onder hetzelfde thema een 'dummy issue' van het tijdschrift uit. Dit nummer van Foam Magazine staat volledig in het teken van de zogenaamde dummy's. Fotografen en grafisch ontwerpers maken een fysiek ontwerp van nog te verschijnen fotoboeken, waarvan er maar liefst acht ook daadwerkelijk worden geproduceerd. De uiteindelijke acht individuele dummy's worden gepresenteerd in een speciaal ontworpen doos, een echt 'collector's item'. Dit dummy issue van Foam Magazine wordt tijdens de opening van <em>Books &amp;Foam</em> gelanceerd.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Curated bookshelves</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Foam heeft acht (inter)nationale deskundigen uit het fotografieveld gevraagd een 'curated bookshelf' te verzorgen, met de volgens hen vijf beste fotoboeken van 2012. Martin Parr en Alec Soth zijn twee van de acht deskundigen die hebben bijgedragen aan een interessante selectie voor op de 'curated bookshelf'. De mogelijkheid is er om bij &amp;Foam boeken uit deze selectie te kopen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Autonome werken</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> In de ruimte van <em>Books &amp;Foam</em> worden diverse fotografische projecten en/of werken gepresenteerd die te maken hebben met de wereld van boeken. Werk van jonge talenten als Peter Puklus en Sara Cwynar hebben hier een plek, maar er is ook werk van gerenommeerde namen. Zo presenteren Erik Kessels en Paul Kooiker onder de titel <em>Terribly Awesome Photobooks</em> een geheel eigen visie op het fotoboek in de vorm van een uitzonderlijke uitstalling. Joerg Colberg, bekend van de veelgelezen fotografieblog <em>Conscientious</em>, toont een projectie waarin hij fotoboeken bespreekt en <em>The One Minutes</em> presenteert, een nieuwe thematische selectie van één-minuten video's over boeken.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Nieuw boekenaanbod</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> Verder bestaat het winkelaanbod van &amp;Foam uit de beste fotoboeken van dit moment: van bijzondere limited editions tot leuke boeken voor de kleine beurs, waaronder boeken uitgegeven door MACK en Dashwood books. Zoals de unieke serie van zeven monografieën met nieuw of nog niet eerder gepubliceerd werk van onder andere Robert Maplethorpe, Nikolay Bakharev en Motoyuki Daifu. Niet alleen in deze fotoboeken is werk van alom bekende fotografen te vinden, ook Foam Magazine publiceert werk van bekende en opkomende fotografen. Ook wordt<em>Country of the Rising Sun</em> van Shinji Otani, winnaar van de eerste Unpublished Dummy Award 2012, gelanceerd. &amp;Foam heeft een ruime keus voor iedere fotografieliefhebber, boekenfan of belangstellende in grafisch ontwerp.</span></p> Thu, 06 Jun 2013 16:44:43 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - Allard Pierson Museum - December 7th, 2012 - May 5th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">There is no other city that inspires the imagination as Troy does. There is something magical, something mythical, something fascinating about Troy. From 7 December 2012 to 5 May 2013, the Allard Pierson Museum - the archaeology museum of the University of Amsterdam - is presenting the exhibition <i>Troy. City, Homer and Turkey</i>. The exhibition reveals Troy's many characteristics and offers the latest perspectives on the city. With more than 300 artefacts on loan from within the country and abroad; never before in the Netherlands have so many outstanding archaeological and cultural historical artefacts from and about Troy been on display in one exhibition. This exhibition is sure to be a spectacular conclusion to the celebrations marking 400 years of diplomatic relations between Turkey and the Netherlands.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b><i>Troy. City, Homer and Turkey</i></b> recounts the stories of Troy and reveals how the meaning of the city is in a constant state of flux. Wherever the legendary name of Troy is heard there is controversy and conflict. Many have laid their own claim to Troy through the centuries. The blind poet Homer commemorated the city in his world-renowned epic, the <i>Iliad</i>, but Troy is more than the 10-year war between the Greeks and the Trojans. Troy is also the city itself, where excavations have revealed 5,000 years of history and where so many people, countries and cultures have left their mark.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The exhibition <b><i>Troy. City, Homer and Turkey</i></b> presents a historical reflection of the city from various points of view - from the city itself, from the poet Homer and from different cultures and countries. The many myths that developed about Troy over time act like a thread running through the exhibition. The sensational excavations by Heinrich Schliemann and his successors are displayed with the aid of copies of the famous <i>Priam's Treasure</i>, along with original finds from the various digs. The large marble head of Zeus from the Archaeological Museum in Istanbul is a highlight. The reception of the history of Troy by various cultures and Turkish culture during the 19th and 20th centuries forms a major part of the exhibition. A selection of items from the Ottoman archives, including photographs of Atatürk at Troy and the excavation permit issued to Schliemann, reveal Homeric Troy's relevance to Turkey.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A book of the same name has been published as companion to the exhibition (€ 24.95). In addition, there is an extensive programme of activities, including lectures, courses, educational material for secondary education and Troy trips to Turkey. Further information is available at www.troyinamsterdam.nl</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>This exhibition has been made possible thanks to the Mondriaan Fonds, SNS Reaalfonds, Prins Bernhard Cultuurfonds, VSBfonds, STSV SEZER TANSUĞ SANAT VAKFI Foundation, 400 jaar Nederland Turkije (400 years Netherlands Turkey), the Turkish Tourism Office, Corendon Airlines, Hogiaf, Agiaf and the Association of Friends of the Allard Pierson Museum. </i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><img src="http://www.allardpiersonmuseum.nl/gfx/onepix.gif" style="width: 150; height: 0; border-bottom: 1px solid silver;" /></span><br /><span style="font-size: small;">For further information / pictures please make contact with Katja Vermeulen, Communications &amp; PR Allard Pierson Museum, 020-5252555 / 56, c.m.a.vermeulen@uva.nl, René van Beek, conservator Allard Pierson Museum, 020 52 52 540, r.vanbeek@uva.nl or Günay Uslu, guest conservator Turkish reception history, 06-21571974, g.uslu@uva.nl.</span></p> Thu, 22 Nov 2012 17:37:21 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Ryan Gander - Annet Gelink Gallery - April 13th, 2013 - May 18th, 2013 <p style="text-align: justify;"><strong>Annet Gelink Gallery</strong> proudly presents the fifth solo exhibition by <strong>Ryan Gander</strong> (Chester, 1976): <em><strong>Once upon a Bicycle,  not so long ago</strong></em>, showing an entirely new body of work. Gander’s practice is as deeply conceptual as it is playful,  recalling fictional stories and events, personal memories and art history - in particular the history of Modernism. In  his current show at Annet Gelink Gallery, Gander reminisces, exhibiting his great skill as a visual storyteller. </p> <p style="text-align: justify;">On entering the gallery, the first work one encounters is “My head on your Belly” (2013); a marble sculpture of the  items of luggage Gander always travels with. Together with the title, the work seems to constitute a longing for  home. A little further in the exhibition, one finds “Investigation # 99 – the halo effect” (2013), consisting of two  sculptures which Gander has made from a description of an unfinished project by his father. Central in the exhibition  space “I is … (iii)” (2013) is shown, a marble sculpture representing a den, which consists of a simple shelter made  by the artist’s three years old daughter using a sheet and a full-size Rietveld Cargo chair and smaller Rietveld Cargo  chair, designed for children. Although this work directly recalls Gander’s family life, it also hints to art history (De Stijl)  by the use of the Rietveld Chairs and by the technique of ‘draping’. By rendering drapery in marble, Gander alludes to  classical sculpture - creating a playful tension between tradition and modernity. Gander’s works are often extremely  layered, threading together fact and fiction, the personal and the historical.  </p> <p style="text-align: justify;">By contrast to the traditional medium of marble, in “Investigation # 92 - With heart dotted 'i's” (2013) the artist  employes striped toothpaste as his material, from which to fashion an alphabet. Likewise, the lamps he made for his  wife are constructed from unorthodox media. In Gander’s practice, everything can become a work of art; the artist  doesn’t limit himself in material nor in subject. </p> <p style="text-align: justify;">By mentioning his wife, three-year-old daughter or father in his work, Gander easily engages his audience. One should  keep in mind however, that his practice is as rigorous as it is poetic.  </p> <p style="text-align: justify;">Recent projects include <em>Esperluette</em>, Palais de Tokyo, Paris, FR; <em>dOCUMENTA (13)</em>, Kassel, DE; <em>Boing, Boing, Squirt,</em>  Museo Tamayo, Mexico City, MX; <em>Locked Room Scenario</em>, commissioned by Artangel, London, UK; and<em> ILLUMInations</em> at the 54th International Art Exhibition of the Venice Biennale.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Met trots presenteert <strong>Annet Gelink Gallery</strong> haar vijfde solotentoonstelling van<strong> Ryan Gander</strong> (Chester, UK, 1976):<em> Once upon a Bicycle, not so long ago</em>, waar geheel nieuw werk wordt getoond. Gander’s werk is  zowel conceptueel als speels van aard; het brengt fictieve gebeurtenissen en verhalen samen met  persoonlijke herinneringen van de kunstenaar en gebeurtenissen uit de kunstgeschiedenis – met name  de geschiedenis van het Modernisme. In Once upon a Bicycle, not so long ago haalt Gander herinneringen  op en toont hij zijn gave als verhalenteller. </p> <p style="text-align: justify;">Bij binnenkomst is het eerste werk dat men tegenkomt ‘My head on your Belly’ (2013), een marmeren  sculptuur van de bagage waar de kunstenaar altijd mee reist. In combinatie met de poëtische titel  suggereert het werk een verlangen naar thuis. Een stuk verderop vindt men “Investigation # 99 – the halo  effect” (2013), twee sculpturen die Gander naar een beschrijving van een onvoltooid project van zijn vader  maakte. Centraal in de ruimte staat “I is … (iii)” (2013), een marmeren sculptuur gebaseerd op een  zelfgemaakte hut van Gander driejarige dochtertje. De hut maakte ze met een laken en twee Rietveld  Cargo stoelen. Het werk refereert aan Gander’s gezinsleven, maar het doet door het gebruik van de  Rietveld stoelen en de techniek van het draperen ook denken aan stromingen uit de kunstgeschiedenis  zoals de Stijl en de klassieke beeldhouwkunst van de Grieken. De kunstenaar creëert een fascinerend spel  tussen traditie en moderniteit. Het werk is – zeer kenmerkend voor Gander – gelaagd: feit, fictie, het  persoonlijke en het historische versmelten.</p> <p style="text-align: justify;">In tegenstelling tot zijn gebruik van het traditionele marmer, werkt Gander in “Investigation # 92 – With  heart dotted i’s” (2013) met tandpasta om een alfabet te maken. Ook de lampen die Gander voor zijn  vrouw ontwierp, zijn gemaakt van onorthodoxe materialen. In Gander’s werk kan alles uiteindelijk een  kunstwerk worden, hij limiteert zichzelf noch in materiaal, noch in onderwerp. Omdat Gander zijn familie  vaak als onderwerp neemt, ben je als publiek snel betrokken. Gander’s werk is net zo scherp, als poëtisch.</p> <p style="text-align: justify;">Recente projecten van Gander zijn <em>Esperluette</em>, Palais de Tokyo, Paris, FR; <em>dOCUMENTA (13),</em> Kassel, DE;  <em>Boing, Boing, Squirt</em>, Museo Tamayo, Mexico City, MX; <em>Locked Room Scenario</em>, commissioned by Artangel,  London, UK; and <em>ILLUMInations</em> at the 54th International Art Exhibition of the Venice Biennale.<br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p></p> Mon, 13 May 2013 21:56:25 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Jacqueline Bebb - Annet Gelink Gallery - April 13th, 2013 - May 18th, 2013 <p style="text-align: justify;">In the Bakery, <strong>Annet Gelink Gallery</strong> proudly presents the first show by <strong>Jacqueline Bebb</strong> (Chester, 1977):<em><strong> She Showed  a bit of Skirt, but Settled for a Kit-Kat</strong></em>. At Annet Gelink Gallery, Bebb shows three works, each representing specific  moments in time and describes them as ‘semi-autobiographical and intentionally awkward’. They consider both  fondness and regret and come from an ongoing series of work exploring the theme of dissonance. </p> <p style="text-align: justify;"> In both “Almost, Sweet Talk, Caffeine (My Dissonance)” and “Skulk”, Bebb reflects on her youth and considers her  occasional less than perfect behaviour. In “How Much I Fancied Her 1995 – 2001”, she looks back at an ongoing  quarrel she had with her best mate, simply referred to as BM. The argument concerned the level of affection one of  them thought the other showed towards a girl. At the time, a pie chart was drawn to illustrate the argument, but on  reflection neither could remember the specifics of it, only their shared endeavour. The work is comprised of a  wooden pie chart made to the specifications of the original drawing. Each segment of the pie represents a year  between 1995-2001, with the varying angles denoting the level of affection held for the girl. One pie chart has been  gifted to various pubs that the artist and BM used to drink in together in Chester. A second pie chart is exhibited as  a sculpture in the current exhibition and the third was gifted to BM as a testimony to their friendship. It was given  with the dedication:<em> BM, I did wrong you once and I am sorry</em>. <br /><span style="text-align: left;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;">Bebb participated in the group show<em> Chester</em> at CO2 in Rome (2012) and she has had a solo show <em>Carrying Off</em> in  Aldeburgh (2013).</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">In de Bakery, presenteert <strong>Annet Gelink Gallery</strong> met trots de eerste tentoonstelling van <strong>Jacqueline Bebb</strong>  (Chester, UK, 1977): <strong><em>She showed a bit of Skirt, but Settled for a Kit-Kat</em></strong>. In deze tentoonstelling toont  Bebb drie werken, die elk specifieke momenten in tijd representeren. Ze beschrijft ze zelf als:  ‘semiautobiografisch en opzettelijk ongemakkelijk’. De werken getuigen zowel van spijt als genegenheid en  zijn te plaatsen binnen een serie werken waarin Bebb het thema van dissonantie onderzoekt.  In zowel “Almost, Sweet Talk, Caffeine (My Dissonance)” en “Skulk” reflecteert Bebb op haar jeugd en haar  niet altijd zo voorbeeldige gedrag. In ‘How Much I Fancied Her 1995-2001’, (2012) keert de kunstenaar  terug naar een ruzie die ze had met haar beste vriend (Best Mate, BM). De ruzie ging over de mate van  genegenheid dat een van hen dacht dat de andere toonde aan een meisje. Destijds werd er een  cirkeldiagram getekend om het argument inzichtelijk te maken, die Bebb voor dit werk uitvoerde in hout. </p> <p style="text-align: justify;">Elk segment van de cirkeldiagram representeert een jaar tussen 1995-2001, en de grootte van de  punten vertelt over de veronderstelde mate van affectie voor het meisje. Bebb maakte in totaal drie  houten diagrammen. Ze deed er een cadeau aan verschillende kroegen in Chester die ze samen met haar  ‘best mate’ bezocht. De tweede cirkeldiagram wordt in de huidige tentoonstelling tentoongesteld als een  sculptuur en de derde gaf Bebb aan haar beste vriend als een getuigenis van hun vriendschap. Ze gaf het  samen met de boodschap: <em>BM, I did wrong you once and I am sorry</em>. </p> <p style="text-align: justify;">Bebb participeerde in de groepstentoonstelling <em>Chester</em> bij CO2 in Rome (2012) en ze had recent een  solotentoonstelling in Albeburgh getiteld <em>Carrying Off</em> (2013).<br /><span style="font-size: small;"></span></p> Wed, 03 Apr 2013 07:36:38 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - ARCAM - Amsterdam Centre for Architecture - April 16th, 2013 - June 1st, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De snelste weg van A naar B is een rechte lijn. Dat geldt zeker voor het traject tussen de Haarlemmerpoort in Amsterdam en de Amsterdamse Poort in Haarlem. De veelheid aan sferen langs deze fascinerende, kaarsrechte route van nog geen twintig kilometer, wordt met foto’s, films, maquettes en kaartmateriaal geschetst in de ARCAM-expositie ‘Van Poort tot Poort’.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met deze presentatie en een reeks van activiteiten wordt dit voorjaar getracht samenhang te brengen in het denken over en ontwerpen aan de as Amsterdam-Haarlem.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Tot aan november zullen diverse activiteiten plaatsvinden waarbij wordt ingegaan op de diverse deelgebieden op de as Haarlem-Amsterdam. De tentoonstelling is tot 1 juni te zien bij ARCAM en zal in het najaar verhuizen naar architectuurcentrum ABC in Haarlem, met wie de manifestatie wordt georganiseerd.</span></p> Tue, 09 Apr 2013 14:29:23 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Laurence Aëgerter, Dieter Appelt, John Baldessari, John Coplans, John Hilliard, Katrin Korfmann, uwe laysiepen - Art Affairs - April 12th, 2013 - June 22nd, 2013 Mon, 20 May 2013 16:41:59 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Asger Jorn, Corneille, Karel Appel, Constant - Cobra Museum - January 23rd, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In November, 1948, the Dane Asger Jorn, Belgians Joseph Noiret and Christian Dotremont, and the Dutchmen Karel Appel, Corneille and Constant all signed a declaration they had themselves composed. With it, the establishment of Cobra became reality. The six artists spoke out against an intellectual approach in their new practice of art and on behalf of a simple principle of ‘Doing’. ‘Spontaneous creation’ from the material itself, as well as working together, were important objectives. The joy of total freedom and spontaneity had to offer a counterweight to the nightmare of war.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In an attempt to liberate themselves from classical, bourgeois or otherwise suffocating aesthetics, as well as moral traditions and pretensions, the Cobra artists found inspiration in children’s drawings, prehistoric artefacts, non-western artistic expressions, cartoons and other manifestations of folk culture. Today, many associate Cobra with spontaneously painted, highly colourful canvases. It was this spontaneity that was initially so maligned, so that it would be decades before Cobra became anchored in the history of European art.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In this presentation created by curator Hilde de Bruijne of the Cobra Museum collection, including works by Constant, Asger Jorn, Corneille and Karel Appel, the issue of ‘spontaneous creation’, which was so crucial for the Cobra artists, is central. The artists were aware that ‘creating as spontaneously as a child’ was in fact impossible. Their quest for spontaneity was a consciously chosen attitude, one that can even be seen as a strategy. They were driven to it by their deep desire to establish something new and different in place of the old established order.</span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>In the Beginning Was the Image</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> The relationship between text and image played a role for Cobra from the moment it was founded. There were of course poets among the members. Visual artists made drawings to accompany poems and the poets wrote texts for the visual work. Hugo Claus and especially Lucebert had double talents, devoted both to poetry and painting. Corneille also wrote both poems and prose.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The need for this collaboration and the interest in personal handwriting as a pictorial element in a composition were particularly strong in Belgium. It was Christian Dotremont who came up with the term, peinture-mots, and he sometimes created these ‘painting words’ together with Pierre Alechinsky and Asger Jorn.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The unconventional (collaborative) working method and combining text with image were perfectly suited to Cobra and evolved in part from the theories of Asger Jorn, who had been conscious of the visual and material qualities of letters and symbols even before he met Christian Dotremont. Back in 1944, Jorn wrote that writing and visual expression were essentially the same thing. He reversed the traditional idea that the story came fi rst, followed by the image. In Scandinavian mythology and prehistory, he saw how pictorial motifs had lasted for centuries, while the stories that accompanied them continued to change.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In november 1948 ondertekenden de Deen Asger Jorn, de Belgen Joseph Noiret en Christian Dotremont en de Nederlanders Karel Appel, Corneille en Constant een door henzelf opgestelde verklaring. De oprichting van Cobra was daarmee een feit. De zes spraken zich uit tégen een intellectuele benadering van hun nieuwe kunstpraktijk en vóór het principe van: dóen. Het ‘spontane scheppen’ vanuit het materiaal, maar ook het sámen doen waren belangrijke richtpunten. De vreugde van totale vrijheid en spontaniteit moest een tegenwicht bieden aan de nachtmerrie van de oorlog.</span><br /><span style="font-size: small;"> In een poging zich te verlossen van de klassieke, burgerlijke of anderszins verstikkende esthetische en morele tradities en pretenties liet Cobra zich inspireren door kindertekeningen, prehistorische artefacten, nietwesterse uitingen, striptekeningen en andere uitingen uit de volkscultuur. Vandaag de dag wordt Cobra door velen geassocieerd met spontaan geschilderde en kleurrijke doeken. Juist deze spontaniteit maakte dat Cobra aanvankelijk werd weggehoond en pas een halve eeuw later verankerd raakte in de Europese kunstgeschiedenis.</span><br /><span style="font-size: small;"> In deze collectiepresentatie met werken van Constant, Asger Jorn, Corneille en Karel Appel staat de vraag naar het voor Cobra cruciale ‘spontane scheppen’ centraal. De kunstenaars waren er zich van bewust dat het ‘zo spontaan creëren als een kind’ in feite onmogelijk was. Hun drang tot spontaniteit was een bewust gekozen houding, die zelfs als strategie gezien kan worden. Ze werden ertoe gedreven vanuit het diepe verlangen iets nieuws in de plaats te stellen van de gevestigde orde.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De relatie tussen tekst en beeld speelde vanaf de oprichting van Cobra een belangrijke rol. Er waren immers ook dichters lid van de groep. Beeldend kunstenaars maakten tekeningen bij gedichten en omgekeerd schreven dichters bij beeldend werk. Hugo Claus en vooral Lucebert hadden een dubbeltalent, zij wijdden zich aan zowel het dichten als aan het schilderen. Ook Corneille schreef gedichten en teksten. De behoefte aan deze samenwerkingen en de belangstelling voor het persoonlijk handschrift als picturaal element in een compositie was vooral sterk in België. Christian Dotremont bedacht de term; hij realiseerde zogenaamde <em>peinture-mots</em> (schilderij-woorden) met onder meer Pierre Alechinsky en Asger Jorn. De onconventionele manier van het bijeen brengen van tekst en beeld en het (samen)werken paste bij Cobra en kwam mede voort uit opvattingen van Asger Jorn, die zich al bewust was van de visuele en materiële kwaliteit van letters en tekens nog voordat hij Christian Dotremont ontmoette. Zo schreef hij in 1944 dat schrijven en beeldende uitingen in wezen hetzelfde zijn. Hij keerde het traditionele idee dat het verhaal voorafgaat aan het beeld om. In de geschiedenis van de Scandinavische mythologie en prehistorie zag hij namelijk hoe bepaalde picturale motieven eeuwenlang bewaard waren gebleven, maar dat de verhalen die erbij hoorden telkens veranderden.</span></p> Fri, 08 Feb 2013 15:09:12 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Michael Tedja - Cobra Museum - February 2nd, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">SNAKE is the biggest solo exhibition to date by the Dutch/Surinamese artist <strong>Michael Tedja</strong> (1971). In SNAKE, Tedja transports us to a unique universe of pioneering painting. His expressive style reveals itself in many forms of imagery, associations, provocative texts and layers, often derived from popular culture. The approximately 350 selected works, some of them intimately small and others monumentally large, include paintings that incorporate the most wide-ranging objects.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Cobra Museum voor Moderne Kunst presenteert SNAKE van <strong>Michael Tedja</strong> (1971 Rotterdam). Michael Tedja toont een selectie uit zijn oeuvre dat in een periode van 10 jaar is ontstaan en meer dan 1500 tekeningen en schilderijen op papier en linnen bevat. Tedja’s energie is grenzeloos en zijn visie geslepen. Hij werkt geconcentreerd met materialen, kleuren en woorden. De circa 350 voor SNAKE geselecteerde werken zijn soms intiem klein, soms van monumentale afmetingen en in de schilderijen zijn vrijwel altijd de meest uiteenlopende objecten verwerkt, waaronder zelfs een keer een fiets.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tedja’s geheel eigen universum is de afgelopen 10 jaar tot wasdom gekomen in een loods buiten Amsterdam. Het fictieve karakter SNAKE speelt hierin een centrale rol. SNAKE vertelt een gelaagd verhaal waarin alledaagse zaken hand in hand gaan met geopolitieke en historisch beladen onderwerpen. Tedja zelf heeft geregeld uitwisselingen over dergelijke onderwerpen op internetfora, waar hij zich bijvoorbeeld bezig houdt met het duiden van verbanden tussen op het eerste oog onsamenhangende cijferreeksen - iets dat ook in zijn beeldende werk weer zijn beslag krijgt. Tedja is daarnaast ook schrijver. Een aantal jaren geleden schreef hij een experimentele roman van waaruit zich zijn fantasierijke beeldenwereld en universum ontvouwt. Kortom: niets is te klein voor Tedja om er aandacht aan te besteden en niets is te groot om er een mening over te hebben.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Cobra Museum voor Moderne Kunst benadert het erfgoed van de Cobrabeweging als een dynamisch geheel om voortdurend opnieuw kritisch te beschouwen en uiteen te zetten. In het Cobra Contemporary programma wordt hedendaagse kunst getoond waarin de kernwaarden en de geest van Cobra bewust of onbewust zijn te herkennen. Juist hier valt het universum van de SNAKE op zijn plek.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">SNAKE brengt het publiek in aanraking met Tedja's energie en uitgekristalliseerde denkbeelden. Tedja's gebruik van beeld en taal binnen hetzelfde beeldvlak, de betrokkenheid bij de wereld die in zijn werk tot uiting komt, en de wijze waarop zijn expressionistisch aandoende beeldtaal gevat is in een strikt en conceptueel denkkader, zijn allemaal elementen die binnen de context van het Cobra Museum uitstekend tot hun recht komen. In één van zijn nieuwe series werken kritiseert Tedja bovendien de manier van 'display' en toe-eigening van etnografische objecten in de Westerse culturele wereld. Dit toont, zeker gezien het "veelzijdig primitivisme" van de Cobra beweging, een zekere verwantschap, en vormt eveneens een scherpzinnig commentaar op hedendaagse discussies.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gedurende de tentoonstelling zijn er diverse publieke evenementen. Zo zal er onregelmatig een verversing van de tekeningenwand plaatsvinden door conservator Hilde de Bruijn en speciale gasten. Michael Tedja zal een middag organiseren voor poëzie. Voor data, namen van gasten en speciale entreetijden en prijzen hou onze facebook pagina in de gaten.</span></p> Mon, 15 Apr 2013 14:19:52 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Armando - Cobra Museum - March 10th, 2013 - June 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met de tentoonstelling ‘Armando vs Armando’ laat het Cobra Museum voor Moderne Kunst recent werk van Armando (1929) zien. In zijn atelier, gevestigd in een oude kazerne in Postdam, net buiten Berlijn, werkt de inmiddels 83-jarige kunstenaar nog iedere dag aan zijn indringende doeken. Met de bezetenheid en de bevlogenheid van een schilder die leeft voor zijn kunst. De tentoonstelling Armando v/s Armando is een vervolg op de presentatie die in 2006 in het museum plaatsvond. Toen werd de gehele artistieke ontwikkeling van Armando vanaf 1952 tot en met 2005 belicht. Sinds die tijd heeft de inmiddels 83-jarige kunstenaar niet stil gezeten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De titel van de tentoonstelling verwijst naar de manier waarop Armando zich door middel van zijn recente werk tot zijn eigen oeuvre en leven verhoudt, een oeuvre en leven dat uitzonderlijk rijk en omvangrijk is. De schilderijen, maar ook de gedichten en andere activiteiten die sinds 1949 aan Armando’s geest en handen zijn ontsproten, vormen een referentiekader voor zijn huidige werk.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het werk van een schilder op leeftijd in zijn algemeenheid roept interessante vragen op. Wat kenmerkt het latere werk? Spreekt er meer levenservaring uit en gooit een schilder naarmate de tijd vordert zijn innerlijke remmingen overboord? Dat was o.a. bij Karel Appel het geval.</span><br /><span style="font-size: small;"> Uit het recente werk van Armando spreekt een bevrijding. De doeken zijn groots en raak met spannende abstracte studies die lijken te verwijzen naar een mysterieuze en hogere zaken die het leven van alledag overstijgen. Een zelfde alsmaar abstracter wordende beweging zagen we ook bij de schilder William Turner op latere leeftijd. De kleur is weer doorgebroken na een zwart/wit/grijze periode. Armando schilderde verschillende kleurstudies, een indirecte doorwerking van de Zero periode (jaren 60) waarin Armando vier maal een studie van de kleur blauw maakte.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cherry Duyns heeft speciaal voor Armando v/s Armando minutieus genoteerd hoe een schilderij van Armando tot stand komt. Van het type kwast , de noodzakelijke koffie tot aan de gasten die in en uit het atelier lopen terwijl de schilder stug door schildert. Genoteerd minuut per minuut. Armando is geen mythe. Integendeel, hij is aards en werkt hard en hij werkt door. Hij laat zich leiden door zijn onverwoestbare geest wiens lichaam het soms maar moeilijk bij kan houden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op 17 maart vind er een speciale talkshow op zaal plaats met Armando en Cherry Duyns. Alleen via de Avro Kunst&amp;Cultuur magazine kunt u hiervoor reserveren. De talkshow zal ook live worden gestreamed. Hou onze facebookpagina in de gaten voor updates hieromtrent.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bij de tentoonstelling verschijnt een catalogus ontworpen door Mart Warmerdam en is een vervolg op de Armando catalogus die het museum in 2006 presenteerde.</span></p> Sat, 16 Mar 2013 09:41:28 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Group Show - de Appel Arts Centre - April 20th, 2013 - June 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><em>18 April, 1936</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Business rests for the day. The Tobacco Baron sits in his parlour.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>[A knock at the door]</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>The Art Collector has come to call. They swiftly move to the dining room. Not much is said. Both know, economic matters of grave impor- tance will have to be discussed. But this can wait until after food has been served.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>[Another knock]</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>The Visitor arrives late. Very late. By the time she is led in to the dining room, the Collector and the Baron have long moved on to the smoking room. She finds their plates on the table. Each has left a piece of steak behind. Why, she thinks. These are hard times. Were they not hungry? I am.</em></p> <p style="text-align: justify;">-------------------------</p> <p style="text-align: justify;">Bourgeois Leftovers, the exhibition of the 2012-2013 de Appel Curatorial Programme, hosts a group of unlikely conversation partners at de Appel arts centre. From 20 April – 16 June (Opening Friday, 19 April, 18:00-21:00), the exhibition presents 32 Dutch genre paintings leftover from the current Van Abbemuseum collection display, together with commissions and contributions from contemporary artists.</p> <p style="text-align: justify;">Contemporary contributions by Ayreen Anastas &amp; Rene Gabri, Ruth Buchanan, Jota Castro, Dina Danish, Lydia Davis, Judith Deschamps, Marlene Dumas, Chris Evans, Will Holder, Jugedamos, Alison Knowles, Matthieu Laurette, Gabriel Lester, Daragh Reeves, Barbara Visser, and Timmy van Zoelen.</p> <p style="text-align: justify;">Paintings by Johanna Bauer-Strumpf, Arnout Colnot, Lucie van Dam van Isselt, Jacob Dooyewaard, Willem Dooyewaard, Edgar Fernhout, Johannes Franken, Jan Goedhart, Herman Heijenbrock, Eduard Karsen, Conrad Kickert, Willem Knip, Ernst Leyden, Sal Meijer, Dirk Nijland, Bart Peizel, Wim van de Plas, Coba Ritsema, Dio Rovers, Gé Röling, Wout Schram, Albert Servaes, William Henry Singer, Jan Sluijters, Walter Vaes, Cornelis Vreedenburgh, Betsy Westendorp-Osieck, and Matthieu Wiegman.</p> <p style="text-align: justify;">Curated by Karima Boudou, Kari Cwynar, Angela Jerardi, Srajana Kaikini, Florencia Portocarrero, and Alexandra Stock.</p> <p style="text-align: justify;">A reader related to the exhibition will be produced with Mousse Publishing and launched in June 2013. A series of public programmes exploring language and value will run throughout the exhibition, including collaborations with the Stedelijk Museum and the EYE Film Institute.</p> <p style="text-align: justify;">Each year de Appel art centre takes 6 young curators under her wings for an intensive professional development programme. During a period of approximately eight months they are offered a dense array of seminars, workshops, excursions (including a three-week research trip to a destination outside Western Europe), practice-related assignments and encounters with artists and art professionals.</p> <p style="text-align: justify;">Members of the tutorial team are Ann Goldstein (director Stedelijk Museum), Charles Esche (director Van Abbemuseum), Jan Verwoert (art critic), Barbara Visser (artist) and Liesbeth Bik (artist), amongst others. The programme culminates in a final project to be curated by the participants. In past years final projects have taken shape as festivals, radio broadcast, performance programmes and exhibitions.</p> <p style="text-align: justify;">The participants of the current year's programme are: Karima Boudou (1987, France/ Morocco), Kari Cwynar (1985, Canada), Angela Jerardi (1979, United States), Srajana Kaikini (1986, India), Florencia Portocarrero (1981, Peru) and Alexandra Stock (1982, United States).</p> <p style="text-align: justify;">For more information and dates please visit:<a href="http://www.bourgeoisleftovers.com/" rel="nofollow" target="_blank">www.bourgeoisleftovers.com </a><br /><br />You can follow them in their process on their blog:<a href="http://soihaveheard.tumblr.com/" rel="nofollow" target="_blank">http://soihaveheard.tumblr.com/</a></p> <p style="text-align: justify;">With special thanks to the Van Abbemuseum.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In de tentoonstelling Bourgeois Leftovers, samengesteld door de participanten van het Curatorial Programme 2012 - 2013 van de Appel, worden een aantal ongebruikelijke gesprekspartners in de Appel arts centre verwelkomd. Van 20 april tot 16 juni worden 32 twintigste-eeuwse Nederlandse schilderijen uit de verzameling van het Van Abbemuseum – de zogenaamde ‘leftovers’ die geen onderdeel uitmaken van de vaste collectiepresentatie – gecombineerd met bijdragen van hedendaagse kunstenaars.<br /><br /><b>Opening vrijdag 19 april, 18:00 - 21:00 uur</b></p> Mon, 29 Apr 2013 20:52:20 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Keith Edmier - De Hallen Haarlem - March 9th, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">From 9 March until 26 May 2013 De Hallen Haarlem presents a solo exhibition by<strong> Keith Edmier</strong>. This will be the American sculptor’s first museum exhibition in the Netherlands, providing an overview of his sculptures, photographs and drawings from the mid 1980’s onwards. It will be the first time that these works, primarily from Dutch collections, will be shown together next to specially commissioned sculptures, inspired by the 17th-century Dutch tulip mania and the Vleeshal’s renaissance architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span>After a short-lived career as a Hollywood special effects designer Keith Edmier (Chicago, 1967) moved to New York in 1990 to develop himself as an artist. He collaborated with artists like Matthew Barney and Jeff Koons. A distinctive feature in his oeuvre is the combination of personal events with significant events from American history. In his sculptures the artist refers to penetrating contingencies, like the murders on JFK and John Lennon. He plays with the aura of popular icons, like Evel Knievel, Farrah Fawcett and Janis Joplin. Furthermore he creates botanical works: for instance orchids and sunflowers that refer to life, death and sexuality. Edmier’s exhibition in De Hallen Haarlem consists of his own sculptures, photographs and drawings from the mid 1980’s onwards combined with several 17th-century works.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Collective memory</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Works concerning Edmier’s own history are shown on the monumental ground floor of the Vleeshal. These sculptures merge personal memories and obsessions with images from American history. A typical example is a sculpture of Edmier’s pregnant mother, dressed in a suit, made of the same fabric as Jackie Kennedy’s outfit on the day of her husband’s assassination. Here the image of Edmier’s mother goes hand in hand with the image of Jackie as ‘mother’ of the United States.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Blossoming and sexuality</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">A selection of Edmier’s botanical works can be seen in the Verweyhal; sculptures, photographs and drawings of fig leaves, orchids and giant water lilies. Nature, transitoriness, sexuality, life and death take centre stage here. Edmier’s <em>Victoria Regia</em> for example is a pink rubber and synthetic version of the eponymous Amazonian water lily, which flowers for only two nights. The sensual forms of the other sculptures in the Verweyhal are references to human procreation.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>New work: tulip mania</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">The obelisks that are found in the ornamentation of the renaissance Vleeshal also appear in the form of the 17th-century tulip vase. This fact and the 17th-century tulip mania inspired Edmier to create new works. The tulip mania was a period in the Dutch Golden Age during which contract prices for tulip bulbs reached extraordinarily high levels from 1634 onwards and then suddenly collapsed in 1637. The town of Haarlem was at the epicentre of this boom.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">New tulip vases that the artist made can be seen on the Verweyhal. These are exhibited next to 17th-century tulip vases and flower still lifes. In light of the current economic crisis the tulip mania can be considered a topical subject.<br /> <br /> Keith Edmier’s works have been shown at Tate Modern in London, the San Francisco Museum of Modern Art and the Los Angeles County Museum of Art. In the Netherlands his work forms part of the collection of the Bonnefantenmuseum in Maastricht and of several private and corporate collections.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> <br /> <strong>Matthew Barney</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">As a pendant to the vanitas motive in Edmier’s work Matthew Barney’s film <em>Cremaster 5</em> from his <em>Cremaster</em>-cycle will be shown as well. It has the form of an opera and is a romantic tragedy about love and death. Transience of beauty and visual abundance are the film’s trademarks.<br /> <br /> <div><strong>De Hallen Extra</strong></div> <div>Thursday 28 March: lecture on tulip vases by designer Jurgen Bey, 20:00 in De Hallen Haarlem.</div> <div>Thursday 16 May: Dominic van den Boogerd, director of artists’ institute De Ateliers, talks about Keith Edmier’s work in the exhibition. 20:00 in De Hallen Haarlem.<br /> Reservations required: reservations [at] dehallen.nl</div> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">De Hallen Haarlem presenteert van 9 maart tot en met 26 mei 2013 een solotentoonstelling van <strong>Keith Edmier</strong>. Het is de eerste museale tentoonstelling van deze Amerikaanse beeldhouwer in Nederland. De expositie biedt een overzicht van zijn sculpturen, foto’s en tekeningen vanaf midden jaren tachtig. Voor het eerst worden deze werken, uit overwegend Nederlandse collecties, samen getoond. Hierbij zijn ook speciaal voor de tentoonstelling gemaakte sculpturen te zien. Inspiratiebronnen hiervoor zijn de 17e-eeuwse tulpenmanie en de renaissancistische architectuur van de Vleeshal.<br /> <br /></span></p> <div style="text-align: justify;">Keith Edmier (Chicago, 1967) vertrok na een korte carrière in Hollywood als <em>special effects</em>-ontwerper in 1990 naar New York om zich daar als kunstenaar te ontwikkelen. Hij werkte met kunstenaars als Matthew Barney en Jeff Koons. Kenmerkend voor zijn oeuvre is het combineren van gebeurtenissen uit zijn persoonlijke leven met die uit de Amerikaanse geschiedenis. De kunstenaar haalt in zijn sculpturen indringende voorvallen aan, zoals de moorden op JFK en John Lennon. Edmier speelt ook met de uitstraling van populaire iconen, zoals Evel Knievel, Farrah Fawcett en Janis Joplin. Daarnaast maakt hij botanische werken, waaronder orchideeën en zonnebloemen, die verwijzen naar leven, dood en seksualiteit. De tentoonstelling die Keith Edmier samenstelt voor De Hallen Haarlem bestaat uit zijn eigen sculpturen, foto’s en tekeningen vanaf midden jaren tachtig gecombineerd met enkele 17e-eeuwse schilderijen en vazen.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Collectieve geheugen</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">In de monumentale benedenruimte van de Vleeshal worden werken rond Edmiers persoonlijke geschiedenis bijeengebracht. In deze sculpturen laat hij zijn persoonlijke herinneringen en obsessies samensmelten met beelden uit de Amerikaanse geschiedenis. Voorbeeld hiervan is een sculptuur van Edmiers zwangere moeder, gekleed in een mantelpakje van eenzelfde stof als de outfit die Jacqueline Kennedy droeg tijdens de moordaanslag op haar man. Edmier laat het beeld van zijn moeder hier samengaan met het beeld van Jackie als ‘moeder’ van de VS.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Bloei en seksualiteit</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">In de Verweyhal is een selectie van zijn botanische werken te zien. Dit zijn sculpturen, foto’s en tekeningen van onder andere vijgenbladeren, orchideeën en reusachtige waterlelies. Natuur, vergankelijkheid, seksualiteit, leven en dood staan hier centraal. Edmiers <em>Victoria Regia</em> is een in roze rubber en kunststoffen uitgevoerde versie van de gelijknamige waterlelie uit het Amazonegebied. Slechts twee nachten bloeit deze lelie om bevrucht te worden. Andere sculpturen in de Verweyhal verwijzen door hun sensuele vorm naar de menselijke voortplanting.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>Nieuw werk: tulpengekte</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">De obelisken die voorkomen in de ornamentatie van de renaissancistische Vleeshal zie je ook in de vorm van de 17e-eeuwse tulpenvaas. Dit gegeven en de 17e-eeuwse tulpenmanie inspireerden Edmier tot nieuw werk. De tulpenmanie was een hausse in de tulpenhandel, met Haarlem als epicentrum, die rond 1634 opkwam en met de crisis begin 1637 abrupt eindigde. In de Verweyhal zijn Edmiers nieuwe tulpenvazen te zien: een replica van een vijftuitige waaiervaas en een zeventuitige piramidevaas. Deze worden getoond naast 17e-eeuwse tulpenvazen en bloemstillevens. De tulpenmanie is uiterst actueel tegen het licht van de huidige economische crisis.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"> </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Het werk van Keith Edmier was eerder te zien in onder meer Tate Modern in Londen, San Francisco Museum of Modern Art en Los Angeles County Museum of Art. In Nederland is zijn werk onderdeel van de collectie van het Bonnefantenmuseum en van verschillende privé- en bedrijfscollecties.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><br /> <strong>Matthew Barney</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Ook wordt de film <em>Cremaster 5</em> uit Matthew Barney’s <em>Cremaster</em>-cyclus getoond. De film heeft de vorm van een opera en is een romantische tragedie over liefde en dood. Vergankelijkheid van schoonheid en visuele rijkdom kenmerken deze film. Het vanitas-motief speelt hier net als bij Keith Edmier een belangrijke rol.    </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;"><strong>De Hallen Extra</strong></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">- Donderdag 28 maart, lezing van ontwerper Jurgen Bey over tulpenvazen, aanvang 20:00 uur; </div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">- Donderdag 16 mei, Dominic van den Boogerd, directeur van kunstenaarsinstituut De Ateliers, spreekt over de werken van Keith Edmier op de tentoonstelling, aanvang 20:00 uur;</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <div style="text-align: justify;">Voor beide evenementen geldt: toegang gratis, reserveren verplicht: reserveringen [at] dehallen.nl.</div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> Mon, 11 Mar 2013 10:27:25 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list AES+F, Victor Alimpiev - De Hallen Haarlem - March 9th, 2013 - May 26th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Within the scope of The Netherlands-Russia Year 2013 De Hallen Haarlem is presenting a group exhibition of Russian video art, titled <em>The voice and the chorus</em>. All the works are on loan from the collection of the National Centre for Contemporary Arts (NCCA) in Moscow. This institute for contemporary art is one of the most important centres for the research and presentation of contemporary art in Russia.</span><br /> </p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The Netherlands - Russia Year</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On the occasion of The Netherlands - Russia Year 2013 many cultural events have been organised in the Netherlands since February, both in the visual arts and in the performing arts. In May this will be followed by a cultural programme in Russia. This summer an exhibition with works from the video collection of De Hallen Haarlem will be on show at the NCCA in Moscow.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The voice and the chorus</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The works in<em> The voice and the chorus</em> in De Hallen Haarlem have been made in the past ten years and offer a concise overview of contemporary Russian video art. Works on show are by artists who also made a name for themselves outside of Russia, like AES+F and Victor Alimpiev, as well as by young and promising collectives like Vverkh! (Upward!) and PROVMYZA. The Russian identity takes centre stage in most of the exhibited works. Sometimes guided by a sociological viewpoint in which the individual’s position within society or the collective is highlighted.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Russian identity</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the tradition of Russian cinema some of the artists use the Russian landscape as a symbol for Russian identity; the mythic landscape in the work of Blue Soup Group, or the urban landscape in Marina Chernikova’s work.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Individual versus collective</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Russian identity and mutual relationships are highlighted in <em>The King of the Forest</em> (2001) by collective AES+F. At a very young age Russian children are recruited for the highly praised disciplines of ballet and sport, but also for modelling jobs. The video shows children dressed in white underwear, in a reference to the famous Calvin Klein advertisements. Because of premature adult responsibilities the Russian children seem to have lost their innocence.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Another work that deals with the relationship between individual and collective is <em>Lullaby</em> (2011) by artist duo PROVMYZA. The film examines modern society’s lack of compassion or attention for the individual: we see a lost generation in its search for meaning. The images refer to the 1970s, when a worldwide generation was looking for peace, love and meaning. </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Ministry of Culture of the Russian Federation and the Royal Netherlands Embassy in Moscow kindly supports this exhibition.</span></div> <p></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De Hallen Haarlem presenteert in het kader van het Nederland-Ruslandjaar 2013 een groepstentoonstelling met Russische videokunst, getiteld <em>The voice and the chorus</em>. De werken zijn afkomstig uit de videocollectie van het National Centre for Contemporary Arts in Moskou. Dit instituut voor hedendaagse kunst is één van de belangrijkste instituten voor onderzoek naar en presentatie van hedendaagse kunst in Rusland. <em>The voice and the chorus</em> is te zien van 9 maart tot en met 26 mei 2013. </span><br /> </p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Nederland-Ruslandjaar</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ter gelegenheid van het Nederland-Ruslandjaar 2013 zijn in Nederland vanaf februari tentoonstellingen, concerten, theater- en andere activiteiten georganiseerd. Hierop volgt er in Rusland in mei een cultureel programma. In de zomer is een tentoonstelling met werken uit de videocollectie van De Hallen Haarlem in het NCCA in Moskou te zien.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>The voice and the chorus </strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De werken in <em>The voice and the chorus </em>in De Hallen Haarlem zijn geproduceerd in de afgelopen tien jaar, en bieden een beknopt overzicht van de hedendaagse Russische videokunst. Er zijn werken van jonge, veelbelovende collectieven als Vverkh! (Omhoog!) en PROVMYZA te zien. Maar kunstenaars die ook al enige tijd buiten Rusland naam hebben gemaakt (o.a. AES+F en Victor Alimpiev) zijn ook vertegenwoordigd. De Russische identiteit staat in de meeste werken centraal. Soms gebeurt dat aan de hand van een sociologische blik, waarbij de positie van het individu of het collectief in de samenleving wordt onderzocht.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Russische identiteit</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de traditie van de Russische cinema zet een aantal kunstenaars het Russische landschap in als symbool voor de Russische identiteit; het mythische landschap, zoals in het werk van Blue Soup Group, of het stedelijke landschap, zoals bij Marina Chernikova.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Individu versus collectief</strong></span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De Russische identiteit en onderlinge verhoudingen worden belicht in <em>The King of the Forest</em> (2001) van het collectief AES+F. Al op zeer jonge leeftijd worden kinderen gerekruteerd voor de in Rusland hoog gewaardeerde disciplines van ballet en sport, maar ook voor modellenwerk. In de video zie je de kinderen gekleed in wit ondergoed, een verwijzing naar de beroemde Calvin Klein-reclames. De Russische kinderen lijken hun onschuld te hebben verloren door een te vroege (volwassen) verantwoordelijkheid.   </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een ander werk dat ingaat op de verhouding tussen het individu en het collectief is <em>Lullaby</em> (2011) van kunstenaarsduo PROVMYZA. De film gaat in op het gebrek aan compassie of aandacht voor het individu in de moderne maatschappij. Een verloren generatie onderneemt een zoektocht naar zingeving. De beelden verwijzen naar de jaren zeventig, toen wereldwijd een generatie naar vrede, liefde en zingeving zocht.  </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met dank aan het Ministerie voor Cultuur van de Russische Federatie, en de Nederlandse Ambassade in Moskou.</span></div> <p></p> Mon, 29 Apr 2013 20:52:12 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Evi Vingerling - Ellen de Bruijne Projects - April 13th, 2013 - May 18th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Ellen de Bruijne Projects</strong> is proud to present the third solo exhibition in the gallery with the latest paintings by <strong>Evi Vingerling</strong>. Her paintings might seem abstract, but they actually refer to the world around us. Vingerling beholds the world in a rather unusual way. To her the world manifests itself continuously as a beautiful chaotic mix in motion. She is fascinated by things that others may take for granted or think of as trivial. By unravelling what she sees, stripping the context and painting it as it is, she discloses the hidden beauty of the ‘ordinary’.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The phenomena she chooses to paint can be anything that catches her attention, from a plant she sees somewhere in the background to floating mountain ridges looked upon from above. Evi Vingerling is interested in the underlying structures and patterns of these things that meet the eye. In a long working process, she makes sketches and photographs and studies the chosen object well. This way she is able to reveal the entity in its minimal state. In her own words, she rids the object of its symbolic and historical meaning. The result looks almost effortless, and above all very pure. Vingerling works with gouache or oil on canvas, with minimal brushstrokes or gestures.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Evi Vingerling</strong> was born in 1979 in Gouda and currently lives and works in Eindhoven and Amsterdam. She attended the Royal Academy of Art in The Hague where she earned her BFA in 2002. Three years later she was a resident at the Rijksakademie Amsterdam. In 2006 she received the Buning Brongersprize for painting and she was nominated for the Wolvecampprize in 2008 and the Thieme Award in 2010.In 2012 she received the Royal Prize for Painting. Her work has been exhibited in group shows as well as solo shows, amongst others in What’s Up! – De Jongste Schilderkunst in Nederland in the Dordrechts Museum (2012); I Promise to Love You in the Kunsthal Rotterdam (2011); Riposte in the Stedelijk Museum Den Bosch (2011); Pep, tada-projects, Post-Museum Singapore (2011).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Next to her solo at Ellen de Bruijne Projects, Evi Vingerling will have a solo at the <strong>Stedelijk Museum Schiedam</strong>. The exhibition Unisono 26: Evi Vingerling will be open from April the 27th until September the 1st 2013. For more information, visit www.stedelijkmuseumschiedam.nl.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;"> From the 5th to the 26th of September, Evi Vingerling will have the solo New Paintings in the Project Room at Wiels, Brussels.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Evi Vingerling’s <strong>new catalogue</strong> will be released during the opening at Ellen de Bruijne Projects.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Text contributions by Steven ten Thije: Seeing Cohesion, and Marijn van Kreij: Seeing something, trying to understand it and making an image of it. A conversation with Evi Vingerling.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Photography by Kristien Daems and Wytske van Keulen. Design by Adriaan Mellegers. Printed by Lecturis. The catalogue of 84 pages is bilingual: English/Dutch.</span><br /><span style="font-size: small;"> Available at Ellen de Bruijne Projects for the price of €20,- (excl. 6% BTW).</span></p> Mon, 22 Apr 2013 15:15:41 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list olve sande - Ellen de Bruijne Projects - April 13th, 2013 - May 18th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong style="text-align: left;">Dolores</strong><span style="text-align: left;"> is proud to present a selection of new works by the Norwegian artist </span><strong style="text-align: left;">Olve Sande</strong><span style="text-align: left;"> (Bergen, 1984). Before receiving his degree in Fine Arts at the National Academy of Art in Oslo in 2011, Sande studied architecture at the Oslo School of Architecture and Literature at the University of Oslo. This background is clearly present in Sande's works and his handling of materials.</span></span></p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Investigating the transformation of sculptural materials and processes into two-dimensional pieces could be considered as a leitmotiv in his recent work. Applying removal, deconstruction and assembly of the various ordinary building materials Sande examines their sculptural and formal possibilities, while the physicality of the work remains his focus. Even though this physicality retains a strong presence, it resists the beholder’s interpretation and confronts him with the absence of a singular reading.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Olve Sande</strong> (1984) lives and works in Oslo. He studied at the School of Architecture and the National Academy of Art, both in Oslo.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Recent exhibitions include: Herrmann Germann Contemporary, Zürich; Galerie Antoine Levi, Paris; Carmichael Gallery New York; Kreuzberg Pavillon, Berlin; Kunst(spiel)raum›, Berlin; Irmavepclub: Livret IV, at Musée départemental d’art contemporain de Rochechouart, Rochechouart; PSM-Gallery, Berlin.</span></p> Wed, 10 Apr 2013 15:54:23 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Stanislaw Lewkowicz - Flatland Gallery - April 11th, 2013 - May 4th, 2013 <p><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Cities have always been an enduring preoccupation for Stanislaw Lewkowicz (1956, Hoensbroek, The Netherlands). In his recent and on-going series, titled <em>Fragmentarische herinneringen</em> (fragmented recollections) Lewkowicz offers predominantly different perspectives of street views and views of rooms. These unrealistic city-pics give the urban experience, full of cacophony of noises, a new face and the feeling of memory a sense of significance. Marked by a seemingly rhythm of natural facades, however, all are underpinned by the same personal approach to the medium of lithography and photography. </span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Stanislaw Lewkowicz’s photographs/lithographs are indistinct hybrid art works in a way that they have an intimate feel. At the same time they distance themselves from the viewer, and perhaps even the artist. A cool result that comes from Lewkowicz’s technique of working the photographic origins with his lithographic technique with the image, making it a merger between photography and lithography, or even the blurring of figuration and abstraction, that captures the literally and conceptually meaning of his work at the same time.</span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">What defines his art works is the revelation of the different undercurrents beneath the surface; the ineligible; the invisible beauty that one cannot put into words. To decipher his works, one usually tries to decipher the photograph; this is most of the time an arbitrary picture that Lewkowicz took on one of his travels. But being the groundwork for the final work of art, his photographs are aimed towards a conceptual theme he is after. </span></p> <p><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">The technique of lithography gives Lewkowicz a chance to work with his hands on the original photograph. In this way, his technique is a mechanism for Lewkowicz to plunge himself deeper in his subject matter, an engagement that starts personal but transforms itself to refer beyond himself to more general conditions of society. The photograph is thus the perfect image of personal detachment and the beginning of Lewkowicz’s focus on working towards the lithographic end-result that shows the people’s collective interest in most of the time cultural achievements or memories of the past.</span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">This is evident in his BAIGNEURS series he made in 2012. At this show in Flatland we can 'see' the Russian immigrant workers who are enjoying a free afternoon on the beach on the west coast of the Island of Elba, amid mostly Italian tourists. But as with Lewkowicz' other work, there is a detachment of the subject, thus of the immigrant workers towards a conceptual meaning of Europe, its workers, and the future.</span><br /><br /><strong><span style="text-decoration: underline;"><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Biography Stanislaw Lewkowicz</span></span></strong><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">(1956, Hoensbroek, The Netherlands)</span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Stanislaw Lewkowicz studied at the Academy of Fine Arts in Utrecht, The Netherlands. Before this he worked at the age of 16 as a fresh deck cadet for the shipping line the Koninklijke Java China Pakketvaart. From Durban (South Africa) where he was stationed, he was booked on to the giant freighters and even merchant marine ships. After Lewkowicz finished his studies in Utrecht, he continued his education at the Academy of Warsaw in Poland but was forced to leave due to the explosive political situation in Poland and subsequently the closure of the university. Lewkowicz travelled for a couple of years through Europe, working as a farm or land labourer and sometimes even industrial worker. After this rough life, Lewkowicz settled in Amsterdam where he still lives and works.</span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Stanislaw Lewkowicz exhibitions include twice a show in the 1980s at Museum Fodor, Amsterdam (today’s FOAM Amsterdam); other shows include those at the Museum Het Valkhof, Nijmegen (2006); Stedelijk Museum Roermond, Roermond (2005); the 2nd Guanlan International Print Biennial, in Shenzhen, China, organized by the China Artists Association and curated by Zhao Jiachun, in 2009.</span><br /><br /><span style="font-family: 'courier new', courier; font-size: small;">Apart from private collections, his work is in the permanent collection of the Stedelijk Museum Amsterdam, The Netherlands; the Centraal Museum, Utrecht, The Netherlands and the Bonnefantenmuseum, Maastricht, The Netherlands. In 1986 and 1988 Lewkowicz was awarded the Dutch graphics award and in 1988 the International Award for Marine Painting in Antwerp.</span></p> Sat, 06 Apr 2013 12:20:25 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Johan Grimonprez - Flatland Gallery - April 25th, 2013 - April 28th, 2013 <div> <p><strong><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Flatland Gallery is proud to present Johan Grimonprez on the first edition of Paris Photo in Los Angeles. </span></strong></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">It will be Grimonprez’s premiere in Los Angeles for his work ‘LOOKiNG fOR ALFREd’. The highly acclaimed 2005 project is a grand homage to the ‘Master of Suspense’ Alfred Hitchcock and demonstrates many references to the visual world of Surrealist painter René Magritte.</span></p> </div> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Johan Grimonprez's curatorial projects have been exhibited at museums worldwide, such as at the Hammer Museum (LA), the Pinakothek der Moderne (Munich) and, the MOMA (NY). His works are part of the permanent collections of major museums, including the Centre Georges Pompidou (Paris), the Kanazawa Art Museum (Japan) and Tate Modern (London).</span></p> <p><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Focusing on Alfred Hitchcock’s regular, and famed, cameo appearances in each of his films, media artist Johan Grimonprez elaborated on this concept and conceived the idea of casting Hitchcock look-a-likes in his film ‘LOOKiNG fOR ALFREd’. His added shots of 'fictitious' interiors of corridors, staircases, chandeliers and large drawing rooms - filmed in the Palace of Fine Arts in Brussels - and music, creates a suitably beguiling and uncanny mise-en-scene. In a slow, dreamlike, almost surreal choreography, the various 'Hitchcocks' meet each other, while surrounded by floating bowler hats, umbrellas, crows and a single blond woman. With the help of a mind-boggling crowd of Hitchcock look-alikes, the artist deftly deconstructs conventional notions of reality. Meanwhile the enigmatic Hitchcockian concept of 'McGuffin' is being explained to us. </span></p> <div> <p></p> <div> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><b>‘LOOKiNG fOR ALFREd’ </b>premiered at the Centre for Fine Arts, Brussels in 2005. It was shown (a.o.) at the Photographer’s Gallery, London (2005) and Grimonprez’s Retrospective at S.M.A.K. (Stedelijk Museum voor Actuele Kunst), Gent, Belgium (2011, 2012).</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"> </span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><b>Awards for ‘LOOKiNG fOR ALFREd’:</b></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">2005 International Media Award SWR | ZKM, <i>Karlsruhe</i></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><i></i></span><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">2006 First Prize European Media Award Festival, <i>Osnabrück</i></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">2006 Spirit Award Winner, Brooklyn International Film Festival,<i> New York</i></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><b> </b></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><b>Collections </b><b>‘LOOKiNG fOR ALFREd’ </b>2005 | 7 ed.: loop + casting [+ 5 AP]

</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Artist Rooms, TATE, <i>London </i>&amp; National Galleries of Scotland, <i>UK</i>
</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Salomon Collection, <i>Paris, France</i></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Haussler, Bastian Collection, <i>Berlin, Germany</i></span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Pinakothek der Moderne, Museum für Gegenwartkunst,<i> Munich, Germany</i>
</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Lhoist Collection,<i> Brussels, Belgium </i>
Goetz Collection, <i>Munich, Germany </i>

</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"> </span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"><b>Collections ‘LOOKiNG fOR ALFREd’ </b>2005 | 7 ed.: loop [+ 5 AP] 

</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Fondation Régional d'Art Contemporain (FRAC),<i> Paris, France</i>
</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Sean Kelly Collection, <i>New York, USA </i>
</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Ierimonti Gallery, <i>Milan, Italy</i>
</span></p> <p><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;">Carlo Clerici Collection,<i> Milan, Italy</i></span><span style="font-family: 'andale mono', times; font-size: small;"> </span></p> </div> </div> Sun, 21 Apr 2013 07:21:14 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list