ArtSlant - Closing soon http://www.artslant.com/ams/Events/show en-us 40 - ARCAM - Amsterdam Centre for Architecture - August 24th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Exposition on new bottom-up initiators in the urban context of Amsterdam.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Eind augustus opent de expositie We own the City, die verzorgd wordt door ARCAM en <a href="http://http://www.citiesthemagazine.nl" target="_blank">CITIES</a>. In de expo staan nieuwe <i>bottom-up</i> initiatiefnemers in de stedelijke ontwikkeling centraal, die de kansen van de financiële crisis aangrijpen om braakliggende terreinen en leegstaande panden in Amsterdam nieuwe bestemmingen te geven. Want ondanks de economische crisis en het stagneren van de bouw, ontwikkelt Amsterdam zich verder. Er heeft een omschakeling plaatsgevonden: <i>top-down</i> stedebouw lijkt steeds meer naar de achtergrond te verdwijnen. In plaats daarvan verschijnen er steeds meer particuliere en zakelijke initiatiefnemers ten tonele, die locaties in de stad <i>bottom-up</i>, van onderaf, ontwikkelen.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> De expo is het resultaat van een onderzoek naar de beweegredenen, ambities en ondernemingszin van deze nieuwe groep <i>bottom-up</i> initiatiefnemers. Want waarom nemen zijn initiatief? Hoe organiseren en financieren zij zich? En wat zijn hun toekomstplannen? </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> De expositie licht een selectie initiatieven bovendien uit met bijzondere fotografie. Dit onderdeel van de expositie komt tot stand dankzij GUP Magazine. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> CITIES maakt ten behoeve van deze expositie gebruik van de inventarisatie die ARCAM dit voorjaar heeft gemaakt in opdracht van het Stimuleringsfonds voor de Architectuur.</span></p> <p></p> Tue, 07 Aug 2012 09:15:48 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Patrick Bernatchez - Galerie West - September 1st, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>We are proud to present the second exhibition at West of the Canadian visual artist Patrick Bernatchez and composer Guillaume-Van Roberge. An exhibition consisting of a freely composed installation and a video, in a surrounding that tells a story in an associative way, and at the same time investigates the various media. During the opening on 1 September, Patrick Bernatchez and Guillaume-Van Roberge will provide a musical performance, which will be related to the Goldberg Variations.</b></span><br /><br /><span style="font-size: small;"> The exhibition forms part of a larger whole and hereby Bernatchez is collaborating with the composer Guillaume-Van Roberge. At West, they will show a methodical project called ‘<strong><em>Lost in Time, Fraction 1</em></strong>’. This partly performative overall work of art consists of four parts and attacks the notion of time. It is a worldwide collaboration between various disciplines, in which Bernatchez functions as the ‘conductor’.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For instance a watchmaker, a piano player and several composers are involved in this project, and during the coming years they will continue to participate in various ways. Part of the exhibition has been presented previously at the Museum l’UQAM in Montréal and will continue its journey to Galerie Bertrand Grimont in Paris, after leaving West.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> ‘Lost in Time, Fraction 1’ partly consists of a film sequence in which we observe a completely worn-out horse and his rider in a timeless snowy landscape. Johan Sebastian Bach’s Goldberg Variations support this magical image. The dark horse visualizes instinct and feeling. In addition, the parts of the music played by the right and left hand, have been separated and can each be heard on two different LPs. Thus the reproduction becomes very minimal, but due to repetition it remains recognizable.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Photographic and sculptural elements will form other fragments of the exhibition. In the central room, a helmet will be displayed that is made for the head of the horse, not for the rider. Made of steel and flawlessly polished, it provides an alienating and peculiar artefact. The BlackWatch (BW) is a wrist watch – handmade by a Swiss watch maker – with a mechanism that turns the hand of the clock only once in every thousand years. As a result, the average time span of a human life is brought back to a four millimetre movement of the hand, and hence invisible to the human eye. The lapse of time, death and the process of decline and rejuvenation, are recurring elements in Bernatchez’s work and form the focus of his oeuvre. References to individual, social and cosmic life cycles are abundantly present and confront us with our mortality. Due to the visual repetitions, the reflection of images and the strong symbolism, the work is immediately striking.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> <b>Patrick Bernatchez</b> (1972, Montréal, Canada) has displayed his works in solo exhibitions in galleries and museums such as: l’UQAM Montreal (2011), Künstlerhauss Bethanien, Germany (2010), Galerie Bertrand Grimont, France (2009), West, the Netherlands (2009), Artists Space, USA (2009), and at Montreal’s Centre des arts actuels Skol (2008), Galerie B-312 (2004) and Centre d’art et de diffusion Clark (2002). In addition, he has exhibited his works in various group performances in Canada, Europe and Australia, such as at: Mass MoCA, USA (2012), Musée national des beaux-arts du Québec (2010, 2008), Musée d’art contemporain de Montréal (2010, 2008), Carriageworks, Sidney (2010), Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, New Cinema and Contemporary Art (2009, 2008) and de Pancevo Biennale of Visual Arts, Serbia (in collaboration with Gennaro De Pasquale, 2004). His work forms part of various private collections and museum collec- tions such as in Québec and Montréal.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> <b>Guillaume-Van Roberge</b> is mainly a writer and composer, he is interested in transdisciplinary collaborative researches. Since 1998, as a composer, he has produced music for different projects in contemporary dance, videos, art installations and sound design. He has collaborated with, among others, the music band The Ur- banauts (Stereotonic and Q-pid, Wikkid Records, 2000), the choreographer Sheila Ribeiro (Dona Orpheline and Sandman: Visual Fetishism in Contemporary Communication, 2008), the artist Jérôme Fortin (StarSys- tem, 2008) and the performer Catherine Cédilot (Montreal, 2012). His writings have been published by Les Éditions Rodrigol (Montreal) since 2005. In 2011, he founded in Paris the lfb company (contemporary dance) with Lilliana Garcia Gomez, dancer and architect. Their first creation, discothèque (Micadanses, Point Éphémère, Paris) was presented at the festival Les Petites Formes (D)Cousues 2012 (Paris). Since 2005, he has lived in Paris and works wherever he can.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> A new publication will be issued on behalf of this exhibition with a text written by the art historian Bernard Schütze.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong><span style="font-size: small;">Met trots kondigen wij de expositie van de Canadese beeldend kunstenaar Patrick Bernatchez en componist Guillaume-Van Roberge bij West aan. Een expositie die bestaat uit een los samengestelde installatie en een film, in een omgeving die op een associatieve manier een verhaal vertelt, waarbij tegelijkertijd ook de verschillende media bevraagd worden. Tijdens de opening zullen de kunstenaars een muzikale performance verzorgen die gerelateerd is aan de Goldbergvariaties van Bach.</span></strong></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De tentoonstelling is een onderdeel van een groter geheel en hierbij werkt Bernatchez samen met componist Guillaume-Van Roberge. Ze tonen een methodisch project dat is getiteld ‘<em><strong>Lost in Time, Fraction 1</strong></em>’. Het deels performatieve totaalkunstwerk bestaat uit vier delen en gaat in op het begrip tijd. Het is een wereldwijde coöperatie tussen verschillende disciplines met Bernatchez als ‘dirigent’. Onder andere zijn hierin een horlogemaker, een pianist en verschillende componisten betrokken en zij zullen ook de komende jaren binnen het project op verschillende manieren participeren. Een deel van de expositie was eerder te zien in het Museum l’UQAM in Montréal en zal na West doorreizen naar Galerie Bertrand Grimont in Parijs.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">‘Lost in Time, Fraction 1’ bestaat deels uit een filmloop waarin we een zwaar vermoeid paard en zijn berijder zien in een tijdloos landschap van sneeuw. De Goldbergvariaties van Johan Sebastian Bach ondersteunen het sprookjesachtige beeld. Het donkere paard staat voor het instinct en gevoel. Daarbij is de muziek die met de linker en de rechterhand wordt gespeeld, uit elkaar genomen, en elk op verschillende langspeelplaten te horen. De weergave wordt daardoor heel minimaal, maar door herhalingen nog steeds herkenbaar.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Andere fragmenten in de tentoonstelling bestaan uit fotografische en sculpturale elementen. In de centrale ruimte zal een helm te zien zijn die gemaakt is voor het hoofd van het paard en niet voor de berijder.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gemaakt van staal en puntgaaf gepolijst is het een vervreemdend en bijzonder artefact. De BlackWatch (BW) is een polshorloge, handgemaakt door een Zwitserse horlogemaker, met een mechanisme waarvan de wijzer van de klok in duizend jaar slechts een keer ronddraait. De gemiddelde tijdspanne van een menselijk leven wordt hiermee teruggebracht tot een draaiing van de wijzer van vier millimeter en daarmee onzichtbaar voor het menselijk oog.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het verlopen van de tijd, de dood en het proces van verval en vernieuwing zijn terugkerende onderwerpen in het werk van Bernatchez en vormen de focus van zijn oeuvre. Verwijzingen naar individuele, sociale en kosmische levenscycli zijn in overvloed aanwezig en confronteren ons met onze sterfelijkheid. Door visuele herhalingen, het spiegelen van beelden en de sterke symboliek spreekt het werk direct aan.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Patrick Bernatchez</strong> (1972, Montréal, Canada) toonde zijn werk in solo exposities in galeries en musea als: l’UQAM Montreal (2011), Künstlerhauss Bethanien, Duitsland (2010), Galerie Bertrand Grimont, Frankrijk (2009), West, Nederland (2009), Artists Space, USA (2009), en bij Montreal’s Centre des arts actuels Skol (2008), Galerie B-312 (2004) and Centre d’art et de diffusion Clark (2002). Daarnaast heeft hij zijn werk geëxposeerd in verschillende groepstentoonstellingen in Canada, Europa and Australië, zoals bij: Mass MoCA, USA (2012), Musée national des beaux-arts du Québec (2010, 2008), Musée d’art contemporain de Montréal (2010, 2008), Carriageworks, Sidney (2010), Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, New Cinema and Contemporary Art (2009, 2008) en de Pancevo Biennale of Visual Arts, Serbia (in collaboration with Gennaro De Pasquale, 2004). Zijn werk is opgenomen in verschillende particuliere collecties en in collecties van musea in Québec en Montréal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Guillaume-Van Roberge</strong> is vooral schrijver en componist. Hij is geïnteresseerd in gezamenlijke transdisciplinaire experimenten. Vanaf 1998 heeft hij als componist muziek geproduceerd voor verschillende projecten, zowel voor moderne dans, video’s, kunstinstallaties als geluidsontwerpen. Hij heeft onder andere samengewerkt met de band The Urbanauts (Stereotonic en Q-pid, Wikkid Records, 2000), de choreograaf Sheila Ribeiro (Dona Orpheline en Sandman, over visueel fetisjisme in hedendaagse communicatie, 2008), de beeldend kunstenaar Jérôme Fortin (StarSystem, 2008) en de performer Catherine Cédilot (Montreal, 2012). Zijn boeken worden sinds 2005 gepubliceerd door Les Éditions Rodrigol (Montreal). In 2011 richtte hij in Parijs het gezelschap LFB op (hedendaagse dans) samen met danser en architect Lilliana Garcia Gomez. Hun eerste werk, discothèque (Micadanses, Point Éphémère, Paris) werd getoond op het festival Les Petites Formes (D)cousues 2012 (Paris). Sinds 2005 woont hij in Parijs en werkt hij overal waar hij kan.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In het kader van de tentoonstelling ‘Lost in Time, Fraction 1’ verschijnt een nieuwe publicatie met een tekst van kunstcriticus Bernard Schütze.<br /></span></p> Sat, 25 Aug 2012 16:44:19 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Nicoas Dings, Guglielmo Castelli - Metis_NL - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p>**</p> <p><img style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto;" src="http://dbprng00ikc2j.cloudfront.net/userimages/25249/12yr/20120902183712-pr2.png" /></p> Sun, 02 Sep 2012 18:37:52 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Heske de Vries - Metis_NL - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p>**</p> <p><img style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto;" src="http://dbprng00ikc2j.cloudfront.net/userimages/25249/12yr/20120902183600-pr1.png" /></p> Sun, 02 Sep 2012 18:37:27 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Adam Colton - Slewe Gallery - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Slewe Gallery</strong> is pleased to annouce the upcoming exhibition <strong><em>Cliffhanger</em></strong> by British sculptor <strong>Adam Colton</strong>(*1957). It will open on Saturday September 8 and will run until October 6, 2012.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After his show <em>Love Arises from the Foam</em> at the Museum Boijmans van Beuningen in Rotterdam and his solo exhibition at Slewe at Art Amsterdam in 2009, he continued developing his whitish organic shaped carvings in polyeruthane foam. Its result will be on show in relation with newly made drawings on paper and on the wall as well.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Colton makes mostly objects of polyurethane foam. They lie on the floor or hang against the wall. He calls them ‘blobs’. His career started in the early eighties with plaster constructions made of his own leg. His work developed through geometric stone and wood carvings towards organic shaped carvings in the artificial material of polyeruthan foam, which he gives a natural feeling by sanding and painting them in an off whitish color. At the same time he still occupies himself with sculptural principles as volume, space and weight. The practise of drawing is an underlying study for all his works. The expanding process of the initial drawing to a 3-dimensional object is essential for the outcome of the work.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Colton</strong> was born in 1957 in Manchester (GB). Since 1981 he lives and works in the Netherlands. After his study at the Ateliers 63 in Haarlem he had his first solo show at Art &amp; Project in Amsterdam in 1983. He had several museum shows in the Netherlands, at the Bonnefantenmuseum, Maastricht, Museum Boijmans van Beuningen in Rotterdam, Commanderie van St.Jan in Nijmegen, Rijksmuseum Twenthe, Enschede and Gemeentemuseum The Hague. In 2001 he had a solo show at the Stedelijk Museum Bureau Amsterdam.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For more information please contact the gallery.</span></p> Mon, 17 Sep 2012 13:18:39 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Emma Bennett, Gavin Tremlett, Hugh Mendes, John Stark, Sam Jackson - Witzenhausen Gallery - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em><strong>Serpent's Tail</strong> </em>brings to Amsterdam the work o<strong>f Emma Bennett, Gavin Tremlett, Hugh Mendes, John Stark</strong> and<strong> Sam Jackson</strong>, 5 British artists whose work offers a contemporary continuation of Romanticism. Their work rescues historical artistic forms and languages from past centuries and throws a bridge between the past and the present, acknowledging it at times but often bluntly escaping from it.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"><em> Serpent's Tail</em> has been organized in cooperation with Zavier Ellis, director of London gallery Charlie Smith and curator of the yearly show The Future Can Wait.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>A booklet about the artists will be available at the opening.</b></span></p> Sat, 22 Feb 2014 15:38:05 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - Cobra Museum - June 2nd, 2012 - October 7th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Copenhagen, Brussels, Amsterdam, Paris, New York: Cobra is inextricably associated with major city centres. This is where the artists lived, met one another in cafés and worked in spaces they shared. They were part of the artistic avant-garde that brought colour to these cities in the 1940s and 1950s. Cobra Cities presents works from the collection, revealing the art scene of which the Cobra artists were a part. </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kopenhagen, Brussel, Amsterdam, Parijs, New York; Cobra is onlosmakelijk verbonden met wereldsteden. Deze collectiepresentatie geeft een impressie van de internationale kunstscène waarbinnen de Cobra kunstenaars zich bewogen.</span></p> Thu, 13 Sep 2012 13:58:29 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Nikki van Es, Maarten Brinkman, Leon van Opstal, Renske van Driel, Kees de Vries - Galerie Franzis Engels - September 22nd, 2012 - October 7th, 2012 <p>Poëtische verbeelding van fotosynthese op lange banen Japans papier door Nikki van Es.<br />Leon van Opstal gebruikt insecten om ons bewust te maken van de oorlog voor het behoud van de soorten.<br />Maarten Brinkman brengt subtiele wijzigingen aan in de natuur. Wanneer is een stuk hout gewoon een stuk hout, en wanneer is dit kunst?<br />Renske van Driel toont aaibare stenen, zacht als fluweel. Kees de Vries probeert met zeezout het licht te vangen. Kunstlicht uit, daglicht aan!</p> Fri, 24 Aug 2012 15:33:28 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Kenne Grégoire - Galerie Mokum - September 9th, 2012 - October 7th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">*Op zondag 9 september 2012 opent Galerie Mokum het nieuwe tentoonstellingseizoen met een solo-expositie van Kenne Grégoire. <strong>U bent van harte welkom op de opening op <span style="text-decoration: underline;">zondag</span> 9 september van 4 - 6 uur.</strong>Rond 5 uur zal Kenne het woord tot u richten en uitleg geven over zijn recente werk.</span></p> Sat, 21 Jul 2012 09:13:41 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Annemieke Alberts - Galerie Roger Katwijk - September 2nd, 2012 - October 7th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Roger Katwijk is proud to announce the upcoming exhibition with new paintings by Annemieke Alberts.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het werk van Annemieke Alberts draait om open ruimtes in een stedelijk omgeving die zijn omringd door kantoorgebouwen, winkels of een enkele ijssalon. In hun ruiten zie je fraaie, omliggende hightech gebouwen weerspiegeld. Wat verder op de achtergrond ontwaar je soms een ander gebouw of een stilstaande trein in een vager silhouet; alsof je dwars door zo’n gebouw heen kunt kijken en de ruimtes erachter kunt ervaren. Soms ook neemt zij een enkele desolate flat of een vervallen  bedrijfsgebouw als onderwerp. En ook die transponeert zij in haar schilderijen tot gebouwen waarin weer andere gevels weerspiegeld worden. Dat maakt dat er veel diepte in haar werk ontstaat. Alleen is nooit helemaal te zien wat binnen dan wel buiten is; welk gebouw spiegelt of juist gespiegeld wordt.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de meeste werken leidt Alberts de blik van de toeschouwer van buiten naar binnen. Neem het geschilderde interieur van het grootstedelijke café met grote roodkleurige hanglampen boven de tafeltjes: hier sta je voor een halfopen pui en kijk je naar binnen. Of bewonder het magistrale doek waarop een groot gebouw te zien is, dat binnenin uit vele architectonische ruimtes blijk te bestaan. Ook hier wordt het onderwerp van buitenaf weergegeven. Het is uiteindelijk een labyrintisch geheel geworden, waar je in zou kunnen verdwalen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Annemieke Alberts: “Als passant en observator kun je vol bewondering tussen al die indrukwekkende architectonische creaties lopen, maar je blijft wel altijd buiten. Dit betekenisvolle beeld staat symbool voor de eenzaamheid van de eenling die bij een groep wil horen, maar tegelijkertijd de conformerende druk die daar vanuit gaat afwijst. Het handelt hier om het proces van je aangetrokken voelen en tegelijkertijd ook weer afstoten; een stap van toenadering wordt niet gezet. Om aan dat onvervuld verlangen tegemoet te komen, schilder ik de illusie van een interieur en laat ik zien wat er zich binnenin af zou kunnen spelen.” </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Annemieke Alberts schildert bijna altijd aan de hand van foto’s die zij zelf in stedelijke gebieden maakt.  Naar aanleiding van meerdere opnames - vaak uit verschillende omgevingen - ontstaat geleidelijk aan een nieuw werk. Eerst zet zij de onderlaag in acrylverf op waarna zij later de verschillende vormen en details in dunne lagen olieverf uitwerkt. Tevoren heeft zij nooit een vastomlijnd beeld; schetsen maakt zij niet. Het werk ontstaat al schilderend, langzaamaan op een associatieve wijze. Meestal is zij met verschillende doeken tegelijk bezig. Als ze vastzit in het ene pakt ze het andere weer op. Een dergelijk proces vergt veel tijd, wat maakt dat haar productie klein is.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Alberts noemt zichzelf ‘een observator van de werkelijkheid’. Daar geeft zij een twist aan door meervoudige werkelijkheden in elkaar te schuiven en te mengen tot een heel nieuw beeld. Zo ontstaat een surreële wereld die doet denken </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">aan de sfeer die wordt opgeroepen in de boeken van de Japanse schrijver Haruki Murakami. In ‘Kafka op het strand’, het favoriete boek van Alberts, wordt de realiteit een handje geholpen door mensen te laten verdwijnen en vervolgens in een andere gedaante terug te laten keren. Katten kunnen praten en vissen vallen uit de lucht bij Murakami. En net als in zijn werk is ook in de verbeelding van Annemieke Alberts heel veel mogelijk.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Annemieke Alberts (Krommenie, 1963)<br /></strong>volgde de lerarenopleiding tekenen in Amsterdam, waarna zij de tijd nam om haar beeldtaal te ontwikkelen. Haar deelname aan de Zomerexpositie 2011 in het GEM Den Haag, waar zij de juryprijs kreeg toegekend, betekende haar doorbraak bij het grote publiek. Begin dit jaar had zij een solo-expositie in Pulchri Studio eveneens in Den Haag. Ook was zij dit jaar een van de deelnemers aan de door de Avrotelevisie georganiseerde talentenjacht De nieuwe Rembrandt. Later deze zomer volgt een expositie in de Victory Gallery in Portland (VS), waarna Roger Katwijk tijdens deze solo-expositie haar meest recente werk brengt.    </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Voor meer afbeeldingen ga naar: Kunstenaars/ Annemieke Alberts</span></p> Sun, 02 Sep 2012 15:19:38 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Katarzyna Kozyra - Museum Arnhem - June 3rd, 2012 - October 7th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The multimedia installations, videos and performances of Katarzyna Kozyra (1963) always elicit strong reactions in Poland. Her use of stuffed animals in <em>Pyramid of Animals</em>(1993), and the filming of their deaths, provoked national outrage. Physical deterioration, our preoccupation with surface appearances, and male and female forms are key subjects in this Polish artist’s controversial work. Using a hidden camera, she filmed undressed women of all ages at a public bathhouse (1997). Disguised as a boy with a mustache, she indecorously recorded bathing men in <em>Men’s Bathhouse </em>(1999); the installation received an honourable mention at the Venice Biënnale. In the video installation <em>Punishment and Crime </em>(2002), Kozyra explores the fascination with weapons at gun clubs, a fascination that sometimes blurs the line between sport and violence. Kozyra belongs to a generation of critical artists who expose taboos, even those of the art world, through their work and hold them up for discussion.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>[Let op! </em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Deze tentoonstelling bevat schokkende beelden en is niet geschikt voor kinderen.] </em></span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>De multimedia installaties, video’s en performances van Katarzyna Kozyra (Warschau 1963) lokken steevast heftige reacties uit in Polen. Haar gebruik van opgezette dieren in <i>Pyramid of Animals </i>(1993), en het filmen van hun dood, riep nationale verontwaardiging op. Lichamelijke aftakeling, onze preoccupaties met uiterlijk, vrouwelijkheid en mannelijkheid vormen belangrijke onderwerpen in het controversiële oeuvre van deze Poolse kunstenaar. </strong></span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Met een verborgen camera filmde zij zonder opsmuk vrouwen van alle leeftijden in het openbare badhuis. Vermomd als jongen met snor registreerde zij badende mannen zonder decorum in <i>Men’s Bathhouse</i> (1999); de installatie kreeg een eervolle vermelding tijdens de Biënnale van Venetië. De fascinatie voor wapens van schietverenigingen waarvan de leden soms de grens tussen spel en geweld overschrijden, onderzoekt zij in de video-installatie <i>Punishment and Crime</i> (2002). In de video- en fotoserie <i>Lou Salome </i>(2005) treedt Kozyra in de rol van de Duits-Russische psychoanalytica Lou von Salomé. Als een dominatrix laat zij zich voorttrekken door haar geestverwanten Nietzsche en Rilke die als twee honden zijn aangelijnd.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kozyra behoort tot de generatie kritische kunstenaars die via haar werk menig taboe, ook die van de kunstwereld, doorbreekt, zoals haar project <i>Midgets</i> (Dwergen) laat zien. Met haar <i>Midget Gallery </i>en een bataljon van in lederhosen geklede lilliputters ‘verstoorde’ zij in 2008 de Biënnale van Berlijn om stil te staan bij de vermenging van publieke en private belangen en de commercialisering van de kunstwereld. In haar recente project <i>Casting</i> daagt Kozyra anderen uit om momenten uit haar levensgeschiedenis opnieuw te ensceneren en mee te maken. Kozyra wil daarmee laten zien hoe de media kunnen worden ingezet om een andere identiteit en een andere persoonlijkheid aan te meten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Katarzyna Kozyra woont in Warschau en in Berlijn. Zij studeerde aan de Warsaw Academy of Fine Arts Department of Sculpture. De kunstenaar zal zondag 3 juni een artist talk geven.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;">GEGENPOLEN</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;">Die multimedialen Installationen, Videos und Performances von Katarzyna Kozyra (geb. in Warschau 1963) erzeugen in Polen regelmäßig heftige Reaktionen. Die Zurschaustellung aufgedunsener Tiere in der <em>Pyramid of Animals</em> (Pyramide von Tieren) (1993), und das Filmen ihres Todes, hatten eine nationale Entrüstung zur Folge. Körperlicher Verfall, unsere Besorgtheit im Bezug auf Äußerlichkeit, Fraulichkeit und Männlichkeit formen wichtige Themen im kontroversen Werk dieser polnischen Künstlerin.</p> <p style="text-align: justify;">Mit einer verborgenen Kamera filmte sie im öffentlichen Badehaus ohne Ausschmückung Frauen aller Altersklassen. Ebenso erfasste sie als Junge mit Schnurrbart vermummt ohne Rücksicht auf Anstand badende Männer in<em> Men’s Bathhouse</em> (Badehaus der Männer) (1999); die Installation erhielt während der Biennale in Venedig eine ehrenvolle Ernennung. Die Faszination für Waffen von Schützenvereinen, deren Mitglieder zuweilen die Grenze zwischen Spiel und Gewalt überschreiten, untersucht sie in der Videoinstallation <em>Punishment and Crime</em> (Strafe und Verbrechen) (2002). In der Video- und Fotoserie <em>Lou Salome</em> (2005) schlüpft Kozyra in die Rolle der Deutsch-Russischen Psychoanalytikerin Lou von Salomé. Als diese lässt sie sich als Domina durch ihre Geistesverwandten Nietzsche und Rilke ziehen, die wie zwei Hunde angeleint sind. Kozyra gehört zur Generation kritischer Künstler, die durch ihr Werk manch Tabu, sei es der Kunstwelt, bricht, wie ihr Projekt <em>Midgets (</em>Zwerge) zeigt. Mit ihrer <em>Midget Gallery </em>(Zwergengalerie) und einem Bataillon in Lederhosen gekleideter Liliputaner “störte“ sie 2008 die Biennale in Berlin, um stillzustehen bei der Vermischung öffentlicher und privater Belange und der Kommerzialisierung der Kunstwelt. In ihrem jüngsten Projekt Casting stimuliert Kozyra andere Momente ihrer Lebensgeschichte zu reinszenieren und aufs Neue zu erleben. Hierdurch will Kozyra aufzeigen, wie Medien eingesetzt werden können, um eine andere Identität und eine andere Persönlichkeit zu erschaffen.</p> <p style="text-align: justify;">Katarzyna Kozyra wohnt in Warschau und Berlin. Sie studierte an der Warsaw Academy of Fine Arts Department of Sculpture.</p> <p style="text-align: justify;">Die Künstlerin wird am Sonntag, den 3. Juni anwesend sein für ein Künstlergespräch.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> Mon, 23 Jul 2012 15:37:40 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Ed van der Elsken, Marijke van Warmerdam, Marlene Dumas, Rineke Dijkstra - Annet Gelink Gallery - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Annet Gelink Gallery</strong> is proud to present <strong><em>Look! Ed!</em></strong>, an exhibition which approaches the oeuvre of Ed van  der Elsken from a new point of view. Annet Gelink asked the three most prominent female Dutch artists  to make a selection of works by Ed van der Elsken and asked Jhim Lamoree to put the show together.  The three artists, <strong>Rineke Dijkstra, Marlene Dumas</strong>, and<strong> Marijke van Warmerdam</strong>, each use photography  in their work in different ways. Dumas uses photography as an inspiration for her paintings; Dijkstra  creates series with her photographic portraits that give insights into specific cultural subgroups; for Van  Warmerdam, photography is just one of the many available mediums which she uses to create her  works. Ed van der Elsken used his camera as a means with which to explore the world, document it and  interpret it. As he mentioned, in an interview for ‘Vrij Nederland’ in January 1987, he tried to capture  the universal human element with pathos and style.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Look! Ed!</em> emphasizes the variety that can be found in Van der Elsken’s oeuvre. Dijkstra, Dumas and Van  Warmerdam have each made their own selection which provide interesting insights on Van der Elsken  and the three artists. Jhim Lamoree: “Ed van der Elsken’s photographs had a range of expression, and  the selections made by Marlene Dumas, Rineke Dijkstra and Marijke van Warmerdam attest to this.  Each was drawn to a different aspect of his work. They, too, observed and made choices. The connection  between Ed, Marlene, Marijke and Rineke is their ability to seek out the other without losing sight of, or a  sense of, themselves. They size up the world in a humane, personal manner. Their attitude is similar, but  the aesthetic results of each differ entirely. The selections cause an intriguing and enigmatic doubling to  occur: the show not only gives a varied portrait of Ed’s oeuvre, but also a self-portrait of the oeuvres of  Marlene, Marijke en Rineke.”</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> In Look! Ed!, Annet Gelink with her co-curator Jhim Lamoree have created an exhibition that looks at Ed  van der Elsken’s works from a new perspective. Through the selections of Dijkstra, Dumas and Van  Warmerdam a new vision comes to light on an oeuvre that will be familiar to many. Fitting indeed for a  photographer who always had an open eye for anything new.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Yael Bartana From September 12 th  through November 4 th  Yael Bartana’s solo exhibition And Europe will  be stunned will be on view at the Ikon Gallery in Birmingham (UK). Ryan Gander  The solo exhibition  Esperluette Artists’ Library by Ryan Gander will be on view at Palais de Tokyo in Paris from September  28 th  until January 7 th  2013. David Maljkovic The van Abbe Museum in Eindhoven (NL) will be showing  David Maljkovic’s solo exhibition Sources in the Air from October 6 th  through January 27 th  2013.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Annet Gelink Gallery will be participating in the photo fair <strong>Unseen</strong> from the 19 th  until the 23 rd  of  September and, in the same weekend, in <strong>Amsterdam Drawing</strong>, the first Dutch art fair for original works  on paper. </span></p> <p style="text-align: justify;"><strong><span style="font-size: small;">The "Bakery" will present a selection of films by Ed van der Elsken.</span></strong></p> Mon, 10 Sep 2012 11:44:29 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Natalia Pershina Yakimanskaya (Gluklya) - Galerie Akinci - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>AKINCI proudly announces the first  exhibition of Factory of Found Clothes (FFC) presented  by the Russian artist Gluklya (Natalia Pershina-Yakimanskaya) with the project ‘Wings of Migrants’.</b></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">This project by Gluklya is presented at AKINCI as a ‘transparent research’ and focuses on migrants who come to Russia from the former Soviet Union. Migrants are often used as unskilled and low-paid workers, as a rule displaced to the periphery of society. This closure is determined by the deprived and often illegal status of migrants, as well as by the culture and language differences.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The film ‘Wings of Migrants’ which forms part of the show, is a collective collaboration with the “No dance company” in St-Petersburg. It started from the idea to create a long term project: ‘Theatre for migrants’. There is a historical link to the ‘Proletkult theatre’ (1920) of Ezenshtain and Tretyakov, who went to the GAZ factory (Gazovii Zavod) to play theatre. The idea of FFC was to create an encounter with dancers and migrant workers in order to invite them to become part of an utopian situation where they all can exist together in an equal position. The film was realized in one of the oldest factories in St-Petersburg.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The film ‘Wings of Migrants’ was supported by the Institute for Migration and Ethnic Studies, UvA and co-produced with</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dr. Olga Sezneva. Financial support also came from Hugh Scott (Adventures of seeing), free lance curator from the UK and Leyla Akinci, Amsterdam.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Special thanks go to the great artist and feminist, Susan Morlan from the UK, as well as all who participated in the research : No Dance Company, Olga Denisova, Andrei Yakimov from Memorial, Aya Yakimova, Urii Shtopakov ,</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tsaplya Egorova, Angelika Artuh, and others.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2">Gluklya (Natalia Pershina Yakimanskaya) works within different collective and re-search projects as well as doing her own research combining performance, environmental works, situationist actions, video and direct contact.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2">Her main focus is working with women and minority groups (migrants, unemployed people, veterans etc.) in Russia and recently in other countries which resulted in performances, actions and films. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2">Together with Olga Egorova (Tsaplya) Gluklya founded “The Factory of Found Clothes” in 1995. In 2002, they wrote their manifesto: “The place of the artist is at the side of the weak”. (see factoryoffoundclothes.org)</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2">Since 2003 Gluklya is also part of the artist group Chto delat?. This Russian collective, formed in 2003 by artists, philosophers and writers, sees its diverse activities as a merging of political theory, art and activism.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #404040; font-family: Arial; font-size: small;" color="#404040" face="Arial" size="2"><span style="color: #000000;">Gluklya’s work has been exhibited in Russia and abroad, including at the VOLTA8, Basel (2012), MUMOK, Vienna (2012). Staatliche Kunsthalle Baden Baden (2011), Shedhalle, Zurich (2011), SMART Project Space, Amsterdam (2011), Museo Reina Sofia, Madrid (2011), Kunsthalle, Vienna (2011), ICA, London (2010), Van Abbemuseum, Eindhoven (2011 &amp; 2009), Thessaloniki Biennale (2009), Museum of Contemporary Art, Kalmar (2008), Botkyrka Konsthall (2007), National Center for Contemporary Art, Moscow (2006).</span> </span></p> Mon, 10 Sep 2012 11:43:35 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Alberto Garcia-Alix - Galerie Gabriel Rolt - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Galerie Gabriel Rolt</strong> is proud to present the first solo-exhibition of photographs by <strong>Alberto García-Alix</strong> in The Netherlands. Considered to be one of the most important names in contemporary European Photography, García-Alix’s work is charged with great intensity and profound poetry. He creates a personal and complex universe, which has stunned the world of the visual arts.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition brings together photographs that were made by García-Alix in the last ten years. The artist, internationally recognized for his unique work, shows us a large selection of portraits and landscapes, which enables us to explore a mysterious world of light and shadow.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">García-Alix’s images are characterized by their vitality and compositional excellence, regardless of the subject he is portraying. Whether he shows his friends and their environment in Madrid in the eighties, or a specific landscape – they all become part of García-Alix’s universe.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">"Everything is a portrait" says García-Alix, and indeed, all of his images seem to be about encounters, about the photographic subject turning into something new and unfamiliar. His images tend to be provocative and erotic, and are always very personal.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Alberto Garcia-Alix</strong> (León, Spain, 1956) is known as one of the most important Spanish photographers emerging from Spain's La Movida, the post-Franco era of free expression. His work is represented in important museums and private collections like the Centro de Arte Reina Sofia in Madrid and The Gemeentemuseum in The Hague, and has been shown in many exhibitions around the world. In 2008 Garcia Alix had an iimportant retrospective in Madrid, titled ‘De donde no se vuelve’ in the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. His work is characterized by a documentary approach, vibrantly capturing the atmosphere of 1980's Madrid and beyond. This year he won the prestigious photography Prize ‘Premio photoespaña 2012’.</span></p> Mon, 01 Oct 2012 16:02:08 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Volodia Popov - Galerie Noordeinde - September 1st, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Volodia Popov Massiaguine presenteert tijdens de Noordeinde Art &amp; Fashion dagen in Galerie Noordeinde zijn mooiste werken die afgelopen jaar een rondreis door de belangrijkste Russische Musea hebben gemaakt. De expositie in Den Haag is hiermee de volgende in de rij van St. Petersburg, Tokio en Parijs.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Waren wij gewend van Popov dat hij als het ware koketteerde met zijn perfecte schildertechnieken, zoals de prachtige huidtonen achter meesterlijk geschilderde voiles, nu ligt het accent in zijn werk eerder op het gebied van lijnen en contouren.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tevens zijn een aantal installaties van Popov opgenomen in de expositie die zijn eigen herkenbare en excentrieke wereld tentoonspreiden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Madeleine en de kunstenaar Volodia Popov heten u van harte welkom op de opening.</span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">ART &amp; FASHION OP EEN 700 METER LANGE ORANJE LOPER</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">01 sep 2012 &gt; 02 sep 2012</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een oranje loper van maar liefst 700 meter die de Hoogstraat en het Noordeinde verbindt is de basis van het grote Art &amp; Fashion evenement dat in het eerste weekend van september plaatsvindt. Het evenement, dat onder de noemer Noordeinde Kunstdagen al jaren een internationale bekendheid geniet, krijgt vanaf 2012 met de toevoeging van Fashion een extra dimensie. Door het hele winkelgebied, van de Dagelijkse Groenmarkt tot aan de Scheveningse Veer wordt de bezoeker getrakteerd op een variatie aan modeshows, haarstylingshows, hakkenparade's, vernissages, meet &amp; greets, kunst, design en wijn.</span></p> Thu, 30 Aug 2012 16:03:12 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Mika Ninagawa - Galerie Wouter van Leeuwen - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; font-family: arial,helvetica,sans-serif;">After "Liquid Dreams" and "Acid Bloom" in 2010, brings <strong>Galerie Wouter van Leeuwen</strong> now a new series of<strong> Mika Ninagawa</strong>, '<em><strong>Noir</strong></em>'. </span><br /><br /><span style="font-size: small; font-family: arial,helvetica,sans-serif;"> Mika Ninagawa mixes elements from the 18th-century Japanese cultural traditions - goldfish, flowers - with the bright colors of neo-pop. Her brilliant color palette seems an almost surreal intensity. Thus it creates powerful images in vivid colors and seemingly incongruous shapes. Through its tight topic to broach fusing form and color to stunning, colorful scenes. In her latest series, "Noir", light and shadow play a major role. Even in the deepest darkness she knows colors to elicit, making her seem exuberant images a deep game play with the contrast between day and night, light and darkness, life and death. </span><br /><br /><span style="font-size: small; font-family: arial,helvetica,sans-serif;"><strong>Mika Ninagawa</strong> (1972) is one of Japan's most innovative photographers and one of the most productive. Ninagawa began her career mid 90s as a onnanoko shashinka ', what is the best "photography-girl' translates. A term for female, 18 - to 20-year-old photographer who point-and-shoot camera to the personal life and that of their peers to document. Meanwhile Ninagawa is rather like a second generation 'onnanoko shashinka' because they are an exceptional talent, with a very mature approach to its subject. And with still a fascinating mixture of candor, fun and daring. Since 1997 she published some forty books. Besides television commercials she directed a full-length feature film, "Sakuran" in 2007 with great success at the Berlin Film Festival screened.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; font-family: arial,helvetica,sans-serif;"><span face="Verdana" size="1"><img src="http://www.galeries.nl/vinkje.gif" height="10" /></span> <span face="Verdana" size="1">The artist will be present at the opening.</span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial,helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Verdana" size="1"></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial,helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Verdana" size="1">Na ‘Liquid Dreams’ en ‘Acid Bloom’ in 2010, brengt <strong>Galerie Wouter van Leeuwen</strong> nu een nieuwe serie van Mika Ninagawa, ‘<strong><em>Noir</em></strong>’.<br /><br />Mika Ninagawa mengt elementen uit de 18e-eeuwse Japanse culturele tradities - goudvissen, bloemen, bloesems - met de felle kleuren van de neo-pop. Haar briljante kleurenpalet lijkt van een welhaast onwerkelijke intensiteit. Zo schept zij krachtige beelden in uitbundige kleuren en ogenschijnlijk ongerijmde vormen. Door haar onderwerp strak aan te snijden versmelten vorm en kleur tot overweldigende, bonte taferelen. In haar nieuwste serie, ‘Noir’, spelen licht en schaduw een grote rol. Zelfs aan het diepste duister weet zij kleuren te ontlokken, waardoor haar ogenschijnlijk uitbundige beelden een diepzinnig spel spelen met het contrast tussen dag en nacht, licht en donker, leven en dood.<br /><br /><strong>Mika Ninagawa</strong> (1972) is een van Japans meest vernieuwende fotografen en een van de productiefste. Ninagawa begon haar carrière midden jaren ‘90 als een ‘onnanoko shashinka’, wat zich het beste als ‘fotografie-meisje’ laat vertalen. Een term voor vrouwelijke, 18- tot 20-jarige fotografen die de point-&amp;-shoot camera gebruiken om het persoonlijke leven en dat van hun leeftijdgenoten te documenteren. Inmiddels geldt Ninagawa veeleer als een tweede generatie ‘onnanoko shashinka’, omdat ze een uitzonderlijk talent is, met een heel volwassen benadering van haar onderwerp. En met toch nog een fascinerende mengeling van onbevangenheid, plezier en durf. Sinds 1997 publiceerde zij zo’n veertig fotoboeken. Naast televisiecommercials regisseerde zij een avondvullende speelfilm, ‘Sakuran’, die in 2007 met veel succes op het filmfestival van Berlijn werd vertoond.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial,helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Verdana" size="1"><span face="Verdana" size="1"><span face="Verdana" size="1"><img src="http://www.galeries.nl/vinkje.gif" height="10" /> De kunstenaar zal tijdens de opening aanwezig zijn.</span></span></span></p> Thu, 30 Aug 2012 05:47:51 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list