ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/ams/Events/show en-us 40 Susan Schuppli - Stroom Den Haag - October 2nd 4:00 PM - 5:30 PM <p style="text-align: justify;">The project <em><strong>Evidence on Trial</strong></em> by <strong>Susan Schuppli</strong> represents evidentiary documents sourced from the <a href="http://icr.icty.org/" target="_blank">Archives of&nbsp; the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia (ICTY)</a> -&nbsp; including videos, photographs, aerial footage, diagrams, floor plans, models, and maps marked by witnesses. While most exhibits in the ICTY archive are transcriptions of oral testimonies and witness statements, this project set out to examine the issues that emerge when material evidence is reprocessed by the legal machine that is the international court. What happens when media and other non-textual evidence enters into legal proceedings as material witnesses entrusted with the task of testifying before the tribunals of history?</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Saturday 4 October, 16-17.30 hrs: opening with a</strong><strong><strong>rtist talk and Q&amp;A <br /></strong></strong><strong><strong><strong>Sunday 16 November, </strong></strong></strong><strong><strong><strong><strong>16-17.30 hrs</strong>): finissage with screening </strong></strong></strong><strong><strong><strong><strong>documentary <em>Material Witness</em> (Susan Schuppli)</strong></strong></strong></strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong><strong><strong><strong><strong><strong>Open: Monday-Friday, 11-17 hrs; Saturday- Sunday, 12-17 hrs</strong></strong></strong></strong></strong></strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>Zaterdag 4 oktober, 16-17.30 uur: opening met lezing Susan Schuppli en Q&amp;A<br />Zondag 16 november (</strong><strong><strong>16-17.30 uur</strong>): finissage met screening documentaire <em>Material Witness</em> (Susan Schuppli)</strong></p> <p style="text-align: justify;">Het project <em><strong>Evidence on Trial </strong></em>van <strong>Susan Schuppli</strong> presenteert stukken uit de <a href="http://icr.icty.org/" target="_blank">Archieven van het Joegoslavi&euml;-tribunaal (ICTY)</a> - onder andere video's, foto's, luchtfoto's, diagrammen, plattegronden, schaalmodellen en landkaarten die door ooggetuigen zijn gemarkeerd. Bij de meeste bewijsstukken in het ICTY-archief gaat het om transcripties van getuigenverhoren en schriftelijke verklaringen. Het doel van dit project is om te onderzoeken wat zich voordoet wanneer fysiek bewijsmateriaal wordt verwerkt door het gerechtsapparaat van een internationaal strafhof. Wat gebeurt er wanneer een beeld- of geluidsopname of ander niet-schriftelijk document als materieel bewijs wordt ingezet in een rechtszaak - wanneer het een getuigenis wordt voor toekomstige generaties?</p> Fri, 19 Sep 2014 10:24:54 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Marieke van Diemen, Tim Abeling - Nieuw Dakota - October 5th 4:00 PM - 6:00 PM <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;">TimeZone vindt zijn aanleiding in het gebouw Kraanspoor, aan het Amsterdamse IJ naar een ontwerp van OTH/Ontwerpgroep Trude Hooykaas. Beeldend kunstenaar Marieke van Diemen fotografeerde Kraanspoor ruim twee jaar en dichter Tim Abeling schreef een po&euml;tisch-filosofische tekst. Vijf jaar na de publicatie (NAI uitgevers, 2009) over dit inmiddels iconische gebouw Kraanspoor werpt het project TimeZone een ander licht op de architectuur en haar omgeving. Nieuw Dakota toont het werk van Marieke van Diemen en Tim Abeling van 5 oktober tot en met 2 november. Tevens vindt op 5 oktober de presentatie van het gelijknamige boek plaats, met een speciale luxe editie.</p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;">Opening: zondag 5 oktober om 16:00 door Tineke Reijnders en Ben van Melick</p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;">Het boek is ontworpen door <a href="http://www.uitgeverijhuisclos.nl/TimeZone/" target="_blank">Piet Gerards Ontwerpers</a> en uitgegeven door <a href="http://www.uitgeverijhuisclos.nl/TimeZone/" target="_blank">Huis Clos.&nbsp;</a></p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;"><a href="http://mariekevandiemen.nl/" target="_blank">mariekevandiemen.nl</a></p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;"><strong>Over de Tekst van TimeZome</strong></p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;">&lsquo;Noord. Death offstage.&rsquo; Rauw, precies, compromisloos, TimeZone is een lofzang op een gebouw: Kraanspoor, en een poging tot een esthetica, in het besef van de vruchteloosheid van die poging. Fundamentele kwesties komen daarbij aan de orde, niet als vertoog of essay; daarvoor is de contingentie van betekenissen&mdash;&lsquo;Betekenis is een gek, a birdbrain. Alive in every direction&rsquo; &mdash;in het veld van po&euml;zie, filosofie en essay te complex. Te vloeiend ook. Idee&euml;n, altijd al residu. Alleen vragen raken de grond niet. Nu eens een wervelende dans van thema&rsquo;s, dan weer een monument van ingeklonken betekenissen, TimeZone is als architectonische fuga een po&euml;ticaal equivalent van wat Kraanspoor is in Amsterdam-Noord.</p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;"><br /><strong>Over het beeld van TimeZone</strong></p> <p class="Hoofdtekst" style="text-align: justify;">Een foto ziet meer dan het oog. Perceptie, de relatie tonen-kijken en het museum als instituut van de conventionele waarneming vormen kernthema&rsquo;s in het werk van Marieke van Diemen. Haar lopende fotografie-project &lsquo;Museum View Series&rsquo; neemt het museale venster als uitgangspunt. Het museum als repertorium van conventies. Kijken is cultuur; cultuur is informatie verdringen. De lens daarentegen gebruikt het venster als canvas. TimeZone radicaliseert dit nog: het niet-geziene ontlokt onvoorspelbaarheid. Binnen de kristalheldere figuratie van Kraanspoor tonen de beelden hoezeer kijken de wereld ontkennen is. Maar kijken is geen theorie, maar a natural high.</p> Wed, 24 Sep 2014 16:41:22 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Willy de Sauter - Phoebus Rotterdam - October 5th 3:00 PM - 5:00 PM <div> <div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small; color: #000000;">De Belgische kunstenaar&nbsp;<strong>Willy de Sauter</strong>&nbsp;maakt werken &nbsp;&ndash; &nbsp;autonoom en installaties &nbsp;&ndash; &nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small; text-align: left;">in krijtlagen op paneel. Een intensieve klus, refererend aan de traditie van de schilderkunst:&nbsp;het nat-in-nat aanbrengen en polijsten van de (dag)delen voordat, bijvoorbeeld in de renaissance,&nbsp; Het gaat Willy de Sauter bij deze intensieve &nbsp;(en misschien na oefening ook lichte) activiteit,&nbsp;om licht,&nbsp;glans en matheid, om&nbsp;compositie en de rechte lijn;&nbsp;om materie en het ontbreken daarvan;&nbsp;maar vooral ook om een algehele fragiliteit. Kleine fijne werken en tafels waarop de werken in het licht&nbsp;worden getoond. De bezoeker loopt rond. Tot nu toe met name variaties in &nbsp;witten, grijzen en zwarten.&nbsp;De titel van de expositie &nbsp;&ndash; &nbsp;'[ blauw ]' &nbsp;&ndash; &nbsp;verwijst naar meerdere kleuren. &nbsp;</span></div> </div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">&nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">&bull; &nbsp;<strong>Eva van Diggelen</strong>, curator Kunsthal Rotterdam, houdt iets na 15 uur&nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-size: small; font-family: arial, helvetica, sans-serif;">tijdens de opening in Phoebus Rotterdam,&nbsp;een kort vraaggesprek met&nbsp;Willy de Sauter. &nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif;">&nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif;">&bull; &nbsp;Willy de Sauter neemt deel aan de expositie&nbsp;<strong>'Museum op schaal 1/7'&nbsp;</strong>in de&nbsp;<strong>Kunsthal</strong>&nbsp;Rotterdam. &nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif;">&nbsp;</span></div> <span style="color: #000000; font-size: small; font-family: arial, helvetica, sans-serif;">'Museum op schaal 1/7' is een initiatief van Galerie Ronny van de Velde met honderd miniatuur&nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><span style="color: #000000; font-size: small;">museumzalen, waarin presentaties te zien zijn van Belgische kunstenaars en artistieke bewegingen&nbsp;</span><span style="font-size: small;">in de 20e en 21e eeuw.&nbsp;</span></span></div> Wed, 24 Sep 2014 16:49:25 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Dominique De Beir - Phoebus Rotterdam - October 5th 3:00 PM - 5:00 PM <div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000;"><span style="font-size: small; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><strong>Dominique de Beir&nbsp;</strong>perforeert papier, slagvaardig en in een doorgaande beweging,&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">met behulp van een&nbsp;breed arsenaal aan gereedschappen: van schroeven, gemonteerd&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">onder haar laarsjes,&nbsp;waarmee zij op karton stampt en danst, tot spelden, priemen en&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small; text-align: left;">stansvormen&nbsp;die zij&nbsp;op haar vingers plaatst.&nbsp;Tegen het licht gehouden, ontstaat po&euml;zie:&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">tekent zich&nbsp;in het&nbsp;doorboorde&nbsp;karton&nbsp;of papier een sterrenhemel af. In een expositie&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">over papier en materiaal in 2011,&nbsp;hing, voor een van de grote ramen van het&nbsp;Louvre&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">een halftransparent rolgordijn.&nbsp;</span></span></div> </div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">&nbsp;</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="color: #000000;"><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">Recent maakt Dominique de Beir gebruik van papierrollen uit de textielindustrie, waarmee&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">machinaal wordt geborduurd. Bewerkt worden deze rollen in kasten van aluminium&nbsp;</span><span style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; font-size: small;">geplaatst die eveneens zijn geperforeerd.</span></span></div> Wed, 24 Sep 2014 16:51:56 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Pieter Hugo - Cokkie Snoei Rotterdam - October 11th 5:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;">Kin is a bittersweet perspective on Hugo's homeland of South Africa. It is a meditation on the ideals of home, both familial and humanistic. It explores the tenuous ties that both bind us to and repel us from others.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is located at the gallery in Rotterdam, both rooms</p> <p class="text" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> Mon, 22 Sep 2014 15:28:55 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Pieter Lastman, Rembrandt van Rijn, Frans Hals, Jan Steen, Jan Miense Molenaer, Frans van Mieris - Frans Hals Museum - October 11th 11:00 AM - 5:00 PM <div id="primary-content"> <p style="text-align: justify;"><em>Emotions: Pain and Pleasure in Dutch Painting of the Golden Age</em> runs from 11 October 2014 to 15 February 2015 in the Frans Hals Museum. Exploring such themes as Suffering and Despair, Love and Lust, Joy and Gaiety, the exhibition reveals the way painters in the sixteenth and seventeenth centuries produced believable portrayals of emotions. There was little more important in the painting of the Golden Age than conveying human emotions convincingly. The exhibition is compiled by the celebrated art historian and writer Gary Schwartz.</p> <p style="text-align: justify;">Connoisseurs maintained that the beauty of a painting was not half as important as the passions it portrayed. But how did painters capture doubt, fear, horror or rage on canvas? And how do we read these inner emotions from outward appearance? Is the face truly the mirror of the soul? Guest curator Gary Schwartz, who put the exhibition together on the basis of a concept by curator Anna Tummers, introduces visitors to the range of insights and theories as to how emotions could be best be painted that existed in the seventeenth century. At the end of the exhibition, with the aid of the latest scientific research, visitors will discover how twenty-first century viewers see and experience depicted emotions.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition contains more than fifty works from the sixteenth- and seventeenth-century collections of museums including the Frans Hals Museum, the Rijksmuseum, the Mauritshuis, Museum Boijmans van Beuningen, Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Strasbourg, Teylers Museum, the Centraal Museum and a number of private collections in the Netherlands and abroad. The Museum der bildenden K&uuml;nste in Leipzig is lending Frans Hals&rsquo;s famous painting, <em>The Mulatto</em>. As well as paintings by Frans Hals, the exhibition will feature history paintings, genre works and portraits by masters like Pieter Lastman, Rembrandt, Jan Steen and Frans van Mieris. Among the highlights is the little-known monumental <em>Christ Crowned with Thorns</em> by the Haarlem-born painter Jan Miense Molenaer.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Vrijwel niets was in de schilderkunst van de Gouden Eeuw belangrijker dan het overtuigend in beeld brengen van menselijke emoties. Angst, verdriet, verbazing, woede, lust en liefde bijvoorbeeld. Volgens kenners was de schoonheid van een schilderij niet half zo belangrijk als de hartstochten die erin te zien waren. Dat was &lsquo;de ziel&rsquo; van het werk, volgens de beroemde schildersleraar Karel van Mander. Daarin schuilde zelfs &lsquo;de grootste kracht van de hele schilderkunst&rsquo;, aldus diens collega Willem Goeree.</p> <p style="text-align: justify;">Voor schilders was het geen eenvoudige opgave. En de inzichten veranderden over hoe het schilderen van emoties het best kon worden gedaan. Zo stond Rembrandt erom bekend naar zijn eigen spiegelbeeld te werken. Hij raadde het ook zijn leerlingen aan: om als een soort acteur de emoties uit te beelden die ze wilden schilderen. Anderen hielden zich strikter aan voorbeelden. In de tweede helft van de 17e eeuw werd in boeken en prenten in groot detail uitgelegd hoe een innerlijk gevoel was af te lezen aan een uiterlijke beweging of pose. Een stapje ingewikkelder werd het als een schilder personages met uiteenlopende emoties wilde combineren of in &eacute;&eacute;n figuur gemengde gevoelens wilde laten zien.</p> <p style="text-align: justify;">In de tentoonstelling staan geschilderde emoties centraal. Uitgangspunt is de collectie 16e en 17e eeuwse schilderijen van het Frans Hals Museum. Deze is voor de gelegenheid aangevuld met enkele sleutelstukken uit de collectie van onder andere het Rijksmuseum, het Mauritshuis, het Museum Boijmans van Beuningen, het Teylers Museum en enkele particuliere verzamelingen. Bij de tentoonstelling verschijnt een full-color catalogus.</p> <hr /> <p>&nbsp;</p> </div> Thu, 07 Aug 2014 09:04:24 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Femmy Otten - Galerie Fons Welters - October 11th 5:00 PM - 7:00 PM Wed, 01 Oct 2014 08:21:58 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Dan Walwin - Galerie Fons Welters - October 11th 5:00 PM - 7:00 PM Wed, 01 Oct 2014 08:21:46 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Jean-Baptiste Maitre - Martin Van Zomeren - October 11th 5:00 PM - 7:00 PM Mon, 22 Sep 2014 15:35:44 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - Museum Boijmans Van Beuningen - October 11th 11:00 AM - 5:00 PM <p class="intro" style="text-align: justify;">Do we actually want a new wardrobe every six months or can fashion last longer? Does the fit of a dress have to satisfy the prevailing ideal of beauty or might it be different? What is fashion&rsquo;s role in the advance of wearable technology like Google Glass? These are the fundamental questions that concern the latest generation of fashion designers. This autumn Museum Boijmans Van Beuningen is showing the fashion of the future, with work by designers including Viktor &amp; Rolf, Christophe Coppens (Belgium), Hussein Chalayan (Cyprus) and Rejina Pyo (Korea).</p> <p style="text-align: justify;">The latest generation of fashion designers takes a critical view of the current fashion system. They are coming up with innovative solutions and fresh designs at the cutting edge of fashion and art. Sustainability, futuristic technologies and the social value of clothes are themes with which these designers address the fashion of the future. &lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; - with clothes and accessories, videos and installations - can be seen this autumn in the museum&rsquo;s 1,500-square-metre exhibition space. The exhibition is an initiative of Han Nefkens Fashion on the Edge.</p> <h3 style="text-align: justify;">Fashion of Tomorrow</h3> <p style="text-align: justify;">The exhibition will show work by more than fifty international designers, from renowned fashion houses to young up-and-coming talent. The world-famous fashion duo Viktor &amp; Rolf will respond to the present fashion system with a Zen garden and pleas to move more slowly with greater spirituality. Designer Wang Lei (China) makes traditional Chinese costumes from woven toilet tissue and Carole Collet (UK) explores sustainable materials in her experiments with lace patterns that grow from strawberry plants. The hand-knitted creations by Pyuupiru (Japan) offer the wearer a new identity, free from the restricting influence of the human body. Technological innovations also offer designers new approaches to what &lsquo;fashion&rsquo; could be in the future. Charging a smartphone while travelling is easy with the jacket from Pauline van Dongen&rsquo;s &lsquo;Wearable Solar Project&rsquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Six fashion designers are making new work exclusively for the exhibition, enabled by the Han Nefkens Fashion on the Edge Award. They share their working process on the new online platform <a href="http://www.futureoffashion.nl" target="_blank">www.futureoffashion.nl</a>.</p> <h3 style="text-align: justify;">Publication, Boijmans Tour and More</h3> <p style="text-align: justify;">A lavishly illustrated glossy publication is being produced to accompany the exhibition and there will be a special multimedia tour during The Future of Fashion is Now&rsquo; in which a number of designers will discuss their work. ARTtube will also feature a number of videos. The museum is staging a variety of activities including a symposium, workshops and lectures.</p> <h3 style="text-align: justify;">Han Nefkens Fashion on the Edge</h3> <p style="text-align: justify;">Han Nefkens Fashion on the Edge is an initiative by the writer, patron and art activist Han Nefkens and fashion guru Jos&eacute; Teunissen (ArtEZ Institute for the Arts) in collaboration with Museum Boijmans Van Beuningen. Its mission is to foster fashion talent that works at the cutting edge of fashion and art, initiate commissions and support research into valuable changes in the fashion scene.</p> <h3 style="text-align: justify;">With thanks to</h3> <p style="text-align: justify;">&lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; is made possible in part through the generous support of Han Nefkens Fashion on the Edge and the Creative Industries Fund NL,&nbsp;Prins Bernhard Cultuurfonds (made possible by Breeman Talle Fonds), the BankGiro Loterij and the K.F. Hein Fund. Vogue Nederland is media partner for the exhibition.</p> <h3 style="text-align: justify;">Design in Boijmans</h3> <p style="text-align: justify;">Museum Boijmans Van Beuningen is the museum in the Netherlands where national and international design talent has a platform. Design is central again in 2014 in the &lsquo;Design in Boijmans&rsquo; programme. Alongside &lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo;, the museum is focusing on design and styling with a variety of special exhibitions and its rich collection.</p> <hr /> <p class="intro" style="text-align: justify;">Willen we echt iedere zes maanden een nieuwe garderobe of kan mode langer mee? Moet de pasvorm van een jurk voldoen aan het heersende schoonheidsideaal of kan het ook anders? Wat is de rol van mode in de opmars van de zogenaamde &lsquo;wearable technology&rsquo;, zoals Google Glass? Dit zijn de fundamentele vragen die centraal staan bij de nieuwste generatie modeontwerpers. Museum Boijmans Van Beuningen toont dit najaar de mode van de toekomst, met werk van onder anderen Viktor &amp; Rolf, Christophe Coppens (Belgi&euml;), Hussein Chalayan (Cyprus) en Rejina Pyo (Korea).</p> <p style="text-align: justify;">De nieuwste generatie modeontwerpers kijkt met een kritische blik naar het huidige modesysteem. Ze komen met innovatieve oplossingen en frisse ontwerpen op het raakvlak van mode en kunst. Duurzaamheid, futuristische technologie&euml;n en de maatschappelijke waarde van kleding zijn thema&rsquo;s waarmee deze ontwerpers vorm geven aan de mode van de toekomst. &lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; - met niet alleen kleding en accessoires maar ook video&rsquo;s en installaties - is dit najaar te zien in de 1500 m2 grote tentoonstellingsruimte van het museum. De tentoonstelling is een initiatief van Han Nefkens Fashion on the Edge.</p> <h3 style="text-align: justify;">Mode van morgen</h3> <p style="text-align: justify;">De tentoonstelling laat werk zien van ruim vijftig internationale ontwerpers, van gerenommeerd modehuis tot jong aanstormend talent. Het wereldberoemde modeduo Viktor &amp; Rolf reageert met een Japanse zentuin op het huidige modesysteem en pleit voor onthaasting en meer spiritualiteit. Ontwerper Wang Lei (China) maakt traditionele Chinese kostuums van geweven wc-papier en ook Carole Collet (UK) onderzoekt duurzame materialen in haar experiment met kantpatronen die groeien uit aardbeienplanten. De hand gebreide creaties van Pyuupiru (Japan) bieden de drager een nieuwe identiteit, bevrijd van de bepalende invloed van het menselijk lichaam. Ook technologische innovaties bieden ontwerpers nieuwe invalshoeken over wat &lsquo;mode&rsquo; in de toekomst zou kunnen zijn. Een smartphone opladen onderweg is geen probleem met de jas uit het &lsquo;Wearable Solar Project&rsquo; van Pauline van Dongen.</p> <p style="text-align: justify;">Zes ontwerpers maken exclusief voor de tentoonstelling nieuw werk, hiertoe in staat gesteld door de Han Nefkens Fashion on the Edge Award. Op het nieuwe online platform <a href="http://www.futureoffashion.nl" target="_blank">www.futureoffashion.nl</a> delen zij hun werkproces.</p> <h3 style="text-align: justify;">Publicatie, Boijmans Tour en meer</h3> <p style="text-align: justify;">Bij de tentoonstelling verschijnt een rijk ge&iuml;llustreerde, glossy publicatie en een speciale multimediatour waarin tijdens &lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; een aantal ontwerpers aan het woord komt. Op ARTtube verschijnen tijdens de tentoonstelling diverse video&rsquo;s. Het museum organiseert verschillende activiteiten, zoals een symposium, workshops en lezingen.</p> <h3 style="text-align: justify;">Han Nefkens Fashion on the Edge</h3> <p style="text-align: justify;">Han Nefkens Fashion on the Edge is een initiatief van schrijver, mecenas en kunstactivist Han Nefkens en mode-expert Jos&eacute; Teunissen (ArtEZ hogeschool voor de kunsten) in samenwerking met Museum Boijmans Van Beuningen. Het initiatief heeft als missie modetalent te ondersteunen dat werkt op het raakvlak van mode en kunst, initieert commissies en ondersteunt onderzoek naar waardevolle veranderingen in de mode scene.</p> <h3 style="text-align: justify;">Met dank aan</h3> <p style="text-align: justify;">&lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; wordt mede mogelijk gemaakt door de genereuze steun van Han Nefkens Fashion on the Edge, Stimuleringsfonds Creatieve Industrie, Prins Bernhard Cultuurfonds (mede mogelijk gemaakt dankzij het Breeman Talle Fonds), BankGiro Loterij en het K.F. Hein Fonds. Vogue Nederland is mediapartner van de tentoonstelling.</p> <h3 style="text-align: justify;">Design in Boijmans</h3> <p style="text-align: justify;">Museum Boijmans Van Beuningen is h&eacute;t museum in Nederland waar nationaal en internationaal ontwerptalent een podium heeft. Binnen het programma &lsquo;Design in Boijmans&rsquo; staat vormgeving ook in 2014 centraal. Naast &lsquo;The Future of Fashion is Now&rsquo; is er met diverse bijzondere designtentoonstellingen en de rijke collectieopstelling weer veel aandacht voor design en vormgeving in het museum.</p> Thu, 14 Aug 2014 15:58:41 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Richard Serra - Museum Boijmans Van Beuningen - October 11th 11:00 AM - 5:00 PM <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">From this autumn, the street-side space known as Boijmans&rsquo; &lsquo;Serra Gallery&rsquo; is being devoted to the history of Richard Serra&rsquo;s &lsquo;Waxing Arcs&rsquo;, a work that consists of two gigantic arcs of steel in an otherwise empty space.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&lsquo;Waxing Arcs&rsquo; is probably one of the museum&rsquo;s best-known works. Visible from the street, it is an unmissable colossus in the entrance area, but is perhaps one of the least understood works in the museum. You can be certain that nobody would suspect the history and stories which lie behind the striking rusty arcs in the large street-facing gallery. With the programme around &lsquo;Waxing Arcs&rsquo; by Richard Serra (b. San Francisco, 1939), Museum Boijmans Van Beuningen wants to bring one of the museum&rsquo;s most remarkable works of art to life and offer the public an insight into what normally remains hidden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The multimedia presentation examines the work&rsquo;s history and how works of art change over time. The presentation is part of an extensive programme around Richard Serra that includes a symposium and a film programme.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A new experience</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Serra created the work in 1980 for his solo exhibition at the museum. Shortly thereafter it was acquired by the then director, Wim Beeren. Serra&rsquo;s underlying idea for this imposing work was that the public would experience the space differently as they walk through or past it, in part because of how the arcs are positioned within the space.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Part of the architecture</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Since the 1980s the museum&rsquo;s architecture has changed several times, including the gallery where the work of art was originally installed. For example, the circulation routes have been altered (the museum&rsquo;s entrance used to be to the left of the current gallery, and was later directly from the street via this wing). The original flight of stairs between the arcs has been replaced by a ramp, the ceiling raised and the tiles superseded by a concrete floor. The work of art itself has not remained untouched either: it has been replaced by a new version with different dimensions. This second version is more than a metre higher and half a centimetre thicker than the original work. The dimensions of the gallery itself have been doubled and it is occasionally used to display other works of art.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Multimedia</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">To better understand the work, for the exhibition the space will be emptied, as it was originally. A twelve-minute multimedia experience composed of photos, film fragments and audio will help to transport the visitor into the story about &lsquo;Waxing Arcs&rsquo; and the artist Richard Serra, including the work&rsquo;s museum-related history and the perception of the space. This multimedia presentation is designed in cooperation with IJsfontein.&nbsp;</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">New meaning</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With this exhibition, Museum Boijmans Van Beuningen wants to show that the appearance and meaning of works of art are not necessarily fixed, but can change. In Dutch collections there are about seven site-specific Serra works, several early sculptures that use rubber and neon, drawings and films, of which Museum Boijmans Van Beuningen holds about ten films and four drawings.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Symposium</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On 14 November 2014 the museum is organising a symposium together with the Stichting Behoud Moderne Kunst (SBMK, the Foundation for the Conservation of Contemporary Art) to shed light on various works by Serra in the collections of Dutch museums. The speakers include restorers and curators who work at the Stedelijk Museum Amsterdam, the Kr&ouml;ller-M&uuml;ller Museum, the Bonnefanten Museum, Museum Boijmans Van Beuningen and SBMK, as well as freelance art historian Jan van Adrichem. All these museums and institutions have work by Richard Serra in their collections.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Serra Gallery will not be accessible from 11 to 20 August 2014 due to maintenance in the museum.</span></h3> <hr /> <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Vanaf dit najaar staat de zaal aan de straatzijde, bekend als Boijmans&rsquo; &lsquo;Serra zaal&rsquo;, in het teken van de geschiedenis van het kunstwerk &lsquo;Wassende bogen&rsquo; van Richard Serra. Het kunstwerk bestaat uit twee gigantische bogen van staal in een lege zaal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&lsquo;Wassende bogen&rsquo; is misschien wel een van de meest bekende werken van het museum. Te zien vanaf de straat, niet te missen in het entreegebied. Maar misschien is het ook wel een van de minst begrepen werken. Zeker is dat niemand vermoedt welke geschiedenis en verhalen er achter de markante roestige bogen in de grote zaal aan de straatzijde schuilgaan. Met het programma rondom de Wassende bogen van Richard Serra (San Francisco, 1939) wil Museum Boijmans Van Beuningen een van de meest markante kunstwerken van het museum tot leven brengen, en het publiek inzicht geven in wat normaal verborgen blijft.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De multimediale presentatie gaat in op de geschiedenis van het werk en op de manier waarop kunstwerken over tijd veranderen. De presentatie maakt deel uit van een uitgebreid programma rond Richard Serra dat onder meer een symposium en een filmprogramma omvat.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Nieuwe ervaring</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Serra maakte het kunstwerk in 1980 speciaal voor zijn solotentoonstelling in het museum. Vlak daarna werd het aangekocht door de toenmalige directeur Wim Beeren. Serra&rsquo;s achterliggende gedachte bij het imposante werk was dat de bezoeker de ruimte anders zou ervaren als hij er langs zou lopen en door de manier waarop de bogen in de zaal zijn geplaatst.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deel van architectuur</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Sinds de jaren tachtig is de architectuur van het museum echter meerdere malen veranderd waaronder ook de zaal waar het kunstwerk oorspronkelijk voor is gemaakt. Zo zijn de bezoekersstromen gewijzigd (de ingang van het museum was ooit links van de huidige zaal en later aan de straatzijde). Ook is de oorspronkelijke trap tussen de bogen vervangen door een hellingbaan, is het plafond verhoogd en hebben de tegels plaatsgemaakt voor een betonnen vloer. Ook het kunstwerk zelf is niet onaangetast gebleven. Zo is het kunstwerk geheel vervangen door een nieuwe versie met andere afmetingen. Deze tweede versie is ruim een meter hoger en een halve centimeter dikker dan het oorspronkelijke kunstwerk. De zaal zelf is qua afmetingen verdubbeld en wordt zo nu en dan gebruikt voor het tonen van andere kunstwerken.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Multimedia</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Om het kunstwerk te kunnen begrijpen, wordt voor de tentoonstelling de ruimte als vanouds leeg gemaakt. Met behulp van een circa&nbsp;12 minuten durende multimediale ervaring met foto&rsquo;s, filmfragmenten en geluid, wordt de bezoeker meegenomen in het verhaal over &lsquo;Wassende bogen&rsquo; en kunstenaar Richard Serra, langs de museumgeschiedenis van het werk en het ervaren van de ruimte.&nbsp;Deze multimediale presentatie is ontwikkeld in samenwerking met IJsfontein.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Nieuwe betekenis</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Museum Boijmans Van Beuningen wil met de tentoonstelling laten zien dat het uiterlijk en de betekenis van kunstwerken niet gefixeerd zijn, maar veranderen. Er zijn ongeveer zeven site-specific werken van Serra en enkele vroege werken met rubber en neon, tekeningen en films in Nederlandse collecties. Museum Boijmans Van Beuningen heeft daarvan circa tien films en een viertal tekeningen.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Symposium</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op 14 november 2014 vindt in samenwerking met de Stichting Behoud Moderne Kunst (SBMK) een symposium plaats waarin verschillende werken van Serra in Nederlands museaal bezit worden toegelicht. De sprekers zijn restauratoren en conservatoren werkzaam bij het Stedelijk Museum Amsterdam, Kr&ouml;ller-M&uuml;ller Museum, Bonnefanten museum, Museum Boijmans Van Beuningen, SBMK en freelance kunsthistoricus Jan van Adrichem. Al deze musea en instellingen hebben werk van Richard Serra in de collectie.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In verband met werkzaamheden in het museum zal de Serrazaal in de periode van 11 tot 20 augustus 2014 niet toegankelijk zijn.</span></h3> Thu, 14 Aug 2014 16:05:46 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Siobhan Hapaska - Museum Boijmans Van Beuningen - October 11th 11:00 AM - 5:00 PM <p class="intro" style="text-align: justify;">*Sensory Spaces is a series of commissioned solo projects presented in the Willem van der Vorm Gallery, located in the freely accessible exhibition space in the museum&rsquo;s entrance hall. Artists are invited to respond to the architectural qualities of the space, emphasizing notions of transformation and surprise.</p> <p style="text-align: justify;">The fifth site-specific installation will be made made by Siobh&aacute;n Hapaska.</p> Thu, 14 Aug 2014 16:06:40 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list Studio Wieki Somers - Museum Boijmans Van Beuningen - October 11th 11:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;">&lsquo;Out of the Ordinary&rsquo; presents Studio Wieki Somers&rsquo;s (Dylan van den Berg &amp; Wieki Somers) own particular take on the World - a desire to experience reality in a slightly different way. To celebrate the studio&rsquo;s tenth anniversary, the museum is showing a selection of their work, including furniture, objects and the collections known as &lsquo;Mitate&rsquo; and &lsquo;Frozen in Time&rsquo;. The combination of beauty, technical ingenuity and associative imagery makes the skilfully produced objects truly striking. &lsquo;Out of the Ordinary&rsquo; invites viewers to look at their own everyday reality through different eyes.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">De tentoonstelling 'Ongewoon gewoon' laat de specifieke kijk zien van Studio Wieki Somers (Dylan van den Berg &amp; Wieki Somers) die de werkelijkheid net anders wil ervaren. Vanwege het tienjarig jubileum van de studio toont het museum een selectie van hun werk waaronder meubels, objecten en de collecties &lsquo;Mitate&rsquo; en &lsquo;Frozen in Time&rsquo;. De vakkundig geproduceerde objecten vallen op door de combinatie van schoonheid, technisch vernuft en associatieve beeldtaal. 'Ongewoon gewoon'&nbsp;nodigt de toeschouwer uit om met andere ogen te kijken naar zijn eigen dagelijkse realiteit.</p> Thu, 14 Aug 2014 16:12:29 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - Kunsthal - October 12th 11:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;">In October 2014 the Kunsthal Rotterdam proudly presents the exhibition <em>Designing 007: Fifty Years of Bond Style</em>. From <em>Dr. No</em> in 1962, starring Sean Connery, to 2012's <em>Skyfall</em> with Daniel Craig, Agent 007 captured the world's imagination. The screen hero has not only headlined the most successful franchise in film history, he has made an indelible impact on the worlds of art, music, fashion, technology, travel, automotive design, and lifestyle.</p> <p style="text-align: justify;">The <em>Designing 007: Fifty Years of Bond Style</em> exhibition celebrates this world of innovation and action, style and sex appeal with an inside view of the world's favourite secret agent. More than 500 gadgets, costumes, iconic vehicles, storyboards, graphic designs and props, together with numerous film fragments, present an unequalled multimedia experience of the world of James Bond.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition has been formed with exclusive material from the archives of EON Productions on commission from the Barbican, London by guest curator Bronwyn Cosgrave, Oscar&reg;-winning costume-designer Lindy Hemming, and designer Ab Rogers. The exhibition has been presented previously in London, Toronto, Shanghai and Melbourne and will feature as part of The UK-Russia Year of Culture in Moscow before arriving in Rotterdam.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is organised by Barbican Centre, London, in partnership with EON Productions. "James Bond", "007 Gun Logo" and related James Bond Trademarks are trademarks of Danjaq, LLC, licensed by EON Productions Limited.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">"Bond, James Bond." Vanaf het moment dat Sean Connery deze beroemde naam uitspreekt aan het begin van <em>Dr. No</em>, heeft Agent 007 de wereld veroverd. De innemende geheim agent is niet enkel succesvol op het witte doek, maar staat sinds vijf decennia symbool voor het meest succesvolle merk in de filmgeschiedenis. De filmheld heeft een onuitwisbare invloed uitgeoefend op het gebied van kunst, muziek, mode, technologie, design en lifestyle.</p> <p style="text-align: justify;">De tentoonstelling <em>Designing 007: Fifty Years of Bond Style</em>, vanaf oktober 2014 in de Kunsthal Rotterdam te zien, presenteert de wereld van innovatie en actie, stijl en aantrekkingskracht van de meest bekende en favoriete geheim agent. Meer dan 500 gadgets, kostuums, iconische auto's, story boards, grafische ontwerpen en rekwisieten bieden samen met vele filmfragmenten een onge&euml;venaarde multimediale beleving van vijftig jaar filmgeschiedenis van James Bond.</p> <p style="text-align: justify;">De tentoonstelling is samengesteld met exclusief materiaal uit de archieven van EON Producties in opdracht van het Barbican Londen door gastcurator Bronwyn Cosgrave, Oscar&reg;-winnende kostuumontwerper Lindy Hemming en ontwerper Ab Rogers en is eerder te zien geweest in Londen, Toronto, Shanghai en Melbourne, en doet voor Rotterdam eerst nog Moskou aan.</p> <p style="text-align: justify;">De tentoonstelling is in samenwerking met EON Productions samengesteld door Barbican Centre, Londen. "James Bond", "007 Gun Logo" en aanverwante James Bond merken zijn handelsmerken van Danjaq, LLC, onder licentie van EON Productions Limited.</p> Thu, 07 Aug 2014 10:09:27 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - eye - October 15th 2:00 PM - 3:30 PM <div class="panel-col"> <div class="panel-pane pane-entity-field pane-node-body"> <div class="pane-content"> <div class="body" style="text-align: justify;"> <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With<em> Solid Light Films and Other Works (1971-2014)</em> EYE presents the first solo exhibition of British artist Anthony McCall in the Netherlands. Since the 1970s McCall has produced a remarkable body of work that includes drawing, performance and &ndash; most importantly for this exhibition &ndash; large-scale light projection installations, so-called solid light films. These sculptural light projections are at once minimalist in form and magical in effect, theoretical in essence and visceral when experienced. The solid light films are in a permanent state of flux, consistently refusing to be classified by the confined categories of art history, such as &lsquo;sculpture&rsquo; and &lsquo;film&rsquo;.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">McCall&rsquo;s consistent refusal to conform to rigid art and film historical classifications is one of the reasons for presenting his work at EYE. &nbsp;The show reflects one of the key objectives of EYE&rsquo;s exhibition programme that is to show how the medium of film also develops outside the auditorium of conventional cinema. In this light, McCall&rsquo;s work exceeds conventional expectations of what film can be or do. After all, it is film in the sense that the work is rooted in the essentials of film, but also visual art, as it contains many aspects that previously belonged to that domain.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">McCall&rsquo;s work reveals how the medium of film also develops outside its traditional venue of the cinema auditorium. It derives from the artistic context of the nineteen sixties and early seventies, in which performance art, minimal art, expanded cinema, structural film and conceptual art played an important role. Artists such as Andy Warhol, Richard Serra, John Cage and Allan Kaprov provides the rich, multidisciplinary foil against which to read McCall&rsquo;s projections</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Solid Light Films</strong></span><br /><span style="font-size: small;">In McCall&rsquo;s first solid light film Line Describing a Cone (1973) a white dot on the screen gradually grows into a full circle. With the help of artificial haze, the light beam becomes highly visible so that the initial thin line projecting the dot slowly turns into a hollow cone: a &lsquo;line describing a cone&rsquo;. Entering the dark, misty space, the visitor immediately turns to the projector from which emanates the light cone wrapping around his/her body like a large halo.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">With this work McCall set out to examine the foundations of film while simultaneously offering a critique of the cinema industry. McCall turns cinema&rsquo;s raison d&rsquo;&ecirc;tre on its head and draws the viewer&rsquo;s attention away from the projected image towards the projection beam itself. By presenting his work in a museum space, McCall also challenges the visitor to relate physically to the moving light sculptures. The haze in the gallery space enforces the bodily and intimate encounter between the viewer and the solid light films. It produces a kind of thick, &lsquo;soft&rsquo; atmosphere in which audience and work become immediately embalmed, connected.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Development</strong></span><br /><span style="font-size: small;">In the late 1970s McCall&rsquo;s art practice gradually moved away from film installations. However, after working as a graphic designer for twenty years, McCall was invited to present Line Describing a Cone at the ground-breaking exhibition Into the Light at the New York Whitney Museum in 2001. Improved technical conditions, such as easy-to-handle projectors and controllable hazers enabled the reinstallation of his work. Furthermore, digital design software allowed McCall to revisit and expand on his &lsquo;70s works.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">McCall made his first digital solid light film Doubling Back in 2003. This consists of two projected wave forms, which slowly travel across each other.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition at EYE features numerous early works by McCall; drawings, photographic works, performance and slide pieces, which formed the overtures to his first solid light film. It also traces the gradual development from the early works Line Describing a Cone and Four Projected Movements (1975) &ndash; which will be presented digitally in the exhibition &ndash; to the first and later digitally produced installations Doubling Back (2003) and Face to Face (2013), McCall&rsquo;s first expanded, double projection piece. Finally, the exhibition also presents Travelling Wave (1972/2013). This work holds a unique position in McCall&rsquo;s oeuvre as it is purely sound-based.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition is curated by Jaap Guldemond (EYE&rsquo;s Director of Exhibitions) and experimental film buff Dr Maxa Zoller, freelance curator and publicist.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Publication</strong></span><br /><span style="font-size: small;">The exhibition is complemented by the publication Anthony McCall, Face to Face. This book contains an interview with the artist by co-curator Maxa Zoller, an essay by art historian Luke Smythe and McCall&rsquo;s reflections on his own work. These texts are accompanied by an extensive selection of reproductions showing McCall&rsquo;s large-scale light projections and works on paper. The result is rich and nuanced impression of McCall&rsquo;s fascinating oeuvre.</span><br /><span style="font-size: small;">Published by EYE in collaboration with nai010 publishers. 168 pp. &euro; 19.50 For more information on the book or to order a copy, contact Ester Martens, pr/marketing, nai010 publishers, 010-2010132 (direct), <a href="mailto:ester@nai010.com" rel="nofollow">ester@nai010.com</a> / <a href="http://www.nai010.com/mccall" rel="nofollow" target="_blank">www.nai010.com/mccall</a></span></p> <hr /> <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">EYE presenteert de eerste solotentoonstelling van de Britse kunstenaar Anthony McCall in Nederland. Sinds de jaren zeventig heeft McCall een opmerkelijk oeuvre opgebouwd dat bestaat uit tekeningen, performances en grote installaties die hij&nbsp;<em>Solid Light Films&nbsp;</em>noemt. Met deze films van massief licht onderzoekt McCall de basiselementen van cinema: licht en projectie. De lichtsculpturen zijn constant in beweging en bevinden zich in het grensgebied tussen film en beeldende kunst. In de tentoonstelling is de stapsgewijze ontwikkeling van de&nbsp;<em>Solid Lights Films</em>&nbsp;te volgen, vanaf vroege iconische werken als&nbsp;<em>Line Describing a Cone</em>&nbsp;(1973) tot McCalls recente dubbelprojectie&nbsp;<em>Face to Face (II)</em>(2013).</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Lichtbundel</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Anthony McCall wilde met&nbsp;<em>Solid Light Films</em>&nbsp;de fundamenten van de film onderzoeken en tegelijkertijd kritiek leveren op de filmindustrie. McCall draait het uitgangspunt van de filmindustrie radicaal om, hij haalt de aandacht van de beschouwer weg bij het geprojecteerde beeld en stuurt het naar de lichtbundel zelf. McCall daagt de bezoeker uit zich in de tentoonstellingsruimte tot de bewegende lichtsculpturen te verhouden. De nevelige tentoonstellingsruimte versterkt de lichamelijke en intieme ontmoeting tussen de toeschouwer en de&nbsp;<em>Solid Light Films</em>.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Magisch effect</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">McCalls werk laat zien hoe het medium film zich ook buiten de gebruikelijke vertoningsplaats van de filmzaal heeft ontwikkeld. Het komt voort uit de rijke artistieke context van de jaren zestig en vroege jaren zeventig met zijn bloeiende filmcollectieven, de expanded cinema-beweging, de structurele film, en de installatie- en performancekunst van kunstenaars als Andy Warhol, Richard Serra, John Cage en Allan Kaprow. Zijn&nbsp;<em>Solid Light Films</em>&nbsp;zijn minimalistisch van vorm en magisch in effect.</span></p> <span style="font-size: small;">McCalls consequente weigering zich te conformeren aan starre kunsthistorische categorie&euml;n is een van de redenen om zijn werk in EYE te presenteren. Het tentoonstellingsbeleid van EYE is immers gericht op een allesomvattende presentatie van de filmcultuur; McCalls werk verduidelijkt hoe het medium film zich ook buiten de gebruikelijke vertoningsplaats van de filmzaal heeft ontwikkeld.</span><br /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> </div> <div class="body"> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Anthony McCall.&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=E4FDLc2HbAY#t=10" rel="nofollow" target="_blank">"Five Minutes of Pure Sculpture"</a>. Interview by Felix von Boehm, Camera by Till Vielrose. Production by&nbsp;bboxxfilme.de. Published April 20th, 2012.&nbsp;</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Zijn werk &ndash; dat voortkomt uit de wereld van de beeldende kunst &ndash; omzeilt filmische conventies en verwachtingen. Het is vooral de rijke artistieke context van de jaren zestig en vroege jaren zeventig &ndash;&nbsp; met zijn bloeiende filmcollectieven, de expanded cinema-beweging, de structurele-filmonderzoekers, en de installatie- en performancekunst &ndash; die de multidisciplinaire achtergrond vormt waartegen we McCalls projecties moeten duiden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Publicatie</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bij de tentoonstelling verschijnt de publicatie Anthony McCall, Face to Face. Dit boek bevat een interview met de kunstenaar door co-curator Maxa Zoller, een essay van kunsthistoricus Luke Smythe, en reflecties van McCall op zijn eigen werk. Deze teksten worden begeleid door een brede selectie van reproducties van de grootschalige lichtprojecties en werken op papier van McCall. Het resultaat is een rijk en genuanceerd beeld van McCalls intrigerende oeuvre.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Uitgegeven door EYE i.s.m. nai010 uitgevers. 168 pp. &euro; 19,50</span></p> </div> </div> </div> </div> Mon, 22 Sep 2014 15:59:33 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list - eye - October 16th 2:00 PM - 3:30 PM <div class="panel-col"> <div class="panel-pane pane-entity-field pane-node-body"> <div class="pane-content"> <div class="body" style="text-align: justify;"> <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With<em> Solid Light Films and Other Works (1971-2014)</em> EYE presents the first solo exhibition of British artist Anthony McCall in the Netherlands. Since the 1970s McCall has produced a remarkable body of work that includes drawing, performance and &ndash; most importantly for this exhibition &ndash; large-scale light projection installations, so-called solid light films. These sculptural light projections are at once minimalist in form and magical in effect, theoretical in essence and visceral when experienced. The solid light films are in a permanent state of flux, consistently refusing to be classified by the confined categories of art history, such as &lsquo;sculpture&rsquo; and &lsquo;film&rsquo;.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">McCall&rsquo;s consistent refusal to conform to rigid art and film historical classifications is one of the reasons for presenting his work at EYE. &nbsp;The show reflects one of the key objectives of EYE&rsquo;s exhibition programme that is to show how the medium of film also develops outside the auditorium of conventional cinema. In this light, McCall&rsquo;s work exceeds conventional expectations of what film can be or do. After all, it is film in the sense that the work is rooted in the essentials of film, but also visual art, as it contains many aspects that previously belonged to that domain.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">McCall&rsquo;s work reveals how the medium of film also develops outside its traditional venue of the cinema auditorium. It derives from the artistic context of the nineteen sixties and early seventies, in which performance art, minimal art, expanded cinema, structural film and conceptual art played an important role. Artists such as Andy Warhol, Richard Serra, John Cage and Allan Kaprov provides the rich, multidisciplinary foil against which to read McCall&rsquo;s projections</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Solid Light Films</strong></span><br /><span style="font-size: small;">In McCall&rsquo;s first solid light film Line Describing a Cone (1973) a white dot on the screen gradually grows into a full circle. With the help of artificial haze, the light beam becomes highly visible so that the initial thin line projecting the dot slowly turns into a hollow cone: a &lsquo;line describing a cone&rsquo;. Entering the dark, misty space, the visitor immediately turns to the projector from which emanates the light cone wrapping around his/her body like a large halo.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">With this work McCall set out to examine the foundations of film while simultaneously offering a critique of the cinema industry. McCall turns cinema&rsquo;s raison d&rsquo;&ecirc;tre on its head and draws the viewer&rsquo;s attention away from the projected image towards the projection beam itself. By presenting his work in a museum space, McCall also challenges the visitor to relate physically to the moving light sculptures. The haze in the gallery space enforces the bodily and intimate encounter between the viewer and the solid light films. It produces a kind of thick, &lsquo;soft&rsquo; atmosphere in which audience and work become immediately embalmed, connected.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Development</strong></span><br /><span style="font-size: small;">In the late 1970s McCall&rsquo;s art practice gradually moved away from film installations. However, after working as a graphic designer for twenty years, McCall was invited to present Line Describing a Cone at the ground-breaking exhibition Into the Light at the New York Whitney Museum in 2001. Improved technical conditions, such as easy-to-handle projectors and controllable hazers enabled the reinstallation of his work. Furthermore, digital design software allowed McCall to revisit and expand on his &lsquo;70s works.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">McCall made his first digital solid light film Doubling Back in 2003. This consists of two projected wave forms, which slowly travel across each other.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition at EYE features numerous early works by McCall; drawings, photographic works, performance and slide pieces, which formed the overtures to his first solid light film. It also traces the gradual development from the early works Line Describing a Cone and Four Projected Movements (1975) &ndash; which will be presented digitally in the exhibition &ndash; to the first and later digitally produced installations Doubling Back (2003) and Face to Face (2013), McCall&rsquo;s first expanded, double projection piece. Finally, the exhibition also presents Travelling Wave (1972/2013). This work holds a unique position in McCall&rsquo;s oeuvre as it is purely sound-based.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition is curated by Jaap Guldemond (EYE&rsquo;s Director of Exhibitions) and experimental film buff Dr Maxa Zoller, freelance curator and publicist.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>Publication</strong></span><br /><span style="font-size: small;">The exhibition is complemented by the publication Anthony McCall, Face to Face. This book contains an interview with the artist by co-curator Maxa Zoller, an essay by art historian Luke Smythe and McCall&rsquo;s reflections on his own work. These texts are accompanied by an extensive selection of reproductions showing McCall&rsquo;s large-scale light projections and works on paper. The result is rich and nuanced impression of McCall&rsquo;s fascinating oeuvre.</span><br /><span style="font-size: small;">Published by EYE in collaboration with nai010 publishers. 168 pp. &euro; 19.50 For more information on the book or to order a copy, contact Ester Martens, pr/marketing, nai010 publishers, 010-2010132 (direct), <a href="mailto:ester@nai010.com" rel="nofollow">ester@nai010.com</a> / <a href="http://www.nai010.com/mccall" rel="nofollow" target="_blank">www.nai010.com/mccall</a></span></p> <hr /> <p class="intro" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">EYE presenteert de eerste solotentoonstelling van de Britse kunstenaar Anthony McCall in Nederland. Sinds de jaren zeventig heeft McCall een opmerkelijk oeuvre opgebouwd dat bestaat uit tekeningen, performances en grote installaties die hij&nbsp;<em>Solid Light Films&nbsp;</em>noemt. Met deze films van massief licht onderzoekt McCall de basiselementen van cinema: licht en projectie. De lichtsculpturen zijn constant in beweging en bevinden zich in het grensgebied tussen film en beeldende kunst. In de tentoonstelling is de stapsgewijze ontwikkeling van de&nbsp;<em>Solid Lights Films</em>&nbsp;te volgen, vanaf vroege iconische werken als&nbsp;<em>Line Describing a Cone</em>&nbsp;(1973) tot McCalls recente dubbelprojectie&nbsp;<em>Face to Face (II)</em>(2013).</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Lichtbundel</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Anthony McCall wilde met&nbsp;<em>Solid Light Films</em>&nbsp;de fundamenten van de film onderzoeken en tegelijkertijd kritiek leveren op de filmindustrie. McCall draait het uitgangspunt van de filmindustrie radicaal om, hij haalt de aandacht van de beschouwer weg bij het geprojecteerde beeld en stuurt het naar de lichtbundel zelf. McCall daagt de bezoeker uit zich in de tentoonstellingsruimte tot de bewegende lichtsculpturen te verhouden. De nevelige tentoonstellingsruimte versterkt de lichamelijke en intieme ontmoeting tussen de toeschouwer en de&nbsp;<em>Solid Light Films</em>.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Magisch effect</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">McCalls werk laat zien hoe het medium film zich ook buiten de gebruikelijke vertoningsplaats van de filmzaal heeft ontwikkeld. Het komt voort uit de rijke artistieke context van de jaren zestig en vroege jaren zeventig met zijn bloeiende filmcollectieven, de expanded cinema-beweging, de structurele film, en de installatie- en performancekunst van kunstenaars als Andy Warhol, Richard Serra, John Cage en Allan Kaprow. Zijn&nbsp;<em>Solid Light Films</em>&nbsp;zijn minimalistisch van vorm en magisch in effect.</span></p> <span style="font-size: small;">McCalls consequente weigering zich te conformeren aan starre kunsthistorische categorie&euml;n is een van de redenen om zijn werk in EYE te presenteren. Het tentoonstellingsbeleid van EYE is immers gericht op een allesomvattende presentatie van de filmcultuur; McCalls werk verduidelijkt hoe het medium film zich ook buiten de gebruikelijke vertoningsplaats van de filmzaal heeft ontwikkeld.</span><br /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> </div> <div class="body"> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Anthony McCall.&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=E4FDLc2HbAY#t=10" rel="nofollow" target="_blank">"Five Minutes of Pure Sculpture"</a>. Interview by Felix von Boehm, Camera by Till Vielrose. Production by&nbsp;bboxxfilme.de. Published April 20th, 2012.&nbsp;</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Zijn werk &ndash; dat voortkomt uit de wereld van de beeldende kunst &ndash; omzeilt filmische conventies en verwachtingen. Het is vooral de rijke artistieke context van de jaren zestig en vroege jaren zeventig &ndash;&nbsp; met zijn bloeiende filmcollectieven, de expanded cinema-beweging, de structurele-filmonderzoekers, en de installatie- en performancekunst &ndash; die de multidisciplinaire achtergrond vormt waartegen we McCalls projecties moeten duiden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Publicatie</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bij de tentoonstelling verschijnt de publicatie Anthony McCall, Face to Face. Dit boek bevat een interview met de kunstenaar door co-curator Maxa Zoller, een essay van kunsthistoricus Luke Smythe, en reflecties van McCall op zijn eigen werk. Deze teksten worden begeleid door een brede selectie van reproducties van de grootschalige lichtprojecties en werken op papier van McCall. Het resultaat is een rijk en genuanceerd beeld van McCalls intrigerende oeuvre.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Uitgegeven door EYE i.s.m. nai010 uitgevers. 168 pp. &euro; 19,50</span></p> </div> </div> </div> </div> Mon, 22 Sep 2014 16:00:17 +0000 http://www.artslant.com/ams/Events/list http://www.artslant.com/ams/Events/list